VISTA DE ARTE - CRISTINA FALERONI

Retrospectiva de Marc Chagall en el Museo Thyssen Bornemisza

2012-02-13T09:25:00.011-03:00

La primera retrospectiva que se organiza en España del artista ruso Marc Chagall se presenta, a partir del 14 de febrero, en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid. Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo mundo, reunidas en ambas sedes, para repasar toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados del siglo XX; un creador singular, con un estilo personal e inconfundible, que ocupa un papel clave en la historia del arte. El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres,… y así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, que han cedido para la ocasión piezas fundamentales de sus fondos. Mención especial merecen el Centre Pompidou de París, desde donde han viajado nueve obras, y la propia familia del artista, que ha contribuido al proyecto con un generosísimo préstamo. El resultado, una larga y completa selección de obras maestras realizada por el comisario de la muestra Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, que hacen de esta exposición un acontecimiento artístico de primer orden, difícilmente repetible, y una ocasión única para acercarse a la extensa y particular obra de este artista imprescindible.

El poeta con alas de pintor
Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista, muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay, para crear un estilo personal y difícil de clasificar. Nacido en la ciudad bielorusa de Vitebsk, Chagall tuvo una larga vida casi centenaria, marcada por todos los grandes acontecimientos históricos de la primera mitad del siglo XX. Trabajador incansable y siempre abierto a nuevas experiencias y conocimientos, su producción artística es rica y abundante; estuvo siempre abierto a explorar nuevas técnicas -óleo, grabado, escultura, cerámica, vidriera..- y acometer nuevos proyectos. Un capítulo importante de la exposición está dedicado, por ejemplo, a su importante faceta como ilustrador de libros. A lo largo de toda su vida, Chagall estuvo acompañado por poetas y escritores, que fueron sus amigos y con los que mantuvo una relación de mutuo reconocimiento. Breton, Malraux, Cendrars, Apollinaire,…muchos veían en él a un “pintor literario”; y Chagall amaba la literatura, sobre todo el mensaje de libertad que contienen las palabras a las que él supo enriquecer con sus composiciones llenas de fantasía y de color.

Chagall fue, efectivamente, un maestro del color; sus tonos vibran con distintas intensidades, logrando realzar el contenido de los cuadros: sus azules, verdes, rojos o amarillos dan vida a los personajes, reales o fantásticos, que pueblan su particular universo. Un mundo en el que todo es posible y que no deja de sorprendernos, basado en historias vividas o imaginadas: un violinista, un rabino, una pareja de enamorados, un saltimbanqui, un paisaje y toda una amplia gama de animales fabulosos, pueblan sus complejas composiciones. En su obra los colores se mezclan de forma impensable, al igual que lo hacen sus extraños personajes. Esta peculiar combinación hace de él un precursor del surrealismo, tal como manifestó el teórico de este movimiento, André Breton:

«Con él la metáfora hizo su entrada triunfante en la pintura moderna».

Rusia (Vitebsk, 1887) – Francia (Saint-Paul de Vence, 1985)
Procedente de la lejana y provinciana ciudad de Vitebsk, con un importante núcleo de población judía, en el verano de 1911 el joven Chagall viaja por primera vez a París e intenta abrirse camino en la que entonces era la gran capital del arte. Hizo amistad con los pintores Léger, Modigliani o Soutine, y con los poetas André Salmon, Max Jacob y Guillaume Apollinaire, entre otros. En los años siguientes a su llegada a París expuso en el Salon d’Automne y en el Salon des Indépendants. A través de Guillaume Apollinaire conoció al marchante berlinés Herwarth Walden, que seleccionó tres obras suyas para el primer Herbstsalon de 1913 en Berlín y en cuya galería, Der Sturm, presentó su primera exposición individual en 1914. El público alemán, habituado al expresionismo, recibió su obra con entusiasmo; fue el arranque de su fama mundial, pasando de ser un joven artista con talento a obtener prestigio internacional.

Desde Berlín viajó a Vitebsk, su ciudad natal, donde le sorprendió la guerra. En 1915 contrajo matrimonio con su novia, Bella Rosenfeld, y, tras la Revolución rusa, ejerció durante dos años como director de la Escuela de Arte de Vitebsk. Debido a sus diferencias con Kazimir Malévich tuvo que abandonar la academia y en 1920 comenzó a trabajar en el Teatro Estatal Judío de Moscú realizando decorados y vestuarios.

En 1922 abandona Rusia para siempre y, tras pasar una corta temporada en Berlín, en 1923 se instala de nuevo en Francia. Allí vivió el resto de su vida a excepción de un periodo, entre 1941 a 1948, que residió en Estados Unidos para evitar ser deportado y durante el que, en 1946, el Museum of Modern Art de Nueva York celebró una exposición retrospectiva de su obra que consolidó su reputación internacional.

La Virgen de la aldea fue el primer Chagall que adquirió el barón Thyssen-Bornemisza en 1965; más tarde, sumaría a su colección otras tres obras excepcionales que actualmente forman parte de la colección permanente del Museo: El gallo, La casa gris y Desnudo. En una de las biografías de la familia Thyssen el Barón recuerda: “Una vez le pregunté a Chagall por qué siempre pintaba vacas tocando el violín en los cielos de sus pinturas. Chagall simplemente me respondió que había crecido en el campo y por lo tanto, siempre había estado rodeado de vacas. ‘Por eso siempre que puedo pinto vacas en el cielo’”.

El recorrido de la exposición por las salas del Museo Thyssen- Bornemisza y la Fundación Caja Madrid sigue un orden cronológico: la primera parte, “El camino de la poesía”, transcurre desde los inicios de su obra en Rusia y sus primeros años en París hasta su exilio forzoso en Estados Unidos, incluyendo su experiencia en la Rusia revolucionaria y su regreso a Francia en 1920. En “El gran juego del color”, en las salas de Caja Madrid, la atención se enfoca en su evolución artística posterior a 1950, con los grandes asuntos que centraron el interés del artista en las últimas décadas, como la Biblia o el Circo, su relación con los poetas contemporáneos y su producción escultórica y cerámica.

El camino de la poesía
Entre 1911 y 1914 Marc Chagall residió por primera vez en París. El pintor llegó a la capital francesa junto a Leon Bakst, su profesor en San Petersburgo, y, según su propio relato, inmediatamente se sintió seducido por el arte francés: «Bakst le dio un giro a mi vida. Nunca olvidaré a este hombre. En 1911 me invitó a ir con él a París como su asistente, pero allí nos separamos y yo caí en el ambiente de los artistas europeos contemporáneos. En el Louvre, delante de la Olimpia de Manet, de Courbet y de Delacroix, entendí lo que son el arte ruso y Occidente. Me sentí cautivado por el sentido de la medida y el gusto de la pintura francesa».

A pesar de la fascinación que siente por el ambiente artístico y la forma de vida parisiense, Chagall sigue siendo fiel al mundo de su Rusia natal, que añora y que rememora constantemente en su pintura. Por otro lado, su fuerte compromiso con la libertad le lleva a no adherirse a ninguno de los movimientos artísticos de vanguardia (cubismo, fauvismo,...), aunque sí muestra en esos años su influencia, dando como resultado un arte que causa admiración y extrañeza entre sus contemporáneos. La primera intención de Chagall al decidir dedicarse a la pintura había sido liberarse de la tradición del judaísmo hasídico, que consideraba sacrílega la representación de imágenes del hombre; quizás por ello, Chagall se mantuvo siempre dentro de la figuración y jamás se adentró en la abstracción como la mayoría de sus compatriotas. La habitación amarilla, El violinista, Dedicado a mi prometida, La boda, son algunos de los magníficos ejemplos de su trabajo en París que pueden contemplarse en el arranque de la exposición. Son obras de gran formato y composiciones complejas en las que aparece ya ese universo completamente nuevo y único creado por Chagall; un mundo poético, fantástico o soñado, en el que todo es posible, y en el que mezcla los recuerdos de su juventud y su innato sentido del color con la geometría y descomposición de las formas del cubismo o con el colorido vibrante de los pintores fauves.

En el verano de 1914 regresa a Vitebsk para ver a su novia, Bella. Aunque su intención era volver a París tras una corta estancia, el estallido de la Primera Guerra Mundial, primero, y de la Revolución bolchevique, después, le hicieron permanecer en su país hasta 1922. El fuerte contraste entre la efervescencia vanguardista parisiense y la vida tranquila de la provinciana Vitebsk, «triste y alegre», como la describe Chagall en su autobiografía, provocó una transformación en su pintura. Durante los seis años de estancia en esa pequeña ciudad judía antes de su traslado a Moscú, pintó una serie de cuadros -que él denominaba «documentos»- sobre sus gentes y sus paisajes: Bella sobre el puente, El tratante de ganado, La novia de las dos caras, El violinista… Entre estas obras se encuentra un conjunto de vistas de la ciudad en las que Chagall, con su peculiar lirismo, combina sentimientos contrapuestos, a veces idílicos, otras nostálgicos o apocalípticos, que respondían a la felicidad tras su reciente matrimonio o a las tensiones emocionales que le produjo la Revolución bolchevique, en la que el pintor tuvo un papel muy activo en los primeros años. Chagall nos muestra las iglesias y los hogares modestos de sus paisanos y convierte a Vitebsk en la ciudad idílica que sobrevolaba su amada esposa Bella o diversos personajes -Sobrevolando Vitebsk, Hombregallo sobrevolando Vitebsk,….- o en la población triste y apocalíptica que vemos, por ejemplo, en La casa gris del Museo Thyssen.

En 1927 Chagall firma un contrato con el marchante Georges Bernheim que marcaría el inicio del imparable éxito del pintor. Cinco años antes, había decidido volver a Occidente; primero se trasladó por un tiempo a Berlín hasta que, en septiembre de 1923, su amigo el poeta Blaise Cendrars le convenció para volver a la capital francesa y aceptar el encargo de Ambroise Vollard de ilustrar con una serie de grabados su edición de Las almas muertas de Gógol y de las Fábulas de La Fontaine. Para ilustrar el texto del escritor ruso realiza 107 grabados entre 1924 y 1927, en los que muestra un dominio absoluto de las técnicas de punta seca y aguafuerte; con su profundo conocimiento del pueblo ruso y su enorme fantasía, Chagall inventa personajes que representa con total libertad y con una mordaz ironía casi caricaturesca. En 1927 empieza a trabajar en las Fábulas de La Fontaine, para las que crea un conjunto de ilustraciones que se adecúan de forma impecable a la fantasía e ironía del escritor francés, cuyos poemas estaban poblados tanto de héroes de la mitología clásica y popular como de todo un repertorio de animales que se comportaban como seres humanos. A lo largo de esos años realiza también una serie de gouaches y obras independientes, claramente inspirados en esos mismos temas, de los que se reúne en la exposición una completa selección de más de cuarenta obras (La gata transformada en mujer, El zorro y las uvas, Las dos palomas, El gallo,…) junto a una edición de los dos libros y una selección de las propias ilustraciones enmarcadas.

Años más tarde recibe un nuevo encargo de Vollard: la ilustración de la Biblia, proyecto que vuelve a conectarle con su infancia y con la tradición judía hasídica de su pueblo natal. Mar Chagall maneja las distintas técnicas de grabado con gran virtuosismo, juega con el blanco y negro, el trazo grueso y el fino, logrando un conjunto de obras de una fuerza excepcional. De valor artístico unánimemente reconocido, estos libros marcan una etapa importante en la obra y las reflexiones de Chagall en la primera mitad del siglo XX. Él mismo comentará sobre esta parte de su producción:

«Creo que algo me habría faltado si, aparte del color, no me hubiera ocupado también, en unos momentos de mi vida, del grabado y la litografía… Cuando cogía una piedra litográfica o una plancha de cobre, era como si tocara un talismán. Me parecía que en ellas podía colocar todas mis tristezas, todas las alegrías… Todo aquello por lo que había pasado a lo largo de mi vida: los nacimientos, las muertes, los matrimonios, las flores, los animales, los pájaros, los pobres obreros; los padres, los enamorados en la noche, los Profetas Bíblicos, en la calle, en casa, en el Templo y en el Cielo. Y, con la edad, la tragedia de la vida, en nosotros mismos y en torno a nosotros».

El gran juego del color |En 1944 Bella murió inesperadamente y Chagall deja de pintar durante unos meses. Un año después, su asistente Virginia McNeil se convierte en su nueva compañera. Con ella volverá definitivamente a Francia y, en la primavera de 1950, se instalan en la localidad de Vence, en la Provenza. Una nueva luz, la del sur de Francia, vuelve a fascinar a Chagall y encuentra ahí una nueva tierra de acogida; una tierra de colores celestes que impregnan sus obras de las últimas décadas y en las que no abandona sus temas clásicos, la religión, la familia, los sueños, la fábula o el circo: El circo azul, La danza, Los tejados rojos, Mundo rojo y negro, La guerra, Los amantes en el poste…. son algunos de los títulos que pueden verse en la gran sala central de la Fundación Caja Madrid.

En esos años se embarca también en una nueva aventura artística: la cerámica. La invención de formas y la aplicación del color sobre el barro o el barniz le permiten enlazar con un arte de tradición popular por el que rápidamente se siente entusiasmado. Esta experiencia le conducirá pronto a adentrarse también en el mundo de la escultura y empieza a trabajar el mármol, la piedra o el bronce; materiales imperecederos con los que recupera los gestos y los recuerdos de un arte primitivo, de nuevo una vuelta a sus orígenes, a la religión, a la fantasía:

“En la cerámica, en la escultura, ¿qué puedo aportar? Tal vez el recuerdo de mi padre, de mi madre, de mi infancia, de los míos. Ante la materia ¡hay que ser humildes, hay que someterse a ella! La materia es natural, y todo lo que es natural es religioso”.

La exposición reúne una selección de piezas escultóricas, cerámicas y relieves, algunas de ellas inéditas, que centraron la actividad del artista a partir de 1950. En esos años Chagal recupera también algunos proyectos abandonados con motivo de la guerra, como las ilustraciones de libros, y se embarca en otros nuevos. Una retrospectiva en Jerusalén en 1951 le llevará a Israel que, a partir de entonces, visita con asiduidad. En 1952 se separa de Virginia y poco después se casa con Valentina Brodsky (Vava); su viaje de luna de miel a Grecia le inspira un nuevo proyecto de ilustración: Dafnis y Chloe, para cuyo montaje en la Ópera de París hizo también vestuarios y decorados. En 1958 se inicia en la creación de vitrales y realiza diseños para la catedral de Metz, la sinagoga de la Clínica Universitaria de Hadassah, en Jerusalén, o el Art Institute de Chicago, entre otras. En 1963 el ministro de cultura francés, André Malraux, le encarga los frescos del techo de la Ópera de París, doscientos metros cuadrados en los que Chagall realiza un homenaje a los grandes compositores -Mozart, Ravel, Stravinsky o Debussy- y cuyo boceto puede verse en una de las salas de la exposición.

El recorrido termina con un espacio dedicado a uno de sus grandes temas: el circo. Un mundo mágico por el que muestra gran interés a lo largo de toda su vida y que de nuevo le conecta con su infancia en Vitebsk, donde era frecuente la llegada de grupos ambulantes de saltimbanquis que, con su aire de libertad y fiesta, fascinaba a los niños que como él esperaban impacientes su visita. Ya en la década de 1920 Vollard, que tenía un palco en el Circo de Invierno parisiense al que a menudo invitaba a Chagall, le hizo el encargo de ilustrar un libro sobre el tema, pero será en los años 1960 cuando concentra más su atención sobre él, quedando plasmado en un conjunto de gouaches y en un libro editado en 1967.

En 1969 se organiza la más importante retrospectiva de su obra en el Grand Palais de París. En 1973 la ministra rusa de cultura le invita a visitar su país natal a donde no volvía desde 1922; ese mismo año, se inaugura en Niza el Museo Nacional del Mensaje Bíblico Marc Chagall. Con 97 años inaugura la gran retrospectiva que en 1984 organizó la Fundación Maeght. Pocos meses después fallece en su casa de Saint-Paul de Vence, dejando en marcha numerosos proyectos inacabados

Muestra de Ilustraciones en el Museo El Chopo

2012-02-10T07:47:00.002-03:00

Como un homenaje a los 21 años de trayectoria artística de una de las agrupaciones más representativas del rock mexicano, se llevará a cabo la muestra de cartel Seguiremos siendo. Ilustrar a Café Tacuba en la que participan diseñadores, ilustradores y artistas visuales. La muestra consta de 48 piezas, las cuales tiene como temática ilustrar una canción de la banda. Previo a la inauguración de la muestra se proyectará el documental Seguir siendo. Café Tacuba 2010.

A través de una invitación directa a profesionales e íconos de la ilustración en México, y de una convocatoria dirigida a principiantes y estudiantes de carreras afines a las artes gráficas, el despacho regiomontano Xplaye Diseño creó este proyecto registrando 200 propuestas.

En la muestra, que se presentó anteriormente en Monterrey, se apreciará el trabajo de Mr. Kone (César Evangelista), El Grand Chamaco, WeEatDesing, Buque, ParanoidMe, FolkFolkFolk, Renato Guerra, Paulo Villagrán (también coordinador de la muestra en la Ciudad de México), Cruz Martínez, #Anónimo, Roberto Acuña, Tadeo Mendoza, Ángel Estrada, César Nández, Emily García, Lucero Rodríguez y James Calavera, por mencionar algunos.

Algunas de las canciones de Café Tacuba que fueron ilustradas son: El baile y el salón, Chilanga banda, El borrego, La ingrata, El espacio, El metro, Rarotonga, Volver a comenzar, La negrita, Las flores, Esta vez, Chica banda, Eo, Eres, Ojalá que llueva café, El Tlatoani del barrio, 53100, Seguir siendo, Alármala de tos, Revés, La muerte chiquita, Esa noche, Amores perros y El ciclón, entre otras.

La muestra tiene como antecedente el primer homenaje de ilustración realizado en 2010al músico argentino Gustavo Cerati en Monterrey, Nuevo León, en la Galería de exposiciones de CONARTE (Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León).

Café Tacuba inicia su carrera musical a finales de los ochenta, su música fusiona el rock, la música electrónica, el hip hop y el folklore por lo que no es fácil ubicarlo en un género musical. Con 21 años de trayectoria, la banda es considerada un ícono de la cultura popular mexicana.

El evento es liderado por el despacho de diseño regiomontano Xplaye Diseño con el apoyo y patrocinio de colegas e instituciones de cultura como la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Asimismo, se pretende recaudar fondos con la venta de las ilustraciones para ayudar a la Asociación de Espina Bífida de Nuevo León, la cual a través de 17 años ha ayudado a mejorar la calidad de vida de más de 840 niños que padecen esta enfermedad.

Seguiremos siendo. Ilustrar a Café Tacuba
Del 8 de febrero al 13 de mayo de 2012
Inauguración: miércoles 8 de febrero, 19:30 horas
Entrada libre
Museo Universitario del Chopo
Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Santa Ma. La Ribera
Tel. 5546 1245, 5535 2186
www.chopo.unam.mx

Las maravillosas pinturas de Carlos Tapia en su Muestra "Paisaje Urbano"

2012-02-07T08:28:00.004-03:00

La pintura reciente de Carlos Tapia genera un sugestivo impacto inicial por su penetrante colorido. Dominan colores primarios, fuertes, en escala larga que van formando una imagen de paisaje arquitectónico urbano en una sugestiva perspectiva que puede ser ascendente o viceversa. En mirada inclinada. Lineal y definida. Esto nos lleva a no sorprendernos al venir en conocimiento que Tapia proviene de la arquitectura y que no puede dejar de presentar en su obra la influencia que esos estudios dejaron en él. Huella profunda que ha permanecido en la evolución de su obra pictórica.

Nacido en Costa Rica, este joven artista presenta nuevamente su obra en Venezuela. Participó en la Feria Iberoamericana de Arte (FIA) del año XXXX representado por la Galería Valanti de San José, Costa Rica. Hoy nos presenta su primera exhibición individual en Caracas. Con formatos grandes y medianos darán la oportunidad al veedor venezolano de admirar su obra con toda su riqueza, fuerza del impacto inicial, un exuberante color y una moderna temática que de seguro capturará a la primera contemplación. Se confirma lo que nos dice Bélgica Rodríguez en el texto crítico: “El acto de pintar es en Tapia acto épico que se traduce en “espectáculo” visual. Las formas trascienden los límites del soporte para proyectarse al infinito igual que rayos de colores perceptibles solo a la imaginación del que mira. La calidad plástica es completa, lo que el artista desea expresar está allí respetando todas las reglas de la buena pintura”.

El significado del arte es mucho más complejo que el justificar su existencia. Primeramente son aquellos elementos formales que, definiendo una expresión estética, llevan a la valoración de un significado resumido en un tema dado, el que al final es lo que menos importancia tiene en la presunción del trabajo del artista como una obra de arte representativa de la traducción en imágenes de su visión plástica del mundo. Por otro lado debe ser la suma de emociones espirituales con conceptos intelectuales, la consecuencia de una sensibilidad propia, de un conocimiento exhaustivo de la historia del arte y de un contexto humano y cultural. Por todo esto, generalmente se hace difícil reducir una producción artística resultado del trabajo de una personalidad creadora a compartimentos estancos ligados o no a la historia del arte y de las ideas. Cada artista desarrolla su estilo sin que fuera de él hayan leyes fijas que lo gobiernen. La libertad es la plataforma fundamental de la creación. En este sentido, un pintor como Carlos Tapia, joven, talentoso, gran trabajador y perseverante con sus propios ideales estéticos, ha desarrollado un estilo que le pertenece, una estética profundamente propia que le ubica en una vanguardia personal en el arte de estas dos últimas décadas. La suya es una pintura de efectos teatralmente plásticos, llenos de humor e ironía y de compleja simplicidad, valga la definición un tanto contradictoria.

Las arquitecturas imposibles de Carlos Tapia no son transcripciones de una realidad vivida. Ellas son aquellas asociaciones privadas que le corresponden en la fantasía de su universo subjetivo. La trayectoria de este artista costarricense ha estado marcada por la constante de un “paisaje urbano” representado a partir de perspectivas cenitales y escorzos que se proyectan desde fuera del soporte hacia el interior de la pintura. Es la mirada omnisciente del “Voyeur” que colocado arriba del foco de acción de las estructuras arquitectónicas, las deforma y convierte, prácticamente, en caricaturas de ellas mismas. Una de las características más directa es la violencia cromática con la que invade hasta el más pequeño segmento de la composición, siempre organizada en ritmos orgánicos y sinuosos. La visión del artista se concreta en atmósferas de ciencia ficción que condensan actitudes psicológicas y visuales de una sociedad que llegó trastocada al siglo XXI.

La pintura de Tapia es una suerte de anagrama resuelto a partir de la topografía laberíntica de un segmento urbano seleccionado en el banco de imágenes que reposa en la memoria. No son reales, menos los gatos que en sus rincones pululan y se enfrentan al espectador como queriendo defender un territorio inexpugnable. El artista explora axiomas secretos de significados kafkianos escondidos en paranoicas arquitecturas de vértigo. Pero también estas arquitecturas imposibles albergan conversaciones del silencio. Están allí, cosificadas en un espacio metafísico sin tiempo. Espacio cargado de contornos definidos por la fuerza cromática de un color aparentemente sin discurso visual coherente. Sin embargo, esta fuerza cromática testifica la realidad misma de la pintura, es lo más cierto que la habita. El color juega papel fundamental. Una amplia paleta dominada por rojos, amarillos y verdes, aplicados metódicamente sobre las múltiples zonas de diferentes dimensiones, divide la estructura total en fragmentos caleidoscópicos expresados en los esplendores de brillantes colores del trópico y de la espléndida artesanía centroamericana. No sería descabellado relacionar la fuerza cromática de Tapia con la decoración de los exquisitos objetos de la artesanía costarricense, a la vez que se emparenta con la pintura de coloristas como Henry Matisse con su carga decorativa y también con la expresión de violencia psíquica y física del color visual de van Gogh. No puede faltar aquí mencionar el humor que permea este trabajo. Tapia es un hombre de un fino humor que representa en su obra con profunda sutileza, tal vez los gatos sean personajes de esta iconografía simbólica que impone una acción específica como inventario personal de vida cotidiana.

Una extraña composición, a veces agresiva en su disposición sobre el soporte, hace imperativo que el color rebase las fronteras de lo convencionalmente aceptado en circunstancias artísticas académicas. Si fuese necesario ubicar esta obra en contextos estilísticos correspondientes a las vanguardias históricas, por la fiereza y exultación cromática compartiría banco con el más exacerbado expresionismo; mientras que por la composición, aparentemente dislocada por complejos escorzos y ejes estructurales arbitrarios, estaría ubicada en un espacio metafísicamente significativo en perpetuo movimiento. El acto de pintar es en Tapia acto épico que se traduce en “espectáculo” visual. Las formas trascienden los límites del soporte para proyectarse al infinito igual que rayos de colores perceptibles solo a la imaginación del que mira. La calidad plástica es completa, lo que el artista desea expresar está allí respetando todas las reglas de la buena pintura.

Carlos Tapia crea pintura y la vive como experiencia sensible personal. Arquitecturas Imposibles son realidades no posibles, pero siempre previsibles en el imaginario colectivo. Esta obra, al final, corresponde a testimonios de la presencia del Ser, como forma abstracta, como forma gato, como forma tigre u otra cualquiera que la mente puede inventar, a pesar de su evidente figurativismo seguirán siendo invenciones del artista. Desde lo más profundo de su inquietud creadora, él propicia un encuentro de pasiones evocativas ligadas a universos poblados de elementos y formas donde no se concibe la agitación ordinaria de la cotidianidad.

Bélgica Rodríguez
Caracas, septiembre 2011

Carlos Tapia
Paisaje Urbano
Desde el 05 de febrero de 2012
Galería Medicci
Calle París con Nueva York, Edf. Themis Mary, PB.
Las Mercedes. Caracas
Tel: 212 992.3095
www.medicci.com
Horario
Martes a Sábado: 9am-5pm
Domingos y Lunes: Cerrado

Beatriz Olano expone en NC-Arte. Esquema Estructural

2012-02-04T08:53:00.002-03:00

El año de actividades inicia en NC-arte el sábado 4 de Febrero a las 11 a.m. con la presentación de la propuesta de la artista colombiana Beatriz Olano, quien ha trazado para este espacio, como es característico de su obra, una intervención única, nacida del diálogo con su estructura y modulaciones particulares. La intervención en este caso juega además con una serie de creaciones del campo de trabajo menos conocido de Beatriz Olano, que es el dibujo, en el que también se desempeña con sorprendente calidad y versatilidad con recursos de la geometría abstracta y con un personal y muy rico conocimiento del color, en ocasiones, en juego con variaciones en blanco y negro.

Es la primera oportunidad en que se presenta en Bogotá una amplia selección de dibujos de Beatriz Olano y en la que se hace entender en el contexto de una gran instalación y de otras más pequeñas, que todo el trabajo de esta artista: instalaciones, intervenciones espaciales y objetuales, dibujo y pintura es producto de una observación sin límites sobre el tiempo y el espacio.

Aunque Beatriz Olano ha expuesto en diversas oportunidades en el país, sobre todo en Medellín, su ciudad natal, por el tipo de obra abstracta que realiza es mayormente reconocida por la crítica internacional que por la nacional, sobre todo en los países en los que la geometría abstracta es una tradición rica. En estos, la propuesta de Beatriz Olano se comprende innovadora y de gran potencia expresiva. Beatriz Olano posee un gran dominio de la construcción armónica geométrica, lo que se expresa en los de muy diversos ritmos en que organiza sus composiciones, en las cuales además, trabaja con incomparable conocimiento del color y de las posibilidades de la linealidad.

En Bard College, en donde concluyó su maestría en pintura, después de realizar estudios en Visual Arts en N.Y., es recordada por algunos de quienes fueron sus profesores como una de las mejores artistas del mundo que ha pasado por esa universidad. En la obra de esta artista hay referencias ricamente interpretadas del trabajo de artistas de la tradición abstracta de Europa y Norteamérica, como también de latinoamericanos entre los que se cuenta Helio Oiticica. Entre lo trabajos contemporáneos mas queridos por la artista se encuentran el de Jessica Stockholder, Fred Sandback, Richard Tuttle y James Turrel.

Beatriz Olano
Esquema Estructural
Del 04 de febrero al 10 de marzo de 2012
NC-arte
Carrera 5 No 26b-76, Bogotá
Tel. 282 1474

Exposiciòn de Pinturas de Adriàn Paiva en el Centro Cultural Recoleta

2012-02-02T09:45:00.002-03:00

Siete pinturas y un dibujo de gran formato componen esta muestra sobre los humedales del Delta. Durante siglos los humedales fueron considerados tierras marginales que debían ser drenadas o recuperadas, para mejorar las condiciones sanitarias, afectarlos a la producción o a la especulación inmobiliaria. Actualmente ese concepto ha cambiado. La región del Delta bonaerense es un humedal que por su importancia hay que conservar.
"Registro de enfoques que, en general, antes de estar centrados en el paisaje como panorama, fraccionan la espesura o el sitio y lo abordan con una fuerza expresiva y con un desprejuicio formal, que arrebata cualquier intento de reducir el paisaje a su anécdota. Las ramas pinchan, las noches están cargadas de humedad, la tierra se adhiere a los zapatos".

Adrián Paiva
Off
Sala 10
Del 2 al 26 de febrero de 2012
Centro Cultural Recoleta
Junín 1930 (C.P. 1113) Buenos Aires
Lunes a viernes de 14 a 21 hs.
Sábados, domingos y feriados de 10 a 21 hs.
Tel.: 4803 1040

La Muestra del Artista Gustavo Pèrez. Obra reciente

2012-01-30T09:23:00.002-03:00

Con el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), el destacado ceramista mexicano Gustavo Pérez expondrá por primera vez en el Museo del Palacio de Bellas Artes, a partir del 20 de diciembre, una muestra que integra 81 piezas en cerámica que fueron creadas entre 2005 y 2011, por lo que se trata de la más reciente producción de este artista. Dicha exhibición estará disponible hasta el 19 de febrero.
“Exponer en el Museo del Palacio de Bellas Artes representa muchas cosas, pero la más importante es saber que va haber mucha gente que vea mis vasijas y pensar que la cerámica puede ser considerada con más interés y atención a partir de ser expuesta aquí. Puede ser algo muy significativo para la cerámica mexicana”, expresó el artista mexicano.
La muestra Gustavo Pérez. Obra reciente podrá visitarse hasta el 19 de febrero de 2012. Se trata de una exposición que se constituye como un reconocimiento al ceramista ganador del Premio Nacional de Cerámica 2010, considerando las modificaciones de su trabajo plástico e incluyendo la labor artística realizada en sus últimas residencias en Francia y Oaxaca.
Sobre su proceso de trabajo, el artista explicó que resulta muy variable: “Sobre todo cuando hay que hacer algo nuevo, se debe tener la confianza de que el material va a generar un diálogo. No es la intención de imponer mi voluntad al material sino estar atento a sus reacciones. El barro tiene cosas muy importantes qué decir en términos de plasticidad, forma y volumen, y hace falta sentir lo que propone como posibilidades que al paso del tiempo se vuelven un tema”.
Explicó que en su arte existe una necesidad de adaptarse a las circunstancias, al momento y saber cuándo quedarse en el tema. “Insistir en lo que se está desarrollando y cuándo es que se debe entender a la nueva curiosidad respecto al tema con el que uno se comprometió. Es atender las exigencias del proceso creativo”.

Dijo que los temas que aborda y las influencias que tiene no son muy precisas. “Mi proceso ha sido sedentario, algo que ha determinado que los temas que he desarrollado es que los he encontrado yo mismo. Lo que hago es el resultado de hallazgos personales que no pertenecen a ninguna tradición. Los efectos y algunas características de mis piezas no se encuentran en el trabajo o tradición del mundo, algo que ha sido una sorpresa para mí”.
“Mi idea más importante es que se debe trabajar mucho. Para mi fue fundamental que pasaron casi 25 años antes de encontrar algo profundamente personal y fuerte, cuando mi búsqueda adquirió una presencia que lo hizo reconocible como ‘el trabajo de Gustavo Pérez’, algo que se dio a conocer en muchas galerías del mundo”, agregó.

Resaltó la importancia de brindar apoyo a los jóvenes ceramistas y la necesidad de más proyectos de rescate a este arte. “Las opciones que existen para los artesanos son la de producir con gran calidad objetos que merezcan ser considerados obras de arte o vivir de una manera muy modesta. Los oficios han sufrido transformaciones a lo largo de la historia en todo el mundo y la tecnología ha modificado las formas de producción y ha hecho que se desvirtúe la tradición”, aseguró.
Jenifer Rosado, coordinadora de exposiciones del Museo del Palacio de Bellas Artes y responsable del proyecto, dijo que la muestra Gustavo Pérez. Obra reciente fue curada por el equipo del Museo del Palacio de Bellas Artes. “Se hizo una preselección de alrededor de 130 piezas y sobre las obras más atractivas e interesantes se montó esta exposición, con la idea de que no fuera un recorrido cronológico sino más bien estético y apelando a los temas que ha tratado el maestro en los últimos años de trabajo”.
Itzel Vargas, directora del Museo del Palacio de Bellas Artes, afirmó que en el marco de la exposición se realizarán, de manera gratuita, diversas actividades paralelas: El 12 de enero habrá un recorrido por la muestra y una charla dirigida por el mismo artista; el día 19 se ofrecerá una visión alterna de la exposición con un recorrido conducido por el coleccionista Carlos Pellicer, y el 2 de febrero se dará una visita especial al taller de cerámica de Aurora Suárez en Cuernavaca, Morelos.

Gustavo Pérez
Obra Reciente
Finaliza el 19 de febrero de 2012
Museo del Palacio de Bellas Artes
Av. Juárez s/n, esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico
CP 06050, Cuauhtémoc, Distrito Federal
Tel.: (55) 5512 2593

Exposiciòn Modalidades del Dibujo tradicional

2012-01-27T08:26:00.003-03:00

A partir del domingo 29 de enero a las 11 de la mañana, el Gabinete del Dibujo y de la Estampa de Valencia se engalana para mostrar un grupo de dibujos de la Colección Topel Páez en la que se podrán apreciar obras de artistas regionales, nacionales e internacionales. La muestra pretende ilustrar de manera fresca y diáfana las modalidades del dibujo apoyados en las creaciones de artistas de la talla de Arturo Michelena, Antonio Herrera Toro, Braulio Salazar, Héctor Poleo, Pascual Navarro, Francisco Narváez, Pedro Centeno Vallenilla, Emilio Boggio y Wladimir Zabaleta, entre otro nutrido grupo de importantes artistas.
En la exposición Modalidades del dibujo tradicional. Colección Topel Páez, el Gabinete del Dibujo y la Estampa de Valencia, da inicio a un programa de exposiciones didácticas que se desarrollarán en torno al conocimiento de los conceptos, clasificaciones, procesos técnicos, materiales y aspectos estéticos de las expresiones artísticas que le dan el perfil a la institución, el Dibujo y la Estampa. Así mismo, aprovecha la oportunidad para mostrar un conjunto de dibujos de la Colección Topel Páez que ilustran al espectador sobre las diversas modalidades en las que se nos puede presentar un dibujo (bosquejo, esbozo, estudio, apunte, proyecto, boceto, borrón). Representa, además, en el marco de su sexto aniversario como institución cultural valenciana, una primera aproximación y estudio de carácter investigativo sobre la colección que atesora el Gabinete”, así lo expresa Lizett Alvarez Ayesteran, directora de la institución y responsable de la curaduría y montaje de la misma.
En cuanto al dibujo como medio artístico, la directora expresa que: “en su concepción más tradicional, el dibujo, es la representación gráfica hecha a base de líneas y se sombras sobre un soporte bidimensional. No obstante, esta sencilla definición encierra un espectro complejo en donde la imaginación, la creatividad, la idea, el dominio de la técnica y el proceso creativo se manifiestan en su más pura expresión. Así, el dibujo posee sus características que lo diferencian de otras manifestaciones artísticas y en ellas se encierran las diversas modalidades o tipologías en las que se desarrolla esta técnica. Bocetos, borradores, bosquejos, proyectos, esbozos, estudios, apuntes, son, en la mayoría de los casos, adjetivos que fungen como sinónimos de los que entendemos como un dibujo. Sin embargo, la naturaleza de cada uno de ellos encierra una determinada intención que estará definida por el uso, propósito, finalidad y fijación de este gesto creativo”.
La exposición permanecerá abierta al público hasta el 26 de febrero de 2012 tiempo durante el cual se llevarán a cabo visitas guiadas y talleres para público general. De lunes a viernes de 9:00 am a 5:00 pm, sábados de 11:00 am a 3:00 pm. y domingos de 11:00 am a 2:00 pm. El acceso a la muestra es completamente gratuito y está abierta a todo público.

Gabinete del Dibujo y de La Estampa de Valencia
Colección Topel-Paez
Urb. Santa Cecilia, Sexta Transversal, #11, Valencia, Venezuela
0241 - 825 21 85 / 0414 437 1971
www.gabinetedeldibujo.com

Colectiva de Grabado en la Galerìa Biblioteca de Santiago

2012-01-23T08:32:00.004-03:00

En los últimos años la gráfica ha cobrado gran fuerza como medio plástico y visual. Así lo demuestra el Taller de Grabado Kimkilen que nos presenta la exposición “El vestido, no hay puntada sin hilo”, en la que doce artistas de Perú, Chile y Argentina entablan un debate visual a partir de la creación de una serie de imágenes en torno a un objeto común a todos, el vestido.

Es así que se desplazan por diferentes territorios de la reproducción desde los orígenes de la palabra hasta lo que significa el vestido hoy en día, reflexionando sobre su impacto social, su distribución comercial, analizando conceptos actuales como las passarellas, y el aparato de poder que genera el glamour de un objeto.

Muestra curada por el artista y grabador chileno Marco Duran, cuyo objetivo es presentar, a través de este tema, las tendencias del grabado contemporáneo. La misma que podrá ser vista a partir del jueves 15 de enero (se inaugura a las 18_:30 p.m.) en la galería de la biblioteca de santiago, sala 1) hasta el 27 de febrero.

Participan 12 artistas; entre los Peruanos se encuentran Máximo Antezana, Olga Flores, Julio Garay Terrazas, Jessica Liñán, Verónica Noriega, Zoila Reyes, Carolina Salinas y Fabiola Vizcardo. Además tenemos a los chilenos Mauricio Bravo, Marco Duran, Antonio Guzmán, Javiera Marín, Claudia Tapia y Ricardo Villarroel; y de Argentina Mariela Leal y Carolina Simon.

Taller Kimkilen (conocimiento en idioma mapuche) es un taller de grabado en el cual los fotógrafos, artistas visuales y profesionales de la imagen pueden desarrollar su obra con calidad de exhibición. Promueve además el arte gráfico y el intercambio de artistas de diferentes nacionalidades. El taller está dirigido por Marco Duran y Carolina Salinas los cuales realizan clases introductorias al grabado, abarcando desde las técnicas tradicionales hasta conceptos modernos del grabado y sus desplazamientos a otras acciones artísticas.

Sobre las obras
Perú
La propuesta de Julio Garay recoge desde la simple representación de la camisa de colegio, la nostalgia por los tiempos idos de la niñez y la carga sentimental que se es esconde detrás de este ícono.

Olga Flores valiéndose del bordado y la estampa, plantea el tema de los desplazamientos de las identidades que se generan en estos traspasos / procesos que de manera similar se producen en las dinámicas sociales, políticos y culturales
Fabiola Vizcardo percibe la vestimenta como un elemento estereotipador del hombre y la mujer, estableciendo niveles socioculturales de diferenciación a partir de la imagen y la conducta, conduciendo a un encasillamiento.

Máximo Antezana, crea a partir del mural (papel) impreso, la ficción de una tela cuya aplicación, lo lleva al límite de sus aplicaciones como elemento que no solo es destinado a cubrir los cuerpos sino, y en un sentido desplazamiento emocional, a cubrir espacios o zonas arquitectónicas, adoptándoles de una carga lúdica.

Verónica Noriega se ocupa de la relación del cuerpo con las cosas de su entorno, al grado de reconocer su valía a partir de la función que estos cumplen en su correspondencia útil con el cuerpo, descubriendo en el vestido y en el acto del vestir y desvestir, velar y develar, la acción práctica de un ritual que conlleva a un constante reconocimiento y revaloración de la persona.

Carolina Salinas juega con el significado del “mandil” como elemento protector al llevarlo hacia el campo mágico religioso, relacionándolo con el detente, objeto que desde su materialidad permite establecer un estado espiritual en correspondencia con el deseo de alcanzar y mantener un bienestar constante.

Chile
Mauricio Bravo cuestiona e indaga sobre el carácter artificial de nuestra identidad y sus respectivos códigos comunicativos al yuxtaponer elementos gráficos (estereotipos) como ojos, bocas, narices de hombres y mujeres tomados del publicista americano Andrew Loomis.

Claudia Tapia parte del concepto del maquillaje y del uso de la técnica del tapiz para traer a la memoria la relatividad del significado del color rojo según las creencias y los diversos estamentos sociales y la época, reforzando ese descubrir a partir del sentido oculto que guarda el traje y los elementos que la componen.

Javiera Marin plantea la vigencia del pasado, en este caso desde la imagen de la moda femenina de los 60. La propuesta posee un carácter móvil mediante la perforación parcial del soporte (proceso de desmaterialización) que sin afectar a la imagen, refuerza su presencia fantasmal a través del juego de la luz y la sombra. Así logra que la imagen congelada en el pasado transite con el presente.

Ricardo Villarroel propone un trabajo crítico y político. Muestra la técnica del corte y confección de una sotana romana, las telas negras yuxtapuestas y expuestas sobre una tela blanca, se despliegan estas hacia un juego de gestos, de roces con el soporte tela por parte del espectador (gesto provocador, por la materialidad del cuerpo de obra), un cuerpo que se mueve de su vocación hacia otro lugar, y cuya imagen frontal devela lo oculto en una segunda imagen, la del sacerdote-chileno acusado de violaciones. Desvestir la trama, hacer movible el corte y la confección, permite aquí la confesión del mismo sistema: social/político y cultural.

Antonio Guzmán revela desde el traje de primaria, la implantación de una educación falsa en su moral y en su información, revestida de un conocimiento absoluto, estático al que hay que aceptar y callar. De allí que la imagen del personaje animado “Pinocho” ponga en estado de cuestionamiento de la verdad y credibilidad dicha situación.

Marco Duran alude a un proceso de purificación y limpieza, un nuevo despertar a partir de un proceso simbólico, acto chamánico, en la que interviene imprimiendo (de manera menos barroca) una gran tela cruda en la que ve representar el presente arrastrando parte de su pasado y por tanto, su memoria, en una sociedad que se torna cada vez más fría.

Argentina
Carolina Simon en su obra “Tejido Urbano, Tejido Orgánico” superpone el cuerpo sobre la trama de la ciudad, estableciendo una relación comparativa entre los espacios corporales con los urbanos. Aquí el vestido se hace parte de la ciudad, de la trama social y política, y la trama urbana se hace parte del cuerpo, de la estructura del organismo con sus vías principales, y periféricas que comunican lo espacial físico y con lo espacial emocional, en aspectos relacionados con el lugar que ocupa el cuerpo en la ciudad y la ciudad en el cuerpo, saltando desde el plano artístico a construir los imaginarios en el espectador.

El trabajo de Mariela Leal, “Vestido para un medio perro y perros” plantea la violencia expuesta y descarnada. Para ello se vale de operaciones de corte y confección, tomando como metáfora el lápiz para transformarlo en hilos que devienen en una obra-díptico en la que destaca la técnica del brocado cuyos elementos ornamentales (flores) son dispuestos de manera azarosa en el muro, como un gran pellejo animal el cual queda expuesto a una jauría que se desplaza simétricamente entre retazos de cuerpos fragmentados a la espera de un ataque.

El Vestido, No hay Puntada sin Hilo
Del 15 enero al 27 de febrero de 2012
Galería Biblioteca de Santiago
Sala 1
Matucana 151, Quinta Normal, Sala 1
Santiago, Chile

Josè Marìa Cao, padre de la Caricatura Argentina

2012-01-20T11:04:00.002-03:00

La muestra, que podrá visitarse hasta el 12 de febrero de 2012, incluye alrededor de 80 litografías y dibujos originales (tintas y técnicas mixtas), publicados en el periódico Don Quijote y en las revistas Caras y Caretas y Fray Mocho, impresas en Argentina a fines del siglo XIX y principios del siglo XX

Sobre el artista
José María Cao es considerado el “padre” de los caricaturistas argentinos. Nacido en Galicia, Cao emigró a la Argentina antes de cumplir los 20 años de edad. Comenzó a trabajar en el periódico Don Quijote, fundado por Manuel Sojo, y firmaba sus trabajos como Demócrito II. Asimismo, se desempeñó como jefe de dibujantes en la revista Caras y Caretas desde su fundación (1898). Tiempo después fundó con otros dibujantes el semanario Fray Mocho, donde trabajó hasta su muerte, en 1917..

Según Julio Neveleff, “a pesar de su incesante actividad en diferentes medios, fue en Caras y Caretas donde encontró su madurez como ilustrador y el reconocimiento popular. Según Manuel Mayol, otro de los grandes dibujantes de aquellos años, Cao fue el «ironista más agudo y sutil, el caricaturista más fino, mordaz, ingenioso y afirmativo que ha existido en este continente. [...] A su aguda y certera vista era inútil ocultar las pequeñas debilidades que todos poseemos. Sin mirar, veía; y las corazas más seguras carecían de eficacia ante sus infalibles arremetidas. [...] Por ahí andan innumerables caricaturas (algunas de ellas cuidadosamente ocultas) verdaderos tratados de psicología, revelaciones sorprendentes, que han causado, por su fidelidad, más de un serio disgusto de esos que perturban el sueño. Muchas veces ha sido necesario contenerle porque de su lápiz salían a menudo caricaturas verdaderamente demoledoras. [...] Sentía secreta complacencia en volver del revés esas figuras decorativas que aparentan ser algo y no son nada...”

José María Cao: Padre de la Caricatura Argentina
Finaliza el 12 de febrero de 2012
Museo Eduardo Sívori
Av. Infanta Isabel 555
Buenos Aires - Argentina
011 4774-9452 / 4772-5628 / 4778-3899
Horario: Martes a Viernes de 12 a 20 hs.
Sábados, Domingos y feriados de 10 a 20 hs
Entrada: $1.
Sábados y miércoles, gratis
Fuente: Prensa Museo Sívori

Pinturas de Claudio Baldrich

2012-01-17T10:58:00.001-03:00

Claudio Baldrich
Pinturas

01/01/2012 - 29/02/2012
IL BALLO DEL MATTONE GALLERIA
Gorriti 5950
Buenos Aires
Argentina.

Artistas relacionados
Baldrich, Claudio

Literatura. Nuevos tìtulos de Libro al Viento

2012-01-14T08:30:00.001-03:00

/Literatura/

‘Memorias Palenqueras y Raizales’ y ‘El Primer Amor: Nuevos títulos de ‘Libro Al Viento’ .
La Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, y el Instituto Distrital de las Artes, presentan los más recientes títulos de la campaña de fomento a la lectura 'Libro al viento': "Memorias Palenqueras y Raizales", con fragmentos traducidos de la lengua palenquera y el creole; y "El Primer Amor", de Iván Turguéniev.
Como un testimonio de la diversidad de nuestro País, plasmado en su literatura, Libro al viento, publicó su nuevo título Memorias Palenqueras y Raizales, textos incluidos en un libro anterior llamado Rutas de Libertad, 500 años de travesía, editado por el Ministerio de Cultura en 2010, Un escritor y una escritora del Caribe colombiano, palenquero uno y raizal la otra, nos muestran a través de dos personajes, dos realidades frescas en las memorias de dos pueblos afrocolombianos: el palenque de San Basilio y el Archipiélago de San Andrés.
Este nuevo título de Libro al viento fue publicado en el marco del Año Internacional de los Afrodescendientes ( 2011), decretado así por la Unesco.
El segundo título de Libro al viento es El Primer amor del escritor ruso Iván Turguéniev ( 1819- 1883), publicado en 1860 y que plantea uno de los más reconocidos convencimientos populares: que el primer amor nunca se olvida.
Con estos dos nuevos títulos, Libro al viento, llega a 79 títulos publicados, los cuales están a disposición de los bogotanos en las seis bibloestaciones, en Transmilenio, ubicadas en los portales de Usme, Américas, Suba y Sur y en las estaciones Ricaurte y Av. Jiménez, en los puntos de lectura ubicados en las plazas de mercado de Quirigua, La Perseverancia, Restrepo, Fontibón, Trinidad y Galán y en 48 PPP -Paraderos Paralibros Paraparques.
Libro al viento es una campaña de fomento a la lectura creada por la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte y la Secretaría de Educación, coordinado por el Instituto Distrital de las Artes.

Fuente: Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte Alcaldía Mayor de Bogotá

Brenda Hoffman y Carola Rousso exponen en Uruguay

2012-01-13T08:24:00.001-03:00

Las artistas expusieron en el espacio de fotografías del Museo Tigre
En marco de Gallery Nights de Punta del Este y La Barra, obras de Brenda Hoffman y Carola Rousso serán expuestas en el espacio “Sendas del diseño”. La exhibición se presentará el viernes 20 de enero y está organizada por Roberto Riverti, con la colaboración de la Directora del MAT, Diana Saiegh.
Las obras de Brenda Hoffman formaron parte de la muestra "El Tigre tras la bruma" y consisten en un conjunto de imágenes en blanco y negro donde la artista retrata un Delta misterioso e intrigante, de paisajes que por momentos rozan la abstracción. Por su parte Carola Rousso, quien también estuvo presente en los salones del MAT durante el 2011 con su muestra “Miss Paraná”, presentará su serie de fotografías de polaroid intervenidas pictóricamente.
Asimismo, en diferentes fechas a partir del 6 de enero, el público podrá disfrutar de obras de otros artistas de la talla de Res, Juan Travnik, Tamara Burlando, Denise Giovanell, Jade Ribeiro y Gastón Ugalde, entre otros.
La galería “Sendas del diseño”, está ubicada en Altos de Punta Piedras, Ruta 10, km 166 y Calle 6, Punta del Este, Uruguay.

Ivan Candeo y su Muestra Picnolepsia, Pintura, escultura.

2012-01-12T04:01:00.003-03:00

Continúa 'Picnolepsia', de Iván Candeo, en Oficina #1 .
Hasta el 11 de febrero continúa en Oficina #1 la muestra Picnolepsia -término alusivo a la ausencia momentánea e inadvertida del mundo consciente sin que el sujeto se percate de tal interrupción- del artista visual y docente, Iván Candeo (Caracas, 1983.
En esta oportunidad Candeo presenta un cuerpo de trabajo donde se alternan la pintura, la escultura, la gráfica y el video para reflexionar sobre los mecanismos de producción de la imagen y su inesperada desaparición.
El curador Félix Suazo, señala en su texto, que la muestra “intenta corporizar el instante en que las imágenes se desvanecen, antes de que otra venga en su reemplazo para generar un efecto de continuidad visual y narrativa que en realidad no existe”. Con esta estrategia el artista desenmascara la circularidad inocua de las narrativas progresivas cuya presunta sucesividad funciona como una forma de amnesia, parapetada detrás de los dispositivos de percepción que le sirven de vehículo material y retórico. “En realidad, no hay un flujo encadenado de aconteceres sino relatos ilusorios que, como en las películas, borran los saltos y fisuras de un mundo discontinuo y entrópico” apunta Suazo.
En la propuesta de Candeo la idea del movimiento asume un carácter retroactivo que va de la movilidad circular de la imagen videográfica a la estabilidad inerte de los soportes fijos, ya sean bidimensionales (grabado, pintura) o tridimensionales (escultura). Así en Monturas ecuestres, parece romper el estatismo y la magnificencia física de los monumentos ecuestres en un conjunto de pinturas donde los corceles dan la impresión de ir al galope, desprendidos de los pedestales que debían sostenerlos; en Girar el cuerpo, serie de relieves realizados apartir de la documentación visual de algunas prácticas accionales correspondientes a Chris Burden, Bruce Nauman, Marina Abramovich y Ana Mendieta, propone la restitución corpórea de experiencias efímeras, cuya volátil impronta ha quedado circunscrita a los registros fotográficos; en Paso de manivela, obra basada en la técnica de corte y sustitución de imágenes creada por Méliés, utiliza el grabado con la intensión de plasmar la transición entre una escena y otra del film “Escamotage d'une dame” (Georges Méliés, 1896).
El videoVariaciones sobre Marey presenta un bailarín de tap que agita su cuerpo al ritmo de una marcha militar, soslayando la discrepancia que hay entre su ejecución coreográfica y la solemnidad marcial de la banda sonora. Finalmente, la pieza videográfica 1, 2, 3… Sin mover los pies, muestra un núcleo uniformado de estudiantes de un liceo militar que giran sobre sus botas, mientras acatan las voces de mando que los dirigen a la izquierda, a la derecha y en media vuelta sin conseguir avanzar hacia ningún punto, sometiendo sus cuerpos a un orden prescrito y unidireccional. Como señala Suazo, “la propuesta de Candeo violenta la taxonomía jerarquizada del orden sensible, desocultando las estrategias de desmovilización e inmovilización ideológica que vinculan la lógica de las percepciones y los relatos del poder, precisamente desde los propios mecanismos que parecen propiciar la aceleración ilusoria de la historia”.
Iván Candeo nace en Caracas, Venezuela, en 1983. Realizó su primera exposición individual en el año 2009 bajo el título de “Dragster” en Oficina#1, Caracas, Venezuela. Recientemente ha expuesto su trabajo en Grado Infinito, Pinta NY, Nueva York, EEUU, 8ª edición Bienal de Mercosur / Ensayos de Geopoética, Porto Alegre, Brasil; Solo Projects / Artrio, Rio de Janeiro, Brasil. De igual manera ha expuesto en muestras colectivas dentro y fuera de Venezuela como Unresolved Circumstances: Video art from Latin America, The Museum of Latin American Art (Molaa), California, EE.UU; Editorial, El Anexo/Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela;When a Painting Moves… Something Must Be Rotten!, Museo Sternesen, Oslo, Noruega; ¡Patria o Libertad! The Rhetorics of Patriotism, Miami Dade College; Histórias de Mapas, Piratas e Tesouros, Itaú Cultural, São Paulo; Venezuelan Pavilion, HotShoe Gallery, Londres; Wight Bienal: Anxiety of Influence UCLA, New Wight Gallery, Los Ángeles, California; ARTEBA08, Feria Internacional de Arte de Buenos Aires, Argentina; ARTBO Feria Internacional de Arte de Bogotá, Colombia; En la Vía. Salón Supercable Jóvenes con FIA, Caracas, Venezuela; 1º Encuentro Internacional de Intervención Urbana de Pichincha, Espacio Diverso, Quito, Ecuador. En el 2010 recibe el premio Armando Reverón en Bienal 65 Salón Michelena, Caracas, Venezuela. Adicionalmente se desempeña como docente de arte. Desde el año 2004 es miembro activo del Taller de Arte Contemporáneo de Caracas (TAC), coordinado por Antonio Lazo y Zeinab Bulhossen. En el año 2008 recibió el título de Profesor, mención Artes Plásticas, en la Universidad Pedagógica Experimental Libertador, Instituto Pedagógico de Caracas.La muestraPicnolepsia de Iván Candeo permanecerá abierta en Oficina #1 y continuará desde el 10 de enero hasta el 12 de febrero de 2012 en el siguiente horario: Martes a viernes de 2 a 6 pm.Sábados y domingos de 11am a 4 pm.

Iván Candeo
Picnolepsia
Finaliza el 11 de febrero de 2012
Oficina #1
Galpón 9. Centro de Arte Los Galpones 29- 11.
Av. Ávila con 8va Transversal de Los Chorros.
Caracas 1070, Venezuela
Teléfono: +58 212 5837526
www.oficina1.com

Encrucijadas, una novela de opciones de Alexandra York

2012-01-07T19:04:00.003-03:00

/Literatura/

Se trata de una obra en la mejor tradición romántico-realista de la filosofía de Ayn Rand.
Se presentó la nueva novela de Alexandra York, “Encrucijadas, una novela de opciones”, una obra sobre el arte y el amor, que mantendrá al lector en alerta e intrigado por las decisiones que tomarán o rechazarán los personajes. Trata sobre las encrucijadas de la vida que nos obligan a elegir entre la fidelidad a uno mismo o la traición a los valores.

Situada en el Mundo encantador y controversial del arte de Nueva York, “Encrucijadas” ha sido llamada "Punzante, erudita, y erótica", a medida que explora las obsesiones penetrantes de América con el dinero, la fama, el arte (y el no-arte) el misticismo, la emotividad, la familia, y el sexo, todo dentro del entramado de un triangulo amoroso apremiante que debe ser resuelto. La historia es inteligente, realista, y puntual, pero romántica, estilizada y eterna. Realismo Romántico dentro de su mejor expresión.

Howard Dickman, editor del Wall Street Journal, USA: Encrucijadas es una novela fascinante, con personajes sugestivos presentados con gran vigor y trama penetrante. Las ideas presentadas en la historia son profundas y polémicas. No me cabe duda alguna de que crearán mucho revuelo entre los lectores.

Sherry Lazarus Ross, editora: Los conflictos de los personajes de Encrucijadas son los conflictos de nuestros tiempos: la lucha por la confirmación personal, la responsabilidad por la propia realización para alcanzar una vida significativa. Estoy segura que una historia que ofrece tantas esperanzas seducirá a sus lectores.

Acerca de la autora
Alexandra York es fundadora de ART (www.art-21.org/ArtHome.htm), instituto estadounidense dedicado a los valores afirmativos en las artes. Publicó libros de arte y artículos sobre cultura, política y temas de interés general, poesías, etc., en Reader´s Digest, USA Today, Vogue, American Arts Quarterly y The Ayn Rand Journal entre otros, y recibió el Premio “Whiting Memorial”, de la Sociedad Internacional de Investigaciones Filosóficas.

Precio de tapa: $99
Puntos de venta: Disponible en las principales librerías: Yenny, Cúspide, Santa Fe, entre otras.

La vieja mùsica de la Munich de la Costanera Sur

2012-01-06T07:47:00.003-03:00

/Mùsica/

Vuelve en el 2012, a partir del domingo 8 de enero, la visita guiada La vieja música de la Munich de la Costanera Sur, un recorrido por el antiguo edificio de la ex Cervecería Munich, sede de la Dirección General de Museos, con una ambientación musical en vivo de melodías que acompañaron los primeros años de la Munich, inaugurada en 1927. Los domingos de enero y febrero a las 18 hs. el público podrá recorrer el edificio y descubrir su historia y sus anécdotas. Durante la visita, para acceder a la terraza y al mirador, se sube un piso por escalera. En Avenida de los Italianos 851, Puerto Madero. Entrada: $1.

La visita se realiza este año en el marco del 84º Aniversario del Edificio "La Munich" (Diciembre 1927-Diciembre 2011) y de la exposición “Volver a la Munich”.

Acompañan la visita guiada interpretando canciones de moda entre 1920 y 1950:

Silvia Antonič, soprano - Celina Torres, mezzosoprano - Antonio Seoane, tenor.
Carlos Koffman, piano.
Idea y dirección musical: Carlos Koffman.
Diseño y realización de vestuario: Faustino López.

Los años 20 están terminando. La guerra se aleja pero no por mucho tiempo. Los pueblos aún tratan de recuperar la alegría y la ganas de volver a creer en un mundo mejor. La presencia europea es muy fuerte en la ciudad del tango. De Juan de Dios Filiberto, Sebastián Piana, Cátulo Castillo, Homero Manzi y tantos otros. Franceses, alemanes, y gente de todas las nacionalidades beben juntos para recordar el país de su niñez en las palabras de una canción. La radio y el cine presentan a Marlene Dietrich, Lucienne Boyer y Maurice Chevalier, a Charles Chaplin yMistinguett, a Tita Merello y Libertad Lamarque. 1927 es el año de “Metrópolis”, de Fritz Lang, de “Hombre de la esquina rosada”, de Borges, de los tangos “Esta noche me emborracho”, de Discépolo, “Che papusa, oí”, de Gerardo Matos Rodríguez y Enrique Cadícamo, y de “Araca corazón”, deEnrique Delfino y Alberto Vacarezza, el autor de “El Conventillo de la Paloma”. De 1927 es “El cantor de jazz” y el comienzo del cine sonoro.Carlos Gardel graba ese año “La última copa”, de Francisco Canaro y Juan Andrés Caruso y en ese año también es creada la Casa del Teatro, por iniciativa de la señora Regina Pacini de Alvear y del entonces presidenteMarcelo Torcuato de Alvear. El 21 de diciembre de 1927 abre sus puertas La Munich de la Costanera Sur, la obra del arquitecto húngaro Andrés Kálnay, por encargo del comerciante catalán Ricardo Banus.

Prensa Dirección General de Museos

Art After Dark en el Museo Guggenheim Bilbao

2012-01-04T08:35:00.003-03:00

/Mùsica/

The Pains of Being Pure at Heart inaugura el programa 2012 de Art After Dark en la noche del Día de Reyes .
Martes 03 de Enero de 2012 12:29 .Alexander Kowalski, uno de los productores tecno más reconocidos de la escena berlinesa, pondrá el broche a una velada única de arte y música
http://www.myspace.com/thepainsofbeingpureatheart

El próximo viernes, día 6 de enero, el Museo Guggenheim Bilbao iniciará musicalmente el año con una sesión de lujo de su programa nocturno Art After Dark que podrá el colofón a las fiestas navideñas la noche de Reyes. A partir de las 23:00 h, los neoyorquinos The Pains of Being Pure at Heart, grupo revelación del indie-pop estadounidense desde que en el año 2009 publicaron su álbum de debut, llega a Bilbao en uno de sus mejores momentos para ofrecer a los asistentes una velada mágica repleta de sus últimos temas. Desde sus inicios en 2009 el grupo se convirtió en lo más comentado del underground anglosajón, gracias a grandes hits melódicos y pegadizos que ahora presentan en Bilbao.

El segundo plato fuerte de la noche será Alexander Kowalski, uno de los principales productores de techno en la escena berlinesa y mundial y niño mimado de la crítica por su excepcional discografía producida para el reconocido sello alemán Kanzleramt. Lleva acumulados varios galardones por sus grandes actuaciones en directo, enérgicas y profundas.

Los que se acerquen al Museo en esta noche tan especia tendrán la posibilidad de visitar las muestras Abstracción pictórica, 1949–1969: Selecciones de las Colecciones Guggenheim, Brancusi–Serra y Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao II, mientras disfrutan de las sesiones de los mejores DJs nacionales e internacionales desde las 22:00 h hasta la 01:00 h de la madrugada. Además, los asistentes a esta nueva sesión de Art After Dark, diseñada en colaboración con el club Fever de Bilbao, podrán canjear su entrada por un pase gratis para el ya mítico club, a partir de las 00:00 h de esa misma noche.

Museo Guggenheim Bilbao
Avenida Abandoibarra, 2
48001 Bilbao
www.guggenheim-bilbao.es

Gallery Nights durante enero en Punta del Este

2012-01-01T08:23:00.003-03:00

La Ruta del Arte
El programa se repite todos los viernes de enero de 2012
Gallery Nights presenta su 9° edición en las playas Uruguayas y convoca a los amantes del arte en un exclusivo recorrido entre La Barra y Punta Piedras.
Más de 30 espacios de arte participarán de los tradicionales Gallery Nights que se mudan durante Enero a Punta del Este. Los viernes 6 ,13 ,20 y 27 a partir de las 20 hs. hasta la medianoche, se realizarán los recorridos por las galerías que se sitúan desde los Puentes de La Barra, pasando por Manantiales, hasta Punta Piedras y Sendas del Diseño.
La Ruta del Arte es un evento ideal para asistir con amigos y familia. Todos los viernes de enero en las playas uruguayas, la gente podrá recorrer libremente galerías y ateliers, para conocer la propuesta de los artistas de una manera diferente y en un clima distinto. En todos los espacios participantes, los estarán esperando con una copa de bienvenida para poder conversar con los protaginistas y artistas.
A lo largo de todo el circuito, se encuentra el servicio de camionetas que acerca a los visitantes a los lugares más alejados del recorrido.
Algunas de las muestras destacadas de esta temporada son: Milo Lockett y Diego Ortíz Mújica en el espacio Honda, las fotos de Roberto Fernández Ibañez en el Paseo Real de la Barra, los diseños y temas relacionados con la náutica de Micaela Núñez o las fotos blanco y negro de Roberto Riverti en el espacio Foto Arte de Punta Piedras.
Las empresas que hacen posible Gallery Nights Punta del Este 2011 son:
Omint – Standard Bank – Honda – Chandon – Arte al Día - Stella Artois.

Más información www.gallery-nights.com.ar
gallerynights@artealdia.com
Tel. en Bs. As. 005411 4775 8802
Tel en PDE (00598) 98 938554

Bessouet, Coppola y Zuvirìa, Arte Argentino en Caracas

2011-12-29T07:20:00.002-03:00

Pinturas de Norma Bessouet / Fotografías de Horacio Coppola y Facundo de Zuviría
Desde el 3 de noviembre de 2011, la Embajada de la República Argentina presenta las exposiciones de tres grandes artistas argentinos: “La realidad y su sombra” de Norma Bessouet y “Buenos Aires dos miradas” de Horacio Coppola y Facundo Zuviría. Las salas 10, 11 y 12 del Museo de Bellas Artes en Caracas serán los espacios donde se reunirán las 150 obras que forman parte de estas dos exposiciones.

“La realidad y su sombra” de Norma Bessouet es una selección realizada por Alberto Giudici desde Buenos Aires que se complementa con obras de importantes coleccionistas venezolanos. Esta selección está compuesta por cuarenta y cinco obras de la artista creadas entre 1970 y 2011 que entremezclan en la pintura el sueño y la realidad, la nostalgia y lo alegórico logrando que dos mundos se conjuguen. Alicia Castro, Embajadora de Argentina en Venezuela, describe el trabajo de Bessouet como un “viaje y relato que nos llevan al corazón de la poesía, a los sitios que pueblan el sueño de una niña iluminada por mariposas”.

Norma Bessouet, quien reconoce su estrecha relación con el público venezolano, comienza a dibujar a temprana edad guiada por su madre, completando sus estudios de arte en la Academia Nacional de Bellas Artes y estudiando grabado en la Slade’s School of Fine Arts en la Universidad de Londres. En 1981 investiga técnicas relacionadas al muñeco escultórico en la Universidad de Columbia en Nueva York. Su talento la ha hecho merecedora de más de doce premios internacionales, entre los cuales se destacan: Primer Premio Biennale Internazionale dell’ arte Contemporanea, Florencia, Italia, pintura, 2001; Premio cartón de Venezuela, Caracas, Venezuela, Litografía (1989); Gran Premio Salón Nacional de Buenos Aires, Dibujo (1970). Igualmente, la artista ha sido ganadora de un total de siete becas, entre las que se destacan tres becas de The Pollock-Krassner Foundation (1999, 1991, 1989).

Buenos Aires es sitio de encuentro de dos miradas porteñas en dos tiempos diferentes. La mirada de Coppola plasma en su fotografía la identidad de Buenos Aires de los años 30, una ciudad creciente, que es expresión de modernidad y de vanguardia. La mirada de Zuviría se transporta a las décadas de los ochenta y noventa, transmitiéndonos una ciudad nostálgica que busca desde lo más adentro rescatar todo aquello que se está perdiendo. Estas dos miradas entremezclan lo clásico de la fotografía en la búsqueda de “la identidad porteña”, utilizando la ciudad en dos épocas distintas como medio para enriquecer la obra de los artistas.

Los artistas han reunido sus obras en cinco oportunidades en América Latina. En esta ocasión, gracias al esfuerzo de la Embajada de la República de Argentina, una colección de más de cien fotografías podrá ser admirada en el Museo de Bellas Artes, lo que significa la exposición más extensa de Coppola y Zuviría en la década. El público tendrá la oportunidad de apreciar la subjetividad de dos miradas que se convierten en arte.

Horacio Coppola nace en Buenos Aires en 1906. Publica en 1930 sus primeras fotografías. Entre ellas se encuentra la imagen de Buenos Aires que ilustró la primera edición del libro de Jorge Luis Borges “Evaristo Carriego”. En 1931, fotografía su ciudad natal con una moderna cámara Leica. En 1932 viaja a Berlin, donde estudia fotografía en Bauhaus. A su regreso a la Argentina, completa su trabajo y publica “Buenos Aires 1936” producida con motivo de los 400 años de la ciudad, convirtiéndose en su obra más importante y reconocida. Recibe el Premio Konex de Platino a las Artes visuales en 1982, y en 2003 es declarado “Ciudadano Ilustre de la ciudad de Buenos Aires” donde a sus ciento cinco años reside actualmente.

Facundo de Zuviría nace en Buenos Aires en 1954. Incursiona en la fotografía a los seis años, y desde entonces mira al mundo a través de su cámara. Comienza su carrera haciendo fotoperiodismo, trabajando en el programa cultural en los Barrios de Buenos Aires (1983-1989) y a partir de allí fotografía a la ciudad. Publica varios libros cuyo tema principal gira alrededor de Buenos Aires: Estampas Porteñas (1996), Siesta Argentina (2003) y junto con Horacio Cóppola en Antológico Buenos Aires: Coppola + Zuviría (2006). En 1992, recibe el Premio Konex a las Artes Visuales, y en 1996 el Premio Leonardo del Museo Nacional de Bellas Artes. Actualmente reconoce a Buenos Aires como su gran pasión.

“La realidad y su sombra” y “Buenos Aires dos miradas”
Del 3 de noviembre de 2011 al 12 de febrero 2012 en las salas 10, 11 y 12

Museo de Bellas Artes
Plaza de los Museos. Parque los Caobos. Bellas Artes, Caracas
Teléfono: (0212) 578.02.05
Horarios : Lunes a viernes 9:00 am a 4:00 pm
Sábados, domingos y feriados 10:00 a.m a 5:00 p.m.

La Obra de Mònika Sosnowska expuesta en el Museo Tamayo

2011-12-27T07:59:00.002-03:00

/El Arte al Dìa/

La obra Escalera de Incendios de Monika Sosnowska, que fue comisionada por el Museo Tamayo para la exposición que estuvo abierta al público del 9 de abril a 7 de agosto de 2011, y que ahora forma parte del acervo del museo -gracias al apoyo de la Fundación Olga y Rufino Tamayo y de AXA Seguros- ha sido trasladada a la explanada del Museo Tamayo, para que el público y paseantes del Bosque de Chapultepec la pueda conocer.
Escalera de incendios de Monika Sosnowska está inspirada en las escaleras de incendios de los edificios de Nueva York. Para el Museo Tamayo, la artista despoja a esta escalera de su sentido utilitario para volverla un objeto disfuncional. Durante el proceso de concepción de la obra, así como el de su producción, Sosnowska no cambió la escala o el material original de la escalera ni buscó destruir la estructura original, sino que la moldeó para generar una situación imposible.

En la producción de esta pieza, la artista trabajó un mes entero en la Ciudad de México en el taller Majac de Juan Álvarez del Castillo, donde construyeron una escalera de acero de escala real, con 7 balcones y 6 escaleras, típicos de la arquitectura norteamericana, misma que fueron moldeando mediante un proceso físico hasta lograr una forma abstracta.
Para Monika Sosnowska, distintos aspectos de la realidad política y social pueden leerse a partir de la arquitectura y los objetos cotidianos, los cuales retoma y reconstruye en su práctica para generar instalaciones de sitio específico o esculturas. La artista manda a construir los objetos tal como son, para luego modificarlos hasta que pierden su función y se convierten en piezas que mezclan la realidad con la ficción. De este modo, Sosnowska genera un desconcierto en el espectador, del que puede desprenderse la pregunta: ¿En qué momento la arquitectura se vuelve una pieza escultórica?
Monika Sosnowska (Ryki, Polonia, 1972). Vive y trabaja en Varsovia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Poznán (Polonia) y en Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam. Sus obras se han presentado en el Museum of Modern Art de Nueva York; Schaulager de Basel, Suiza; ARTSPACE, San Antonio, Texas; Centre Pompidou, París; Manifesta 4, Frankfurt; 50ª Bienal de Venecia. En 2007 representó a Polonia en la 51ª Bienal de Venecia.
Recientemente se anunció su nominación al premio Hugo Boss 2012 (Hugo Boss Prize 2012) que desde 1996, reconoce los logros significativos en el arte contemporáneo.

Si quieres saber más sobre Escalera de incendios de Monika Sosnowska, te recomendamos este video de la producción de su pieza, incluido en Rufino.mx la revista en línea del Museo Tamayo: http://www.rufino.mx/2011/06/visitas-monika-sosnowska/

Museo Tamayo
Paseo de la Reforma y Gandhi s/n
Bosque de Chapultepec
México, D.F. 11580
www.museotamayo.org
www.rufino.mx
T (5255) 5286 6519 / 29

LABoral estarà presente en Mercaplana 2011

2011-12-25T07:55:00.002-03:00

(El Arte al Dìa/
Con videojuegos, talleres de audio, conciertos concebidos para niños y jóvenes y un espacio de lectura, el Centro de Arte contará con un espacio fijo en el Palacio de Congresos. Pabellón 3-4, que estará abierto entre las 16 y las 20.30 horas desde el 25 de diciembre hasta el 4 de enero
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial estará presente en el Salón para la Infancia y la Juventud Mercaplana 2011, que tendrá lugar del 25 de diciembre de 2011 al 4 de enero de 2012, en el recinto ferial Luis Adaro de Gijón, con oferta lúdico-cultural destinada a los más jóvenes. Un Espacio videojuegos, en el que los visitantes podrán jugar y asistir a demostraciones a cargo de expertos, talleres de audio, conciertos expresamente concebidos y adaptados a niños y jóvenes y una pequeña extensión de la Mediateca_Archivo del Centro serán algunas de las propuestas que los visitantes podrán encontrar en el Palacio de Congresos. Pabellón 3-4, en un zona de más de 100 metros cuadrados ocupada por LABoral.
Esta presencia en Mercaplana 2011 conecta con el compromiso de acercar la actividad del Centro de Arte a sus públicos y contribuir a difundir las más recientes formas culturales surgidas de las nuevas tecnologías. Con tal fin ofrece a los visitantes del salón un espacio en el que confluyen algunas de las diferentes áreas y ejes de acción del Centro.
El programa diseñado ha sido estructurado pensando eminentemente en los niños y adapta el discurso de la institución al público infantil y juvenil. Los participantes en las actividades recibirán obsequios, así como entradas para visitar el Centro de Arte y Creación Industrial.

Fecha: lunes, 2 de enero 2012
Horario: 19 horas
Bocata Beach (Chiquita y Chatarra + .tape.)
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial
Los Prados, 121. 33394 Gijón – Asturias
T. +34 985 185 577. F. +34 985 337 355
www.laboralcentrodearte.org

Una historia compartida, Galerìa Nacional de Mèxico

2011-12-24T07:32:00.002-03:00

La exposición, organizada por la Galería de Palacio Nacional, Patrimonio Nacional de España y Acción Cultural Española (AC/E), reúne 372 piezas, 278 españolas y 94 mexicanas, entre tapices, esculturas, tejidos y bordados, mobiliario, armas, orfebrería y cuadros de pintores como Pantoja de la Cruz, El Greco, Goya, Tiziano y Velázquez
La exposición Tesoros de los Palacios Reales de España. Una historia compartida, organizada por la Galería de Palacio Nacional, Patrimonio Nacional de España y Acción Cultural Española (AC/E), con la colaboración de la Embajada de España en México, reúne más de 350 piezas –278 españolas y 94 mexicanas entre tapices, pinturas, esculturas, orfebrería, mobiliario…- con el objetivo de explicar cómo se crearon y evolucionaron las actuales colecciones reales españolas desde finales del siglo XV hasta la primera década del XIX. Esta panorámica se completa con una sección dedicada a la historia virreinal del actual Palacio Nacional de México. Con esta exposición, que reúne obras de Juan Pantoja de la Cruz, El Greco, Francisco de Goya, Tiziano y Velázquez, entre otros, la Galería de Palacio Nacional inicia un ciclo de exposiciones dedicadas a los palacios y galerías más relevantes del mundo.

Álvaro Soler y Pilar Benito son los comisarios de esta exposición que muestra cómo los Palacios Reales en España se convirtieron en receptáculos de un legado incalculable gracias al esfuerzo personal e institucional de monarcas como los Reyes Católicos, el Emperador Carlos V, Felipe II, Felipe IV o Carlos II, por crear y conservar una extraordinaria colección histórico-artística enriquecida con el acervo material y cultural que aportaron los territorios que estuvieron en algún momento vinculados a España. Un patrimonio cultural al que se une el adquirido por los palacios virreinales, que emulaban a sus modelos peninsulares.
Así, los visitantes que se acerquen a la Galería de Palacio Nacional entre el 16 de diciembre de 2011 y el 31 de mayo de 2012 podrán admirar, por primera vez en México, algunos de los principales tesoros históricos y artísticos pertenecientes a las Casas Reales de Habsburgo y Borbón que conserva Patrimonio Nacional de España. La muestra permite, además, analizar los cambios en las colecciones españolas y virreinales a lo largo de la historia; conocer cómo se trasladaron al Palacio Virreinal de Nueva España los valores de los soberanos españoles traducidos en teorías arquitectónicas y artísticas así como en gustos cortesanos; mostrar cómo eran los interiores de los palacios españoles y novohispanos y explicar el uso que se hacía de ellos, en especial en los actos protocolarios.

La Exposición
La exposición se divide en nueve capítulos que abordan los periodos y circunstancias que han condicionado el legado histórico y artístico de Patrimonio Nacional desde la Baja Edad Media hasta la Guerra de la Independencia, por un lado y por otro la relación con el Palacio Virreinal de Nueva España. El límite cronológico en la primera parte, en la que se concentran las obras de Patrimonio Nacional, viene dado porque la Guerra de la Independencia en España supuso un antes y un después en el coleccionismo real y porque una parte fundamental del patrimonio mueble e inmueble conservado en las actuales Colecciones Reales es anterior a 1808. Este límite también permite ofrecer una panorámica de las colecciones con anterioridad a los procesos de independencia americanos y la convulsa situación interna española que también influyeron en la proyección de la imagen real y en su consiguiente transformación.
1.- La corte itinerante. De la Edad Media a la Edad Moderna
El primer capítulo llama la atención sobre la importancia del carácter itinerante de la corte desde los reinos medievales hasta el fallecimiento del emperador Carlos V. Se trataba de una corte en constante movimiento entre diferentes casas y palacios que carecía de una sede permanente del poder real.

2. - Felipe II y el establecimiento de la capital en Madrid
Felipe II es la figura clave en la historia de las actuales colecciones reales debido a tres decisiones que condicionaron su desarrollo hasta el presente. El primer epígrafe dentro de este capítulo se centra en el establecimiento de la capitalidad del reino en Madrid, que supuso la creación de una sede permanente del poder real, apoyada por una red de palacios tejida a su alrededor. Un segundo epígrafe trata la trascendental decisión de la construcción del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (Madrid), pieza clave para la monarquía española tanto por su planteamiento arquitectónico como por los usos a los que fue destinado. Este capítulo se completa resaltando la importancia de la herencia imperial expresada en las disposiciones testamentarias de Felipe II como germen de las colecciones artísticas del Patrimonio Nacional, ya que gracias a ellas se consideraron como inalienables de la corona española la Real Armería, la tapicería y la colección real de pinturas.

3- Los palacios reales bajo los Austrias. De Felipe II a Felipe IV
El tercer capítulo expone el ambiente en el que discurrió la vida de la familia real, así como las fundaciones religiosas de gran trascendencia hasta la actualidad. A manera de introducción se recalca la idea de la universalidad de la monarquía hispana para comprender la diversa procedencia de los objetos en los que se materializó la vida palatina a través de muebles, textiles y libros representativos.

4.- Los Reales Patronatos
El cuarto apartado de la exposición explica la creación de los Reales Patronatos en el contexto religioso de la Contrarreforma y de la vida cortesana analizando su fundación y dotación a través de sus benefactores.

5.- El cambio dinástico. El advenimiento de la dinastía borbónica
La introducción de la Casa de Borbón supuso un cambio de gustos, bajo la preeminencia de los modelos franceses e italianos, pero, sobre todo, constituyó el momento de mayor esplendor artístico de las colecciones reales españolas en todas sus manifestaciones. Por el contrario, parte del legado Austria se perdió por la propia evolución de los Reales Sitios.

El incendio del Alcázar en 1734 dio lugar a la creación de una nueva sede para la monarquía que constituiría la mayor empresa de la nueva dinastía. El epígrafe sobre el Palacio Nuevo y la legitimidad dinástica aborda la construcción del actual Palacio Real.

6.- La magnificencia de la monarquía a través del refinamiento en la decoración de los Reales Sitios y de la vida cotidiana
Los Palacios y sus jardines fueron el marco para la expresión de la magnificencia regia. Las reformas emprendidas en los Reales Sitios ampliaron su superficie y cambiaron su fisonomía, por lo que fue necesaria una ingente labor para su decoración, siempre bajo la premisa de la mayor calidad. La empresa supuso la regularización de las artes suntuarias como uno de los rasgos más destacado de la dinastía borbónica, ya que ahora se impulsan las producciones amparadas por la monarquía para su servicio directo, por medio del establecimiento de los Talleres Reales y las Reales Fábricas para decorar los nuevos edificios, a la vez que eran un instrumento de desarrollo de las comarcas en las que se asentaron estas manufacturas.

7.- Las casas de campo. La diversión a través del arte
Entre todas las colecciones y edificios se ha querido llamar especialmente la atención sobre Las casas de campo de Carlos IV, bien como Príncipe de Asturias, bien como Rey de España, exponentes del mayor refinamiento artístico de la dinastía. Estos palacetes de recreo y su decoración supusieron el cenit de las artes decorativas de la monarquía española.

8.- El cambio de escenario. La guerra de la Independencia.
El último capítulo dedicado a las Colecciones Reales Españolas, se reduce a las dos escenas de Goya de La fabricación de pólvora, que evocan la Guerra de la Independencia, conflicto que supuso el fin del coleccionismo real.

9.- Espejo de Ultramar. El Palacio Virreinal de Nueva España
El último apartado de la exposición enlaza las colecciones y los Reales Sitios españoles con el Palacio Virreinal de México a través de una galería de retratos de los diferentes virreyes de este periodo, así como de una variada muestra de artes decorativas que ilustran las analogías y diferencias existentes entre el arte virreinal y el desarrollado en España bajo el amparo de la corona.

Tesoros de los Palacios Reales Españoles. Una Historia Compartida
Del 16 de diciembre de 2011 al 31 mayo de 2012

Organizan: Presidencia de la República de los Estados Unidos Mexicanos
Secretaría de Hacienda y Crédito Público
Patrimonio Nacional de España
Acción Cultural Española (AC/E)
Colabora: Embajada de España en México
Comisarios: Pilar Benito García y Álvaro Soler del Campo

Galería de Palacio Nacional
Plaza de la Constitución s/n
Centro Histórico
México, Distrito Federal

Contenido: 278 obras procedentes de España
Patrimonio Nacional: 274 obras
Museo Nacional del Prado: 2 obras
Museo Arqueológico Nacional: 2 obras
94 obras mexicanas
Museo Nacional de Historia, Conaculta- INHA
Museo Nacional de Arte (MUNAL), Conaculta-INBA
Museo Nacional de San Carlos, Conaculta-INBA
Museo Franz Mayer
Museo Regional de Querétaro, Conaculta- INHA

Patrimonio Nacional es el organismo que administra los bienes de titularidad estatal al servicio de la Corona, gestiona y conserva ocho Palacios Reales, seis Palacetes, diez Monasterios y Conventos de Fundación Real, repartidos por la geografía española, además de las 22.000 hectáreas de espacios verdes que los rodean. Sede de Actos Oficiales y de Estado, es una de las principales instituciones culturales europeas, cuyos museos albergan más de 135.000 objetos artísticos. Sus bosques y jardines, abiertos al público, son un referente paisajístico y medioambiental de primer orden, en algunos casos Patrimonio de la Humanidad.
Acción Cultural Española (AC/E) es una institución cultural de carácter público que promociona y difunde las diversas realidades culturales de España dentro y fuera de nuestro país. Apuesta firmemente por el arte contemporáneo en español, esto es, por el ideado y formulado a uno y otro lado del Atlántico y, especialmente, por la colaboración entre los artistas españoles e iberoamericanos.

Más información:
www.patrimonionacional.es
www.tesorospalaciosreales.gob.mx/
Fuente: Departamento de Comunicación AC/E
www.accioncultural.es

Obra reciente en Ceràmica de Gustavo Pèrez

2011-12-22T08:35:00.002-03:00

Con el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), el destacado ceramista mexicano Gustavo Pérez expondrá por primera vez en el Museo del Palacio de Bellas Artes, a partir del 20 de diciembre, una muestra que integra 81 piezas en cerámica que fueron creadas entre 2005 y 2011, por lo que se trata de la más reciente producción de este artista. Dicha exhibición estará disponible hasta el 19 de febrero.
“Exponer en el Museo del Palacio de Bellas Artes representa muchas cosas, pero la más importante es saber que va haber mucha gente que vea mis vasijas y pensar que la cerámica puede ser considerada con más interés y atención a partir de ser expuesta aquí. Puede ser algo muy significativo para la cerámica mexicana”, expresó el artista mexicano.
La muestra Gustavo Pérez. Obra reciente podrá visitarse hasta el 19 de febrero de 2012. Se trata de una exposición que se constituye como un reconocimiento al ceramista ganador del Premio Nacional de Cerámica 2010, considerando las modificaciones de su trabajo plástico e incluyendo la labor artística realizada en sus últimas residencias en Francia y Oaxaca.

Sobre su proceso de trabajo, el artista explicó que resulta muy variable: “Sobre todo cuando hay que hacer algo nuevo, se debe tener la confianza de que el material va a generar un diálogo. No es la intención de imponer mi voluntad al material sino estar atento a sus reacciones. El barro tiene cosas muy importantes qué decir en términos de plasticidad, forma y volumen, y hace falta sentir lo que propone como posibilidades que al paso del tiempo se vuelven un tema”.
Explicó que en su arte existe una necesidad de adaptarse a las circunstancias, al momento y saber cuándo quedarse en el tema. “Insistir en lo que se está desarrollando y cuándo es que se debe entender a la nueva curiosidad respecto al tema con el que uno se comprometió. Es atender las exigencias del proceso creativo”.

Dijo que los temas que aborda y las influencias que tiene no son muy precisas. “Mi proceso ha sido sedentario, algo que ha determinado que los temas que he desarrollado es que los he encontrado yo mismo. Lo que hago es el resultado de hallazgos personales que no pertenecen a ninguna tradición. Los efectos y algunas características de mis piezas no se encuentran en el trabajo o tradición del mundo, algo que ha sido una sorpresa para mí”.
“Mi idea más importante es que se debe trabajar mucho. Para mi fue fundamental que pasaron casi 25 años antes de encontrar algo profundamente personal y fuerte, cuando mi búsqueda adquirió una presencia que lo hizo reconocible como ‘el trabajo de Gustavo Pérez’, algo que se dio a conocer en muchas galerías del mundo”, agregó.

Resaltó la importancia de brindar apoyo a los jóvenes ceramistas y la necesidad de más proyectos de rescate a este arte. “Las opciones que existen para los artesanos son la de producir con gran calidad objetos que merezcan ser considerados obras de arte o vivir de una manera muy modesta. Los oficios han sufrido transformaciones a lo largo de la historia en todo el mundo y la tecnología ha modificado las formas de producción y ha hecho que se desvirtúe la tradición”, aseguró.
Jenifer Rosado, coordinadora de exposiciones del Museo del Palacio de Bellas Artes y responsable del proyecto, dijo que la muestra Gustavo Pérez. Obra reciente fue curada por el equipo del Museo del Palacio de Bellas Artes. “Se hizo una preselección de alrededor de 130 piezas y sobre las obras más atractivas e interesantes se montó esta exposición, con la idea de que no fuera un recorrido cronológico sino más bien estético y apelando a los temas que ha tratado el maestro en los últimos años de trabajo”.
Itzel Vargas, directora del Museo del Palacio de Bellas Artes, afirmó que en el marco de la exposición se realizarán, de manera gratuita, diversas actividades paralelas: El 12 de enero habrá un recorrido por la muestra y una charla dirigida por el mismo artista; el día 19 se ofrecerá una visión alterna de la exposición con un recorrido conducido por el coleccionista Carlos Pellicer, y el 2 de febrero se dará una visita especial al taller de cerámica de Aurora Suárez en Cuernavaca, Morelos.

Gustavo Pérez
Obra Reciente
Del 20 de diciembre de 2011 al 19 de febrero de 2012
Museo del Palacio de Bellas Artes
Av. Juárez s/n, esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico
CP 06050, Cuauhtémoc, Distrito Federal
Tel.: (55) 5512 2593

Arte y Cuerpo, exposiciòn en el Museo Tamayo

2011-12-20T08:37:00.003-03:00

El Museo de Arte de Sonora MUSAS con la colaboración del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), el Museo Tamayo y la Fundación Olga y Rufino Tamayo, A.C. (FORT) presentan la exposición Arte y cuerpo. Una mirada a la colección del Museo Tamayo que muestra 70 obras de 49 artistas modernos y contemporáneos entre los que destacan Pablo Picasso, Fernando Botero, Francis Bacon, Francisco Toledo, y por supuesto, Rufino Tamayo.

A través de un recorrido estilístico por una gran variedad de formas corporales del ser humano, que varían en formatos y técnicas como pintura, gráfica, fotografía y escultura, Arte y cuerpo busca explorar el significado de nuestra experiencia humana. La exposición realizada con obras del acervo del Museo Tamayo toma como punto de partida el hecho innegable de que tener un cuerpo físico es la única vía posible de existir y, a manera de una galería de espejos, Arte y cuerpo indaga sobre los aspectos de la naturaleza humana.

Concebida por Juan Carlos Pereda, curador de la colección y de Rufino Tamayo, y Adriana Domínguez, curadora asociada del Museo Tamayo, Arte y cuerpo. Una mirada a la colección del Museo Tamayo se presenta en MUSAS como parte de las actividades paralelas del Museo Tamayo, que este año inició sus obras de ampliación y remodelación arquitectónicas. Con este proyecto también se da seguimiento a la difusión del acervo que año con año realiza el Museo Tamayo en distintas sedes de México y del mundo.

El Museo de Arte de Sonora MUSAS es ahora el magnífico escenario en el norte del país donde se muestran al público obras de grandes maestros del arte moderno y contemporáneo internacional como Frederic Amat, Francis Bacon, Fernando Botero, Giorgio de Chirico, Alberto Giacometti, Gunther Gerzso, Willem de Kooning, Wifredo Lam, Fernand Léger, René Magritte, Carlos Mérida, Henry Moore, Armando Morales Irving Penn, Pablo Picasso, Larry Rivers, Antonio Saura, David Smith, Saul Steinberg, Rufino Tamayo, Wolfgang Tillmans y Francisco Toledo, entre otros.

La exposición se ha dividido en dos ejes temáticos: El cuerpo, uno y diverso y El cuerpo y sus proyecciones con el fin de apreciar las distintas concepciones del cuerpo humano que han tenido los artistas incluidos en esta muestra colectiva.

En el primer eje, El cuerpo, uno y diverso, se aborda la experiencia individual de la corporalidad. Mediante distintos estilos expresivos con los que un grupo de artistas ha representado al cuerpo humano, éste se revela como el lugar desde el que se vive y hacia el que se vuelca toda experiencia humana. De acuerdo con los curadores de la exposición: los cuerpos en este núcleo son entendidos como individuales y, al mismo tiempo, semejantes y dispares. Cada uno se contrasta con otro, se identifica como individuo y no termina de pensarse a sí mismo, enfrentándose con los retos de asumir su propia corporalidad.

El cuerpo y sus proyecciones, el segundo eje, da cuenta del movimiento de la existencia humana que va del cuerpo hacia afuera, hacia el mundo que nos rodea. En ese espacio externo, el ser humano se encuentra y desencuentra con otros, entrelazando inevitablemente el transcurrir de su vida a la de los demás.

Las obras en esta sección, manifiesta Adriana Domínguez, “hablan del eco que percibimos en los otros seres humanos que nos rodean y de la profunda humanidad latente en cada individuo: los miedos, las incertidumbres y las alegrías con los cuales se construye una existencia, siempre abierta, inconclusa y necesariamente social.” Asimismo, para Juan Carlos Pereda “vínculos intangibles como el amor, las ideologías comunes, las luchas sociales y políticas, así como la espiritualidad son el espacio donde se recrea la condición humana, aquella que compartimos todos y de la cual no podemos escapar.”

Arte y cuerpo. Una mirada a la colección del Museo Tamayo estará abierta al público del 15 de diciembre de 2011 hasta abril de 2012 en el Museo de Arte de Sonora MUSAS, en Hermosillo, Sonora.
Museo Tamayo
Paseo de la Reforma y Gandhi s/n
Mexico City, 11580
www.museotamayo.org

Memoria de la Vida, Muestra Colectiva en Angel Guido Project

2011-12-18T09:05:00.002-03:00

Esta muestra constituye una visión (resignificada por el artista) del espíritu latinoamericano. Utilizando colores poco convencionales como café, mate cocido, té, cacao, etc. juega entre realidades y sueños con un lenguaje fresco donde la naturaleza y los seres persisten como signos, con renovada vivencia en la verdadera memoria de la vida.

Raúl Conti

Ana Bonamico
El Síndrome de Diógenes es un trastorno del comportamiento que genera en las personas una tendencia de acumulación. En esta compulsión de acumular la dificultad real reside en no poder deshacerse de las cosas, en no poder seleccionar y distinguir aquellas cosas que sirven de las que no, llegando a tal punto en el que los espacios habitados por personas que sufren de este trastorno, están sumergidos en un caos total.

Ana Bonamico acumula recuerdos, su obra está atravesada por distintos ejes conceptuales como el tiempo y la memoria que en definitiva operan en su mente a partir de un gran terror por el olvido y en la necesidad de experimentar a partir del proceso de recordar, no solo el carácter pasado de las cosas ausentes sino el propio tiempo.

Ana Bonamico

Sus telas funcionan bajo esta lógica acumulativa en la que Ana va traduciendo plásticamente sus memorias. Sus recuerdos aparecen diseminados de manera explosiva, cargados de colores y de diminutas, casi obsesivas, formas y figuras precipitadas al estilo “horror vacui”. La figura humana está casi siempre presente, pero inmersa en un contexto recargado de elementos, en un caos total síntoma característico del trastorno de acumulación.

Las obras de Ana Bonamico funcionan bajo esta lógica en la que a partir de la acumulación de distintos objetos cargados de recuerdos personales nos habla no solo de su pasado sino que lo convoca desde el presente invitando a que todos aquellos que miramos su obra podamos activar nuestra propia memoria.

Victoria Tolomei

Tomás Ghiorzo

Tomás Ghiorzo
Estas fotografías donde la presencia de las imágenes pareciera ser contundente, tienen la gracia de un clásico de la Historia del Arte...
¿Que hay detrás de ellas?
¿Que contienen dentro de si mismas, que encubre?
Como en el cuadro de Holbein Los Embajadores, lo que se nos muestra
¿Es lo que vemos?
¿Que hay detrás de estas poderosas imágenes que se nos develan?

Técnicas actuales para enigmas y preguntas ancestrales. La línea continua del Arte..¿que mas Contemporáneo que esto?

Raúl Conti + Ana Bonamico & Tomás Ghiorzo
Del 3 de noviembre al 23 de diciembre de 2011
Angel Guido Art Project
Suipacha 1217 (C1011ACA), Buenos Aires.
Tel 54 11 4328 9887
Lunes a Viernes de 12 a 20hrs.
Martes de 12 a 19hrs.

Programa Navideño con la Orquesta Filarmònica de la UNAM

2011-12-17T08:42:00.002-03:00

/Mùsica/
El sábado 17 y el domingo 18 de diciembre de 2011 en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario
En el marco de las próximas festividades navideñas, la Orquesta Filarmónica de la UNAM, bajo la guía del director huésped, Raúl García, y con la trompeta de James Ready, cerrará un exitoso año de conciertos con un programa que integra obras de Pachelbel, Corelli, Haydn, Bach y canciones tradicionales. Los conciertos navideños serán el sábado 17 de diciembre a las 20:00 horas y el domingo 18 a las 12:00 horas en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).
Raúl García Velázquez inició sus estudios en dirección de orquesta en 1981 en el Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México. Ha dirigido en múltiples ocasiones orquestas como la Sinfónica Nacional, Filarmónica de Querétaro, Filarmónica de la UNAM, Filarmónica de Jalisco, Filarmónica de Zacatecas, Sinfónica de Nuevo León, Sinfónica del IPN, Sinfónica del Vallés de Barcelona y Filarmónica Brotuslav Martinú de República Checa, entre muchas otras. Paralelo a su carrera de director de orquesta, posee una extensa cantidad de composiciones. Ha escrito himnos para instituciones como el Ejército y Fuerza Aérea Mexicanos y el IMSS. Actualmente conserva el puesto de director titular de la Sinfónica de la UACH y Coro de la OSUACH.
Por su parte, James Ready nació en Ohio, Estados Unidos. Comenzó sus estudios de trompeta a los 11 años de edad. Entre 1995 y 2000, formó parte de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Actualmente, es el trompetista principal de la Filarmónica de la UNAM. Ha tocado con la Sinfónica de Minería, la Orquesta del Festival Mozart-Haydn y La Camerata. Asimismo, se ha presentado en diversos foros y con varios grupos de jazz. En sido solista con la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y con la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Ha participado en las grabaciones de la Quinta sinfonía de Martinů, la Segunda sinfonía de Mahler y otras obras con la Filarmónica de la UNAM, además de sinfonías de Beethoven y Tchaikovsky con la Sinfónica del Estado de México.
El programa, donde también participará el Coro Filarmónico Universitario estará conformado por el Canon de Pachelbel, Concerto grosso op. 6 no. 8 de Corelli, Concierto para trompeta de Haydn, Noche de paz de Mohr-Gruber y canciones tradicionales como Adeste fideles, Patapán, Fum, Fum, Fum y March of the Kings.

Sala Nezahualcóyotl
Centro Cultural Universitario
Insurgentes Sur 3000, C.U.
www.musicaunam.net
Fuente: Difusión Cultural UNAM

Gotthard Schuh. Una mirada artìstica en la Fotografìa Documental.

2011-12-16T10:01:00.003-03:00

Desde el 14 de diciembre de 2011 hasta el 19 de febrero de 2012, FUNDACIÓN MAPFRE presenta, por primera vez en España, la obra del fotógrafo Gotthard Schuh (Berlin-Schöneberg D 1897- Küsnacht ZH 1969). La exposición está organizada en estrecha colaboración con la Fotostiftung Schweiz de Winterthur, de donde proceden todas las obras, y comisariada por su director Peter Pfrunder.
La muestra comprende 113 fotografías, noventa y tres de ellas de Gotthard Schuh, que datan entre 1929 y 1956, y veinte fotografías adicionales de Robert Frank, Werner Bischof, Jakob Tuggener y René Groebli, presentando a Gotthard Schuh al lado de los fotógrafos suizos más importantes de su tiempo, todos ellos miembros del Kollegium de Fotógrafos Suizos (Kollegium Schweizer Photographen) en los años cincuenta. La exposición se estructura en cinco secciones:
En 1930 interrumpe una prometedora carrera de pintor para dedicarse en cuerpo y alma a la fotografía. Schuh participa entusiastamente en la revolución estética que tuvo lugar en el mundo de la fotografía a finales de los años veinte y que postulaba una «nueva visión». En el floreciente fotoperiodismo descubre una oportunidad para poner en práctica sus ideas plásticas; y dentro de Suiza, la revista Zürcher Illustrierte es la que establece la pauta en ese ámbito. Su redactor jefe, Arnold Kübler, se hace con los fotógrafos de más talento del país para redefinir el reportaje gráfico como forma narrativa. A partir de 1932 Gotthard Schuh será uno de sus colaboradores fijos.
Pero junto a su actividad de reportero, Gotthard Schuh siempre buscó posibilidades de escapar de la cotidianeidad. A principios de los años treinta pasó varios periodos de estancia en París, donde supera el rígido programa de la «nueva visión» y desarrolla un estilo que podría describirse como «realismo poético». La expresividad emocional, la densidad de ambientes y la sensibilidad psicológica se convierten en elementos centrales de su fotografía. Schuh fotografía escenas nocturnas, se sumerge en mundos femeninos, rastrea un erotismo vibrante y convierte lo interpersonal en su tema por excelencia: en su mundo de imágenes predominan las mujeres –ellas, cómo no–, amantes o aglomeraciones de personas que transmiten la sensación del pulso de la vida.
Cuando en 1930 Gotthard Schuh comienza a tomar fotografías se deja arrebatar por el espíritu innovador que rodeaba a la «nueva visión»: en sus primeras publicaciones, los efectos ópticos y el diseño marcado desempeñan un papel importante. Pero Schuh no se dedica exclusivamente a retratar perspectivas poco habituales ni a representar con precisión lo superficial, sino ante todo a las sensaciones de la vida cotidiana: escenas aparentemente poco espectaculares pero tan llenas de misterio que generan una gran tensión, como la primera frase de un relato.
Durante sus estancias en París durante los años treinta, Schuh se deja inspirar por el placer de vivir de esa vibrante ciudad. En esa época comienza a centrar su fotografía en las personas. Los ambientes y la expresividad lírica se convierten en los impulsos centrales de su trabajo. Mujeres, parejas o escenas callejeras son sus motivos predilectos. Schuh se deja llevar continuamente por el erotismo. Con una mirada muy especial para los ambientes cambiantes del día a día de la ciudad, en esos años explora también Zúrich, donde vive y trabaja la mayor parte del tiempo. En 1935 dedica a esa ciudad el primer libro de fotografías, que es mucho más que un mero retrato turístico o documental.
La obra de Schuh de los años treinta está también fuertemente marcada por su trabajo de fotoperiodista. Por encargo de Zürcher Illustrierte (ZI) realiza reportajes gráficos desde toda Europa; cubre temas sociales, culturales, deportivos o políticos, como por ejemplo la subida al poder de los nazis en Berlín. En 1941 Schuh abandona la excitante vida de reportero independiente y se convierte en el primer redactor gráfico de Neue Zürcher Zeitung.
En marzo de 1938 Gotthard Schuh parte hacia Singapur, Java, Sumatra y Bali para un viaje de once meses. A su regreso publica el libro Inseln der Götter [Islas de los dioses] (1941). Lo que a primera vista parece un gran reportaje documental revela ser, examinado con más detalle, un relato de viaje subjetivo, una lograda mezcla de informe y observación íntima, de hechos y fantasías. Gotthard Schuh presenta las «islas de los dioses» en tres grandes capítulos: se honra a la naturaleza y al paisaje tanto como a la población y la cultura locales, el trabajo y la vida cotidiana o las fiestas y rituales religiosos. El texto, detallado y muy personal, del libro de Schuh permite barruntar que el fotógrafo, con sus fotografías claras y sensuales, ha creado un mundo opuesto a una crisis existencial, entablando la lucha contra sus propios abismos oscuros.
Inseln der Götter es uno de los libros más conocidos y de mayor éxito de la historia de la fotografía suiza, lo que resulta tanto más llamativo por cuanto que fue publicado en un entorno difícil, en medio de la II Guerra Mundial. Mientras a partir de mediados de los treinta la creación cultural suiza giraba cada vez más en torno a la propia patria, en este trabajo Schuh se ocupó de un paraíso aparentemente intacto situado en el otro confín del mundo. Las fotografías de Schuh han cosechado una enorme significación, entre otras cosas por su contenido poético y metafórico, más que por su contexto histórico, geográfico o etnológico. Se han convertido en símbolos de la búsqueda de la belleza y del ansia de armonía interior.
Como redactor gráfico de Neue Zürcher Zeitung, Gotthard Schuh se cuenta entre los cofundadores de un suplemento en formato de revista que él convirtió en los años cincuenta en un foro de fotografía que gozó de gran consideración. En Das Wochenende publica reportajes de jóvenes colegas y de fotógrafos internacionalmente famosos. Sus propios trabajos fotográficos los publicó en libros sobre Italia (1953), el Tesino (1961) o Venecia (1964). Sin embargo, la publicación más importante de esa época es el libro Begegnungen [Encuentros] (1956), donde Schuh combina fotografías antiguas y recientes en una composición de asociación libre que da como resultado una obra nueva e inmanente. Combina fotografías centradas siempre en el tema del encuentro: el encuentro de hombre y mujer que se buscan mutuamente (o que se separan), o los encuentros del fotógrafo con personas, paisajes y cosas. Con la mirada netamente subjetiva con la que narra sus encuentros, Schuh se convierte en un importante paradigma para los jóvenes fotógrafos suizos. También Robert Frank le reconoce como mentor, y se declara impresionado por su forma de expresión emocional y comprometida con la verdad interior. A partir de 1952 se desarrolla entre ambos fotógrafos una amistad basada en un profundo respeto mutuo. Cuando en 1958 Frank publica su libro Les Américains, señero de una época, Schuh comprende de inmediato que Frank ha creado algo absolutamente novedoso: la sinceridad sin maquillaje de la fotografía de Frank le estremece. Las obras de Gotthard Schuh y Robert Frank están relacionadas entre sí ante todo por sus respectivas facetas melancólicas.

En 1950 Gotthard Schuh funda, conjuntamente con los fotógrafos Werner Bischof, Paul Senn, Jakob Tuggener y Walter Läubli, la asociación Kollegium Schweizerischer Photographen. La asociación, que engloba a eminentes fotógrafos y cuenta con una organización poco rígida, difunde una fotografía de autor con expectativas artísticas. Sus miembros se reúnen regularmente en sesiones que culminan con una comida conjunta y un intercambio de ideas. En dos exposiciones celebradas en la Helmhaus de Zúrich (en 1951 y 1955), los miembros de Kollegium presentan sus ideas sobre la calidad en fotografía: atribuyen un gran valor a la expresión individual y subjetiva y a las fotografías que despliegan un intenso efecto aun no estando vinculadas a una finalidad determinada, tal como escribe Gotthard Schuh: «Casi todas las instantáneas han surgido vinculadas a una finalidad, tenían misiones que cumplir, debían comunicar esto o aquello como parte de un reportaje o como fotografías individuales, casi todas ellas servían para hacer visualmente patente un texto. ¿Por qué no reunir en una muestra esas fotografías, liberadas ya de su finalidad original?
Una fotografía de intensa expresión, percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia». Para la segunda exposición, titulada «La fotografía como expresión», la asociación Kollegium incorporó al elitista grupo una selección de jóvenes fotógrafos, entre ellos Robert Frank y René Groebli. Las fotografías expuestas por Kollegium llaman la atención por su marcada sensualidad, y no en menor grado por sus muchas tonalidades oscuras, melancólicas. Con obras como “Funeral, Barcelona“ (1951) o “Valencia“ (1950), Robert Frank es quizá quien más se adentra en la representación de aquella tristeza existencial que le acompañaría también en su creación tardía. A pesar del éxito que tuvo entre el público, la asociación Kollegium se disolvió en 1956 debido a divergencias de opinión entre sus miembros.

Gotthard Schuh. Una Mirada Artística en la Fotografía Documental
Del 14 de diciembre de 2011 al 19 de febrero de 2012
Fundación MAPFRE
Sala Azteca
General Perón nº 40.
Comisario: Peter Pfrunder, Director del Fotostiftung Schweiz de Winterthur.
Producción: Fundación Mapfre y Fotostiftung Schweiz, Winterthur.
www.fundacionmapfre.com

Premio Fundaciòn Williams de Arte Joven

2011-12-15T12:18:00.003-03:00

Luego de exponerse en 2011 en las salas de Procultura, Salta, y en el Museo Provincial de Bellas Artes René Brussau de Resistencia, Chaco, la Fundación Williams presenta en el Museo de Arte de Tigre los ganadores de este premio Bienal, que se propone como un espacio de acercamiento a la producción plástica emergente. Esta edición está íntegramente dedicada al dibujo, con una amplia variedad de exploraciones sobre ese lenguaje. El jurado del premio estuvo conformado por la crítica y periodista Ana Martínez Quijano, el artista Eduardo Stupía y el curador y crítico Rodrigo Alonso.
Sobre el Premio de Arte Joven 2010 y la Fundación Williams
La Fundación Williams es una organización privada, sin fines lucrativos, creada en 1943 por Thomas J. Williams y Ana King de Williams con el objetivo de impulsar el desarrollo de la ciencia, la educación, la cultura y el fortalecimiento comunitario en la República Argentina.
La Fundación constituye, desde su creación, una valiosa fuente de ayuda y colaboración para personas e instituciones innovadoras. El apoyo a ellas brindado tiene como objetivo enfrentar el desafío de acrecentar el bienestar de los habitantes del país, utilizando como herramientas principales la expansión del conocimiento y el desarrollo de la cultura.
A través de este premio la Fundación busca promover la creación de los artistas jóvenes del país y brindar, a su vez, un espacio de visibilidad a la producción artística emergente.
Esperamos que la muestra de esta segunda edición del premio refleje esa intención y permita al público acceder a la variedad de miradas y perspectivas que configuran el estimulante panorama del arte joven en la Argentina.

Jurado:
Ana Martínez Quijano (crítica de arte)
Eduardo Stupía (artista)
Rodrigo Alonso (crítico de arte y curador)

Cuenta Nora Iniesta, asesora de Artes Visuales de la Fundación Williams:

Carlos Riccib
En el año 2008, este Premio de Arte Joven estuvo dedicado a la pintura. Continuando con lo iniciado hace dos años, en esta segunda versión la técnica elegida ha sido el dibujo. Hubo una gran convocatoria de artistas, pues fueron recibidas cerca de cuatrocientas carpetas. En ellas pudo verse reflejada no sólo la cantidad sino también la calidad del trabajo que realizan los jóvenes artistas del país que enviaron sus obras a este premio federal.
La diversidad de técnicas, estilos y modos ha sido una de las más salientes características de esta nueva versión del Premio. Agradezco al jurado por su tarea paciente y minuciosa para poder elegir la selección de obras que aquí se muestran, lo que, puedo atestiguar, no fue tarea sencilla.

Ahora, el dibujo
A pesar de ser una forma de expresión con gran tradición dentro de las artes visuales, el dibujo atravesó en nuestro medio períodos de escasa visibilidad. No obstante, esta muestra revela cabalmente que continúa fascinando a los jóvenes artistas. A través del dibujo se redescubre el mundo, y en esta ocasión lo haremos guiados por artistas que, con gran libertad, han sabido crear proyectar y componer universos formales de enorme riqueza.

El Premio Fundación Williams de Arte Joven se propone como un espacio de acercamiento a la producción artística emergente. En esta ocasión, a la vinculada con el dibujo en todas sus variantes. La muestra refleja la amplia variedad de exploraciones e intereses que abordan los artistas de las nuevas generaciones, y exhibe con claridad las transformaciones que tuvieron lugar en la disciplina en los últimos años.
Novedosas y estimulantes, así pueden caracterizarse las obras seleccionadas, pues nos invitan a recorrer los caminos de un modo de expresión visual que deslumbra tanto en sus versiones clásicas como en sus nuevas apuestas, desafíos y exploraciones.

Obras premiadas
1er premio: Elisa O'Farrell "¿Cómo es tu radio?"
2do premio: Julián Terán "Hot Spots"
3er premio: Bárbara Kaplan "Topografía"
Mención: Hernán Salvo "The end"
Mención: Alfio Demestre "Territorio real"
Mención: Cecilia Candia "Mapa mental con ocurrencias"
Mención: Carlos Augusto Ricco "Cadenas alimenticias"

La Fundación Williams de Thomas Jefferson Williams y Ana King de Williams en la República Argentina es una organización sin fines de lucro de carácter privado, creada en 1943 por Thomas Jefferson Williams y Ana King de Williams, con los propósitos de impulsar el desarrollo de la ciencia, la educación y la cultura, fomentar el intercambio científico-cultural y auspiciar el fortalecimiento comunitario.
La Fundación constituye, desde su creación, una valiosa fuente de ayuda y colaboración para personas e instituciones innovadoras. El apoyo a ellas brindado tiene como meta enfrentar el desafío de acrecentar el bienestar del país, utilizando como herramientas principales la expansión del conocimiento y el desarrollo de la cultura.

Premio Fundación Williams de Arte Joven
Del 17 de diciembre de 2011 al 31 de enero de 2012
Inauguración: sábado 17 de diciembre a las 12.h
Visitas: miércoles a viernes de 9 a 19 h, sábados y domingos de 12 a 19 h
+info: http://www.fundacionwilliams.org.ar/
Museo de Arte Tigre
Paseo Victorica 972, Tigre
Tel. 4512.4093/4
Fuente: Paula Simkin & Daniel Franco
/Prensa y Comunicación

Tauromaquia, pinturas, dibujos y grabados de Picasso

2011-12-13T08:13:00.001-03:00

El Gobierno español recuerda con Picasso. Tauromaquia. Pinturas, dibujos y grabados en la colección del Museo Picasso de Barcelona el vigésimo quinto aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas entre España e Israel. La exposición se muestra hasta el 15 de enero de 2012 en el museo de Arte de Tel Aviv.

Tauromaquia está formada por más de un centenar de obras de arte entre dibujos, grabados y óleos que el pintor malagueño dedicó a un mundo por el que sentía fascinación. En la muestra se fusionan dos aspectos de la vida de Pablo Picasso: la fascinación por el toro y todo lo asociado a él y su mano creadora, con un estilo absolutamente inconfundible. Cronológicamente las primeras obras datan de 1892, con apuntes, dibujos y pinturas de su etapa juvenil y una magnífica colección de grabados realizados entre los años 30 y 60, donde se incluyen aquellos que ilustraron el libro La tauromaquia o arte de torear de José Delgado, con sus respectivas planchas originales. Se complementa con material documental sobre Picasso.

A lo largo de toda su vida y de su trayectoria artística Picasso mantuvo un constante, profundo y manifiesto interés por las corridas de toros. Éstas constituyen un tema tan recurrente en su obra que por sí solas configuran un recorrido atractivo y útil para estudiar la evolución estilística del pintor.

Ya de niño Pablo Ruiz Picasso solía asistir a las corridas de toros, acompañando a su padre, a las plazas de Málaga y de La Coruña. La fiesta aparece en sus dibujos más tempranos, y es significativo que su primera pintura, fechada en 1892, represente a un picador. Desde entonces se mostró atraído por todos los aspectos vinculados de una forma u otra al mundo taurino y fascinado por la dialéctica infinita de la corrida: el duelo del toro con el torero, la lucha del toro contra el caballo, los juegos de luz y sombra, el cara a cara de la vida contra la muerte.

Los motivos del torero, del toro, del picador y el caballo son frecuentes a lo largo de toda su vida, pero también el toro mitológico y el minotauro están presentes en pinturas, pasteles, dibujos y cerámicas. Pero donde el tema de la tauromaquia tiene especial relevancia, sobre todo a partir de la década de 1930, es en los trabajos gráficos.

En su madurez, cuando se había instalado ya en el midi francés, la atracción que sentía por la fiesta de los toros y su afecto personal por algunos toreros le llevaron a relacionarse con toda clase de profesionales y aficionados y a frecuentar asiduamente las plazas de Arles, Fréjus, Nîmes y Vallauris.

En 1957 Picasso comienza a trabajar en la ilustración del libro Tauromaquia o arte de torear. Obra utilísima para los toreros de profesión, para los aficionados y para toda clase de sujetos que gusten de toros de José Delgado, alias Pepe Illo, para la colección de bibliófilo Ediciones La Cometa. Realiza 26 aguatintas que representan diferentes momentos de la corrida, y, siguiendo la ortodoxia del ritual, consigue registrar con vivacidad y objetividad todos los momentos del combate. La ligereza de la técnica empleada le permite captar el movimiento y mantenerse alejado del drama; las diversas suertes de la fiesta en los siglos XVIII y XIX (desaparecidas o modificadas en el momento en que Picasso ejecuta estos grabados) se suceden ante nuestros ojos como un testimonio de la autenticidad y riqueza del espectáculo. La implicación de Picasso en el proyecto de Gili va más allá y en 1959 graba una punta seca para la cubierta de las Ediciones La Cometa.

Acción Cultural Española (AC/E) es una institución cultural de carácter público que promociona y difunde las diversas realidades culturales de España dentro y fuera de nuestro país. Apuesta firmemente por el arte contemporáneo en español, esto es, por el ideado y formulado a uno y otro lado del Atlántico y, especialmente, por la colaboración entre los artistas españoles e iberoamericanos.

‘Tauromaquia, pinturas, dibujos y grabados’
Museo de Arte de Tel Aviv
Hasta el 15 de enero de 2012
Fuente: Departamento de Comunicación AC/E
www.accioncultural.es

La pintora impresionista Berthe Morisot en el Museo Thyssen-Bornemisza

2011-12-10T07:12:00.007-03:00

Gracias a un importante acuerdo de préstamo, se exhiben más de treinta obras procedentes del Musée Marmottan Monet de París, junto a un préstamo de la Fondation Pierre Gianadda de Martigny (Suiza), y a otras piezas pertenecientes a las colecciones Thyssen, que permiten descubrir una pintura elegante y luminosa a través de paisajes, escenas cotidianas e íntimos retratos femeninos.

La muestra se ha organizado siguiendo un recorrido temático y cronológico en paralelo a la trayectoria vital de la artista, en los siguientes capítulos: Corot y la pintura al aire libre, Manet y el retrato íntimo, Pintar la vida, vivir la pintura, Parques y jardines y El mundo rural. En cada sala, sus lienzos dialogan con otros de pintores relevantes en su vida, como Corot, Boudin, Manet, Degas, Renoir, Monet y Pissarro.

Casada con Eugène Manet, el hermano de Édouard Manet, Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895) fue la primera pintora que decidió unirse al Impresionismo, el grupo más avanzado del arte de la época, participando en la mítica Primera Exposición Impresionista de 1874 y en otras posteriores. El suyo es un caso excepcional en la Historia del Arte del siglo XIX, porque es el de una mujer perteneciente a la alta burguesía francesa que consigue desarrollar una importante carrera profesional como artista, vinculada a un movimiento nuevo, que entonces provocaba rechazo.

El espejo psiqué, de la Colección Permanente del Museo, es una de las pinturas que Berthe Morisot presentó en la Tercera Exposición Impresionista de 1877 y la obra que se encuentra en el origen de esta exposición. Ejecutada con una delicada factura de suaves pinceladas, muestra a una joven vistiéndose pausadamente frente a un espejo de estilo Imperio, espejo que perteneció a la pintora y que ahora se encuentra, entre otros objetos personales, en la colección del Musée Marmottan. La artista estuvo preocupada de manera especial por el estudio de la luminosidad y el color, y compartió el interés de los demás impresionistas por los reflejos de la luz. Su carácter independiente y con cierto punto de rebeldía se deja ver en su obra, que permite acercarse también al papel de la mujer en la Francia de finales del siglo XIX, ya que no sólo fue una gran creadora sino también una mujer burguesa, urbana e interesada por la moda y la activa vida cultural de la época, que se relacionó con intelectuales y artistas como Manet, Renoir, Monet, Pissarro, Degas o Mallarmé. La representación del universo de los sentimientos femeninos fue un asunto tan permanente en la obra de Morisot que su amigo el poeta francés Paul Valéry solía decir de ella que «vivía su pintura» y «pintaba su vida».

Eugène Manet en la isla de Wight, 1875. Óleo sobre lienzo. 38 x 46 cm. Musée Marmottan Monet, París

Berthe Morisot fue educada en el gusto por las artes y la música. La educación artística oficial de la École de Beaux Arts no estaba entonces abierta a las mujeres, pero su interés y capacidad creativa hicieron que profundizase en su formación pictórica, junto a su hermana Edma, de mano de maestros que impartían clases privadas a jóvenes aficionadas. Entre ellos se encontraba Joseph‐Benoît Guichard, quien animó a ambas hermanas a entrar en el Musée du Louvre como copistas, ocupación habitual de los jóvenes pintores de la época. Durante tres años Berthe copió varias pinturas venecianas; es una de estas, inspirada en La comida en casa de Simón de Veronés, la que abre la exposición. Esta experiencia del Louvre no solo le serviría de aprendizaje, sino que le abriría todo un mundo de relaciones artísticas, en 1858 entró en contacto con Henri Fantin‐Latour y Félix Bracquemond.

A comienzos de la década de 1860, con su nuevo maestro Camille Corot, las hermanas Morisot dejaran las salas del museo y saldrán a pintar al aire libre. El viejo Corot, que se convirtió en un profesor informal, les enseñó su modo luminoso de reflejar la naturaleza sobre el lienzo, un aprendizaje que Berthe nunca olvidaría. Tras pasar el verano de 1861 junto a “Papa” Corot, continuarían pintando paisajes bajo la tutela de un discípulo suyo, Achille Oudinot. Las obras reunidas en la segunda sala, pertenecientes a este periodo, nos muestran un estilo cercano a los artistas de la Escuela de Barbizon, como Corot, Daubigny o Boudin.

Pastora tumbada, 1891. Óleo sobre lienzo. 63 x 114 cm. Musée Marmottan Monet, París

Gracias a Fantin‐Latour las hermanas Morisot conocieron en 1868 a Édouard Manet, para el que Berthe se convirtió en modelo destacada de varias de sus obras, entre ellas El balcón (1868‐69), inspirada en Las majas en el balcón (c. 1808‐12) de Francisco de Goya. A partir de entonces mantuvieron una estrecha relación artística y personal, que permitió además a Morisot trabar amistad con un grupo de jóvenes pintores que se inspiraban en la vida diaria y en la frenética actividad urbana para elaborar un nuevo tipo de pintura suelta y libre, muy alejada de las pautas académicas, que poco después, cuando decidieron crear una Sociedad de Artistas invitaron a Morisot a participar en las que serían las exposiciones impresionistas. En 1869 su hermana Edma abandonó la carrera artística tras contraer matrimonio y dejar la casa familiar, por lo que Berthe continuó en solitario su actividad pictórica. Su temática se centra en la pintura de interiores, esos interiores domésticos que abordaron por primera vez los pintores holandeses y que los impresionistas volvieron a recuperar. Un mundo intimo, en el que encontramos mujeres vestidas con sus vestidos informales, mujeres cosiendo, leyendo, meditando, madres con niños y, excepcionalmente, mujeres en actos públicos, como En el baile, un delicado oleo presentado en la Segunda Exposición impresionista de 1876, en el que una bella dama de la alta sociedad, elegantemente vestida, sostiene un abanico.

En 1890 y 1891 los Monet Morisot pasaron una temporada en una casa de campo con vistas al Sena al noroeste de París. A este periodo corresponden las escenas rurales recogidas en el siguiente capítulo de la exposición, escenas en las que pintó en numerosas ocasiones a su hija Julie ‐que desde su nacimiento en 1878 se había convertido en su nueva protagonista‐, ya fuera en compañía de su prima Jeannie Gobillard.

El espejo psiqué, 1876. Óleo sobre lienzo. 65 x 54 cm. Museo Thyssen‐Bornemisza, Madrid

Otra modelo frecuente fue Gabrièlle Dufous, una muchacha del pueblo que posó para varios bocetos y dibujos y para la versión definitiva en oleo de la Pastora tumbada, 1891. También la hizo posar desnuda con la misma pañoleta en la cabeza, en la obra Pastora desnuda tumbada (1891), donde el tratamiento del cuerpo se acerca a los desnudos de Renoir en ese momento.

Tras la muerte de su marido Eugène en 1892, Berthe se traslada a un apartamento cerca del Bois de Boulogne que se convirtió en uno de sus lugares preferidos para buscar motivos. El gran parque fue para ella como una prolongación de su hogar, y la estrecha relación entre su pintura y su vida se refleja de nuevo en los cuadros recogidos en la sección Parques y jardines en los que podemos observar un parque solitario que se asemeja a un jardín privado.

Berthe Morisot. La pintora impresionista
Del 15 de noviembre de 2011 al 12 de febrero de 2012
Organiza: Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)
Comisaria: Paloma Alarcó, jefe de conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza.
Más información: www.museothyssen.org
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado 8, 28014, Madrid.
www.museothyssen.org
Prensa Ministerio de Cultura

Diego Rivera considerado uno de los principales muralistas del mundo.

2011-12-08T08:00:00.004-03:00

/El Arte al Dìa/
(Guanajuato, 1886 - ciudad de México, 1957) Diego Rivera, pintor mexicano, considerado uno de los principales muralistas de su país. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en especial, España, Francia e Italia), donde se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo.

Las obras de este período reflejan, por un lado, un acusado interés por el cubismo sintético (El guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina, y por otro, una gran admiración por los fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por Giotto), lo que motivó su alejamiento de la estética cubista anterior.

Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.

Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca, Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).

Artista comprometido políticamente, Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de nuevo en México, se casó con la pintora Frida Kahlo, que había sido su modelo.

En la década de 1930 marchó a Estados Unidos, donde puso su arte al servicio de la exaltación del maquinismo; realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco, Detroit -decoración del Instituto de Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por sus contenidos socialistas.

Pequeños Artistas, Grandes Miradas.

2011-12-07T07:44:00.000-03:00

El Centro Cultural Recoleta dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires invita a la inauguración de la muestra Pequeños artistas, grandes miradas. 24 artistas: un recorrido por su identidad, el miércoles 7 de diciembre a las 19 horas en las salas 1 y 2.

Niños de 6 a 10 años de edad que concurren a los Talleres Socio-educativos del Centro de Acción Familiar N. 6 "Bichito de Luz" Villa 31- Retiro y participan del programa Sembrando Creatividad de la Fundación Grano de Mostaza presentan 76 obras individuales (pinturas y esculturas) y 2 obras colectivas (telas de 2 x 1,50 cada una).
Este programa está dirigido a niños que viven en situación de vulnerabilidad social. El objetivo principal es “impactar positivamente en su desarrollo integral: social, emocional, físico e intelectual.” Creemos que el arte es un recurso para promover el pensamiento crítico y creativo, a través del cuál los niños expresan sus ideas y sentimientos, comunican lo que sienten y necesitan, generando herramientas de autoconocimiento. Por medio del trabajo en grupo los niños desarrollan habilidades sociales: compartir, respetar el trabajo propio y del otro al mismo tiempo que fortalecen su autoestima. Y fundamentalmente a través del juego exploran su creatividad dando vuelvo a su imaginación.

El Programa consiste en la implementación de talleres artísticos-educativos de una hora y media por semana en grupos de no más de 15 chicos. Trabajamos a partir de cuatro ejes principales: identidad, familia, comunidad y sociedad. En función de estas temáticas se seleccionan los materiales, técnicas y artistas que acompañan el proceso creativo de los niños.

Inauguración: miércoles 7 de diciembre a las 19 hs
Cierre: 11 de diciembre
Salas 1 y 2,
Centro Cultural Recoleta
Junín 1930
Fuente: Prensa Centro Cultural Recoleta

Llamado urgente a la solidaridad

2011-12-05T11:27:00.002-03:00

Llamado Urgente a la solidaridad
Maria Concepción Ponce Díaz Laguzzi. (29 años) se encuentra internada en el Instituto del Diagnostico y Tratamiento (Ciudad de Buenos Aires) para un inminente transplante de medula ósea.
Llamo a la solidaridad de quienes puedan apoyarnos en este difícil momento en el que se requieren 20 dadores de sangre de cualquier grupo o factor.
Las donaciones se realizan en :

Fundación Hemocentro Bs.As.
AV. Diaz Velez 3973 (Almagro -Buenos Aires)
Tel 4981-5020
De lunes a viernes de 8 a 18 hs.
Sabado de 8 a 13 hs.
Condiciones basicas para la donación
Tener entre 18 y 65 años de edad y más de 50 kgs. De peso
Haber transcurrido 2 meses de la última donación
No es conveniente ir en ayunas y conviene que el donante ingiera antes de la donación alimentos de bajo contenido graso y/o lácteos
Posterior a la donación comunicarlo a:
PONCE BOSCARINO
ponceboscarino@gmail.com
Si no podes ayudarnos con la donación difundirlo entre tus contactos es ya aportar vida.
Muchas gracias

El murmullo de los rostros. Paul Strand en Mèxico

2011-12-05T08:34:00.002-03:00

El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) a través del Museo del Palacio de Bellas Artes, en colaboración con la Fundación Televisa, presentan la exposición El murmullo de los rostros. Paul Strand en México, que podrá visitarse hasta el 26 de febrero de 2012.

Con esta exposición, Fundación Televisa reafirma su interés en adquirir archivos fotográficos de gran valor histórico y poner al alcance del público el trabajo de uno de los artistas más notables en la historia de la fotografía.

El murmullo de los rostros. Paul Strand en México abarcará las salas Nacional y Diego Rivera del Museo del Palacio de Bellas Artes, y reúne una selección de 220 piezas, además de fotografías, proyecciones videográficas, carteles y documentos que dan cuenta del trabajo que realizó el artista estadounidense durante las dos estancias en nuestro país, en 1932-34 y 1966.

La curaduría, a cargo de Alfonso Morales, llevará al espectador por varios núcleos temáticos para reflexionar sobre la importancia histórica de las imágenes de Strand. Asimismo, permitirá profundizar en su proceso creativo, los géneros y motivos visuales que trató, así como los intercambios y colaboraciones que lo vincularon con otros creadores e intelectuales mexicanos de la época.

“Decir Paul Strand en México puede implicar el hecho de una presencia renovada, el anuncio de un arribo por suceder o recientemente sucedido; una bienvenida para ese tercer viaje que Strand ha realizado a nuestro país de manera póstuma mediante la adquisición que hizo Fundación Televisa de la parte mexicana de su obra”, señala el curador Alfonso Morales.

Las fotografías que documentó el artista estadounidense en su primera visita a México capturan su acercamiento a un país de contrastes, centrado en retratos de habitantes de comunidades rurales. En el registro de su segundo viaje, sustituye el protagonismo de los rostros por vistazos lejanos de un paisaje que modificaba su origen rural para dar paso a la urbanidad.

Morales comenta: “Mi enésima revisión me ha hecho entender la sensibilidad que Strand tuvo para captar el murmullo del mundo: paisajes, vetustas construcciones, modestos oficios, plantas, herramientas y, por encima de todo, rostros y semblantes en los que no quiso imponer el prejuicio de los estereotipos sino rescatar la dignidad de las personas”.

Las obras de la exposición proceden de instituciones nacionales y extranjeras como Fundación Televisa, Aperture Foundation, The Center for Creative Photography, Asociación Manuel Álvarez Bravo, Centro de la Imagen, Archivo Histórico de la Secretaría de Educación Pública, Colección Blaisten, Colección Alfonso Morales y Naomi Rosemblum.

Desde 1933, la obra de Paul Strand no se presentaba de manera individual en nuestro país; por ello, la importancia de ofrecer al público la oportunidad de conocer a este autor y el material que produjo, así como reconocer su impacto en la producción fotográfica y fílmica mexicana del siglo XX. Luego de su estancia en el Museo del Palacio de Bellas Artes, El murmullo de los rostros visitará el Museo Amparo en Puebla y el Museo MARCO de Monterrey.

Como parte de las actividades que complementan la muestra, Alfonso Morales ofrecerá una charla y visita guiada al público el 6 de diciembre. Por su parte, los historiadores James Oles y Antonio Saborit harán un recorrido alterno por la exposición los días 13 de diciembre y 10 de enero.

La relación de Strand con el séptimo arte se abordará los días 18 y 25 de enero y 1, 8 y 15 de febrero con el ciclo El cine de Paul Strand y sus contemporáneos, que impartirán los críticos de cine Erick Estrada y Joaquín Rodríguez. Para enriquecer esta actividad, el 17 de enero Eduardo de la Vega dará la conferencia Vanguardias en construcción: las experiencias cinematográficas de Paul Strand.

Para la realización de este proyecto, el INBA y el Museo del Palacio de Bellas Artes contaron con el valioso apoyo de Amigos del Museo del Palacio de Bellas Artes, Credit Suisse (Patrocinador Corporativo de Museo del Palacio de Bellas Artes durante el 2011), ISA Corporativo, Vértice y Ezequiel Farca.

Paul Strand y su paso por México
A finales de 1932, Paul Strand (Nueva York 1890 – Orgeval, Francia, 1976) llegó por primera vez a México. Desde entonces y hasta 1934, no sólo recorrió el país fotografiando rostros y paisajes sino también exhibió el trabajo que había realizado en el suroeste de Estados Unidos.

En la Secretaría de Educación Pública, institución para la que trabajó como maestro de dibujo y Jefe de la Oficina de Fotografía y Cinematografía, propuso un programa de cine educativo que quedó inconcluso. Sin embargo, participó en el rodaje de la película Redes estando a cargo de la cinefotografía, la redacción del argumento y la elaboración de las sucesivas versiones del guión.

El murmullo de los rostros. Paul Strand en México
Del 1 de diciembre de 2011 al 26 de febrero de 2012
Museo del Palacio de Bellas Artes
Av. Juárez s/n, esq. Eje Central Lázaro Cárdenas
Centro Histórico
CP 06050, Cuauhtémoc, Distrito Federal
Tel.: (55) 5512 2593
Prensa INBA

Exposiciòn de Gerardo Murillo, Dibujos y Bocetos.

2011-12-04T07:43:00.002-03:00

A más de 25 años de su última retrospectiva, Gerardo Murillo, personaje multifacético más conocido como Dr. Atl, vuelve a recuperar el sitio que le pertenece como figura central de las artes plásticas en México. El Museo Colección Blaisten, ubicado en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, inaugura este sábado 3 de diciembre a las 12:00 horas, la exposición “Dr. Atl. Obras maestras”, en homenaje a este paisajista, innovador en técnicas pictóricas y maestro de los grandes muralistas del siglo XX.

“Con esta exposición el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, a través de la Colección Blaisten, hace un homenaje a uno de los artistas más relevantes del siglo XX mexicano. Por medio de un gran esfuerzo de la Universidad Nacional Autónoma de México, hoy reaparece ante el público el Dr. Atl con un notable conjunto de 104 óleos (paisajes y retratos) que se presentan en el Salón Juárez, así como 85 dibujos y bocetos en la Sala de Exposiciones temporales de la propia Colección Blaisten, gracias a un acuerdo con el Museo Nacional de Arte del Instituto Nacional de Bellas Artes”, señaló el director general del centro, el etnólogo Sergio Raúl Arroyo.

Gerardo Murillo, pintor, escritor y vulcanólogo nacido en Jalisco en el año de 1875 fue un gran observador del México de principios de siglo XX, época en la que realizó una inmersión en el espíritu transformador de las vanguardias y realizó varios viajes al extranjero. En Europa realizó estudios universitarios en filosofía y derecho en la Universidad de Roma. Durante su estadía en París incursionó en el mundo del periodismo con Action d’Art, periódico que fundó y lideró con el concepto de plasmar las ideas de los artistas de aquel momento, que proyectó a la Liga Internacional de Escritores y Artistas, organismo del que fue fundador.

A su regreso a México, se encargó de la dirección de la Academia de Bellas Artes, donde conoció y enseñó a quienes se transformarían en los grandes muralistas del país: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

“Atl fue un activo gestor de la modernidad en la plástica mexicana. Sin él no se podría entender el rumbo que tomó el arte moderno en el país ni se tendría una visión íntegra de figuras como David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco”, concluyó el Director del CCUT.

Conjuntando sus estudios en pintura y vulcanología (estos últimos realizados en Italia), Atl comenzó a retratar paisajes a campo abierto y convirtió en un hábito el escalar el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl; la fascinación por los volcanes le dio la oportunidad de presenciar el nacimiento del Paricutín en Michoacán, del cual elaboró numerosos trabajos y por el que fue reconocido e imitado. “A través del paisaje, Dr. Atl genera un sentimiento de orgullo de nuestra tierra que contribuye a la formación de la identidad nacional”, apuntó Andrés Blaisten.

Debido a las frecuentes visitas a los volcanes, contrae una enfermedad que deriva en gangrena y, después, en la amputación de su pierna derecha. Este hecho impulsa a Murillo a buscar nuevas formas de desarrollar la pintura: crea un nuevo perfil, haciendo paisajes con punto de vista aéreo, gracias al préstamo de helicópteros que le realiza Pemex. Así, logra reinterpretar la energía y belleza del paisaje nacional.

“Otra de sus innovaciones fueron los llamados Atl-colors: colores hechos a base de resina, cera y petróleo con los que se podía pintar en materiales diversos, desde roca hasta papel, que le aportaban una consistencia única a la pieza. Esta técnica fue utilizada por Murillo para elaborar numerosas obras y sirvió para el desarrollo de nuevos estilos”, comentó el propio Blaisten.

Gerardo Murillo fallece en 1964 a los 89 años de edad, consagrando con sus pinturas todos aquellos ideales e inquietudes, que describen una personalidad compleja, que no es ajena a las vicisitudes de una época convulsa en el mundo.

“Pocas veces se ha presentado una exposición de estas características en la UNAM. El Museo Colección Blaisten rescata una figura que marcó pauta en la plástica, con el fin de cumplir el objetivo fundamental de este museo: reposicionar el arte mexicano y darlo a conocer al público en general”, dijo Vannesa Bohórquez, directora del Museo Colección Blaisten.

“El Museo Colección Blaisten es una de las más completas colecciones de arte moderno de México en el mundo, resultado de más de 30 años de meticulosa investigación, trabajo sistemático y pasión que han construido un testimonio único del arte en nuestro país”, dijo Vannesa Bohórquez. Grandes nombres forman parte del acervo del Museo Colección Blaisten, como lo son Hermenegildo Bustos, José Agustín Arrieta, Alberto Fuster, Julio Ruelas, Saturnino Herrán, Alfredo Ramos Martínez, Diego Rivera, Germán Cueto, Francisco Díaz de León, María Izquierdo, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Gabriel Fernández Ledesma, Fernando Leal, Agustín Lazo, por nombrar algunos.

El Museo Colección Blaisten se ubica en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT), perteneciente a la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). “El Museo Colección Blaisten forma parte fundamental del proyecto del Centro Cultural Universitario Tlatelolco y de la UNAM, ya que permite acercar lo mejor del arte mexicano a una parte de la población que por mucho tiempo permaneció distante o ajena a la oferta cultural, como es el caso de la que vive en la zona centro-norte de la ciudad”, dijo Sergio Raúl Arroyo, director del CCUT.

“Llevar a cabo la exposición de Dr. Atl ha significado un gran esfuerzo para el Museo Colección Blaisten y es un enorme logro que este museo se encuentre en Tlatelolco, un sitio cargado de simbolismo e historia, ideal para que este gran creador, uno de los artistas más importantes de nuestro país, y me atrevería decir, de toda Latinoamérica, reciba una nueva revisión crítica”, agregó Arroyo.

La exposición “Dr. Atl. Obras maestras” y “Dr. Atl. Dibujos y bocetos” serán inauguradas en forma conjunta el sábado 3 de diciembre, a las 12:00 horas, y permanecerán abiertas al público hasta abril 2012, de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, ubicado en Ricardo Flores Magón No. 1, colonia Nonoalco-Tlatelolco, a un lado de la Plaza de las Tres Culturas. La entrada tiene un costo de 20 pesos, con descuento para estudiantes, maestros y miembros del INAPAM, IMSS e ISSSTE. El domingo el acceso es libre. Para más información, visita www.tlatelolco.unam.mx

'Dr. Atl. Obras maestras' y 'Dr. Atl. Dibujos y Bocetos'
Dl 3 de diciembre de 2011 a abril de 2012
Centro Cultural Universitario Tlatelolco
Ricardo Flores Magón 1, col. Nonoalco-Tlatelolco, CP. 06990
México

Ultima Ediciòn del Ciclo, Libro marcado.

2011-12-03T08:30:00.002-03:00

/Literatura/

.“No leía jamás, pero sus subrayados eran perfectos"
Osvaldo Lamborghini

Una autobiografía de lector. El lector y sus circunstancias reconstruidas a través de las marcas y subrayados en los libros. Como detectives intentaremos reconstruir la escena del crimen. En ocasión de los 10 años del museo, Libro marcado invitó en cada encuentro a un escritor y a un artista visual de la colección permanente del museo a rastrear los subrayados, anotaciones y marcas en sus libros y recorrer, junto a Cecilia Szperling, las situaciones vitales en que fueron hechas.

Hasta el momento participaron: Diana Bellesi, Eduardo Stupia, Martín Kohan, Silvia Gurfein, Mariana Enríquez, Rosana Schoijett, Romina Paula, Guillermo Ueno, Gabriela Cabezón Cámara, Diego Bianchi; y en la música Marianela Portillo, Liza Casullo, Paula Maffia e Irene Goldszer.Los próximos invitados son el escritorPedro Mairal, la artista visual Magdalena Jitrik yRosario Bléfari, quienacompañaráel encuentro con música en vivo.

Última Edición del Ciclo
Libro marcado
Participan: Magdalena Jitrik y Pedro Mairal
Músico invitado: Rosario Blefari
Idea y presentación: Cecilia Szperling
Miércoles 7 de diciembre a las 19:30
Terraza del 1° piso. Entrada libre y gratuita. Hasta completar la capacidad.

Biografías
Pedro Mairal (Buenos Aires, 1970) Su novela Una noche con Sabrina Love recibió el Premio Clarín de Novela en 1998 y fue llevada al cine en 2000. Publicó además las novelas El año del desierto y Salvatierra; un volumen de cuentos: Hoy temprano; y dos libros de poesía: Tigre como los pájaros y Consumidor final. Ha sido traducido y editado en Francia, Italia, España, Portugal, Polonia y Alemania. En 2007 fue incluido por el jurado de Bogotá39 entre los mejores escritores jóvenes latinoamericanos.

Magdalena Jitrik. Realizó sus estudios de Artes Visuales en la UNAM entre 1984–1987 y de Artes en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Entre 1991 y 1993 obtuvo las becas Kuitca y de la Fundación Antorchas. Entre sus exposiciones individuales se cuentan Revueltas, Centro Cultural Borges (1997); Desobediencia, Galería del Rojas (1999); Ensayo de un Museo Libertario, Federación Libertaria Argentina (2000); Socialista, Galería Dabbah-Torrejón (2001), Fondo de Huelga, Oficina Proyectista (2007).

Cecilia Szperling (Buenos Aires) es creadora de los ciclos “Confesionario, Historia de mi vida privada” que se realiza en el C. C. Rojas, “ConfesionarioTV”, emitido por Canal Ciudad Abierta y “ConfesionarioRadio” por Radiouba. Escribe en confesionariosoyyo.blogspot.com. Publicó El Futuro de los artistas (1997) y Selección Natural (2006), ésta última traducida al inglés en 2007.

MALBA-Fundación Costantini
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Avenida Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA
Buenos Aires, Argentina
+54 (11) 4808-6500
www.malba.org.ar

Fuente: Comunicación MALBA

El violinista Vadim Gluzman tocarà con la Orquesta Sinfònica Nacional

2011-12-02T08:04:00.002-03:00

/Mùsica/
El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) presenta el Concierto 28 de la Temporada 2011 de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), con la presencia de la figura internacional, el violinista israelí Vadim Gluzman, quien interpretará el Concierto para violín y orquesta núm. 2 en do sostenido menor, de Dmitri Shostakóvich, bajo la batuta de Carlos Miguel Prieto, director artístico de la OSN. Viernes 2 de diciembre, a las 20:00 horas y domingo 4, a las 12:15 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

Este concierto dedicado a Shostakóvich, incluye también música incidental para Hamlet, Op. 32. El sentido del drama, la intensidad expresiva y la gran capacidad descriptiva que hay en la música su música explican con amplitud la cercanía del compositor ruso a las artes escénicas.

En esta segunda parte del programa la OSN interpretará la Sinfonía núm. 2 en Si Mayor, Op.14, Octubre, con la participación del Coro ProMúsica, fundado en 1985 por iniciativa de Xavier Torresarpi, actualmente dirigido por Samuel Pascoe Aguilar.

La rica y variada herencia de Shostakóvich se representa en un puñado de óperas y operetas, cuatro ballets, música incidental para una docena de obras teatrales y más de treinta partituras para el cine en el ámbito de la música para la escena.

Para el musicólogo Juan Arturo Brennan es especial no sólo por la inclusión de un coro en sus páginas finales sino también por el hecho de ser muy breve se desarrolla en un solo movimiento que en general da la impresión de disonancia y aspereza.

En el ensayo enciclopédico que el musicólogo Boris Schwarz dedica a Shostakóvich, menciona que hacia el final de su segundo período creativo y, sobre todo, en el inicio del tercero, el compositor comenzó a evidenciar una marcada tendencia hacia la orquestación transparente y depurada, que de alguna manera contrastaba con algunas de las partituras orquestales densas y opulentas de sus períodos anteriores.

Gluzman se ha presentado por todo el mundo como solista, recitalista, y en dúo con su esposa, la pianista AngelaYoffe. Presentándose con orquestas de renombre como la Filarmónica de Londres, Sinfónica de Chicago, Filarmónica de Israel, las sinfónicas de San Francisco, Cincinnati, Detroit, Houston, Vancouver y Seattle, la real Orquesta Nacional Escocesa, la Sinfónica Alemana de Berlín, la Orquesta de Minnesota, las filarmónicas de Munich, Dresde y la Checa, la Orquesta de la Radio de Stuttgart, entre muchas otras.

En la temporada 2010-2011 ha cumplido compromisos en los Estados Unidos, Australia, Gran Bretaña y Europa. Su actual instrumento es el extraordinario violín Stradivari de 1690, que tiene a préstamo indefinido gracias a la generosidad de la Sociedad Stradivari de Chicago.

El Concierto 28 de la Temporada 2011 de la Orquesta Sinfónica Nacional se realizará el viernes 2 de diciembre, a las 20:00 horas y el domingo 4, a las 12:15 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

Solidaridad hacia la Fundaciòn Garrahan

2011-11-30T13:12:00.004-03:00

/Solidaridad/

Fundación Garrahan realiza su fiesta de fin de año y junto al Club GEBA, convoca a todo el país a participar en el Guinness World Records de juntada de tapitas Por primera vez en la historia del Guinness se propone marcar el récord mundial de juntada de tapitas plásticas (gaseosa y agua mineral) para reciclar.
La Fundación Garrahan y el Club de Gimnasia y Esgrima (GEBA) los invita, el sábado 3 de diciembre de 10 a 18hs. Buenos Aires noviembre 2011
Con la finalidad de imponer un récord mundial de juntada de tapitas en el Guinness World Records, la Fundación Garrahan y el Club GEBA invitan a toda la comunidad a llevar como mínimo 50 tapitas por persona para poder ingresar el 3 de diciembre de 10 a 18hs a la Sede San Martín del Club de Gimnasia y Esgrima (Av. Figueroa Alcorta 5575), cuyas instalaciones fueron cedidas para concretar este importante acontecimiento histórico.
Durante el evento estará un juez de Guinness que controlará el pesaje de las tapitas, ya que sólo se contabilizarán para la marca las que lleguen ese día desde todo el país. (Cabe destacar que las 840.000.000 de tapitas ya reunidas desde fines de 2006, NO cuentan para la marca). Lo más importante es que los verdaderos protagonistas de este récord mundial serán todos los que participen del evento y posibiliten que los gestos de amor que están detrás de cada tapita queden registrados.En esta gran fiesta solidaria nacional, la Fundación Garrahan con el apoyo del Club GEBA convoca a todas las familias a participar de un sábado especial que contará con la presencia de famosos, shows en vivo para toda la familia (100% lucha, Los Pericos, Ricky Maravilla, Tango, Folklore, Payasos, Títeres, Magos, Bandas en vivo, entre otros) y 150 profesores de Educación Física del Club GEBA que harán que los niños participen de actividades deportivas durante todo el día.
Las tapitas que se junten ese día se venderán y los recursos obtenidos se aplicarán en: Equipamiento de una unidad móvil para el Servicio de Hemoterapia del Hospital Garrahan. Dicho móvil se trasladará a distintas instituciones, universidades, empresas, cuyos integrantes deseen ser donantes voluntarios de sangre para los pacientes de nuestro Hospital.Remodelación de la entrada principal de la calle Pichincha donde ingresan al Hospital diariamente cerca de 1500 pacientes junto a sus familias, con el fin de ofrecerles un espacio físico adecuado a las necesidades sociales y emocionales. Importante: Solicitamos tengan a bien NO llevar las tapitas en bidones plásticos, ya que complica la operatoria. Agradecemos a Acumar, Aero Fun, Boreas, COAMTRA, Cruz del Sur, Cuerda Producciones, Droguería del Sud, Ecotrans, Fric Rot, GEBA, Ingrid Recchia, McCann Ericsson, Refinpel, Sindicato de Camioneros y Vasko Films por hacer posible la realización del evento.Acerca de Fundación GarrahanLa Fundación fue inaugurada el 21 de mayo de 1988, su principal objetivo es el apoyo permanente a las actividades asistenciales, docentes y de investigación, que se extienden a las distintas regiones de nuestro país. Presta especial atención a las necesidades sociales y emocionales de los pequeños pacientes y sus familias.
Su misión se realiza a través de distintos programas que articulan la participación comunitaria. Desde los diversos sectores de nuestra población se canaliza la solidaridad hacia la Fundación como reconocimiento a los servicios que presta el Hospital Garrahan.

4941-1333/1276
www.vaporlospibes.com.ar
www.fundaciongarrahan.org.ar
facebook.com/fundaciongarrahan

Nuestro recuerdo al inolvidable escritor Mark Twain

2011-11-30T07:02:00.003-03:00

/Literatura/

Samuel Langhorne Clemens (1835-1910) fue un escritor y humorista estadounidense que escribió bajo el pseudónimo de Mark Twain.

Nació en Florida (Missouri) el 30 de noviembre de 1835. A los cuatro años, su familia se trasladó a Hannibal (Missouri), puerto fluvial en el Mississippi, y allí realizó sus primeros estudios.

Al morir su padre, en 1847, comenzó a trabajar como aprendiz en imprentas, y a manejar el oficio de tipógrafo; ya en 1851 publicaba notas en el periódico de su hermano. Posteriormente trabajó en imprentas de Keokuk, Iowa, Nueva York, Filadelfia y otras ciudades. Más adelante fue piloto de un barco de vapor, soldado de la Confederación, y minero en las minas de plata de Nevada.

En 1862 comenzó a trabajar como periodista en el Territorial Enterprise de Virginia City (Nevada) y, al año siguiente, comenzó a firmar con el seudónimo Mark Twain, que en el Mississippi significa dos brazas de profundidad (el calado mínimo necesario para la buena navegación).

A partir de 1864 empezó a frecuentar a otros escritores. En 1867 viajó a Europa y Tierra Santa. En 1870 se casó con Olivia Langdon.

Fue reconocido mundialmente durante los últimos años de su vida, y recibió el doctorado Honoris Causa por la Universidad de Oxford (Inglaterra), en 1907. Murió el 21 de abril de 1910 en Nueva York.

Entre sus obras, muy leídas por jóvenes y adultos, se pueden citar:

Los inocentes en el extranjero (1869)

Una vida dura (1872)

Las aventuras de Tom Sawyer (1876)

Un vagabundo en el extranjero (1880)

Príncipe y mendigo (1882)

Vida en el Mississippi (1883)

Las aventuras de Huckelberry Finn (1884)

Un yanqui en la corte del Rey Arturo (1889)

Viajes alrededor del mundo siguiendo el ecuador (1897)

Wilson (1894)

Recuerdos personales de Juana de Arco (1896)

Cuentos: "El corruptor de Hadleyburg" (1899) y "Oración de guerra" (1905)

Ròmulo Maccio expone su obra en el Centro Cultural Borges

2011-11-29T20:40:00.002-03:00

El miércoles 7 de diciembre a las 19 se inaugura en el Centro Cultural Borges, la muestra "Dibujos-Pintua 2011" de Rómulo Maccio, a quien la crítica internacional coloca entre los más importantes pintores latinoamericanos en actividad y cuya obra integra el patrimonio de prestigiosas instituciones, como el Museo Guggenheim de, Nueva York; el Museo de Arte Moderno, de París y el Reina Sofía, de Madrid.

La exposición está integrada por obras recientes que permite apreciar el talento, la energía y la audacia de un artista que a lo largo de más de cincuenta años ha alimentado, en donde fuera, su excluyente pasión por la pintura.

Artista autodidacta, Rómulo Maccio nació en Buenos Aires en 1931. A los catorce años empezó a trabajar en una agencia publicitaria y se especializó en artes graficas y en el diseño de escenografías teatrales. En 1956 realizó su primera exposición en Buenos Aires y desde entonces se consagró casi exclusivamente a la pintura.

En 1961 fundó con Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega el grupo "Otra Figuración", con quienes realizó luego varias exposiciones, entre ellas en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 1963, y en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, en 1965.

Su obra ha sido expuesta en el país y el exterior: Instituto Di Tella, Fundación Proa, Centro Cultural Recoleta, Museo Nacional de Bellas Artes, Centro Cultural Borges; Centro de Relaciones Interamericanas, Nueva York; Museo de Arte Moderno, México DF; Museo de Arte Moderno, París. Sala Saint Jean, Hotel de Ville, París; Castello Sforzesco, Milán; Instituto Italo Latinoamericano, Roma; Museo Cuevas, México DF.

Participó reiteradamente en las bienales de San Pablo y Venecia y obtuvo, entre otros, el premio De Ridder, el Premio Internacional Torcuato Di Tella y el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Plásticas.

Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Informes: 5555-5359 / 4311-4865
Horarios: lunes a sábado de 10 a 21. Domingos y feriados de 12 a 21
www.ccborges.org.ar

Fuente: Prensa Centro Cultural Borges

Muestra del escultor Pedro Pablo Valdès Bunster

2011-11-28T10:02:00.003-03:00

El escultor chileno Pedro Pablo Valdés Bunster presenta una extensa exhibición de su obra caracterizada por la mezcla de piedra, terracota y metales líquidos, entre el 25 de noviembre y el 15 de enero en el ala sur del primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes.
Simultáneamente a la exposición en el MNBA, que incluye obras desconocidas del artista, se realizará una muestra en la Embajada de Chile en Bruselas, Bélgica, desde el 29 de noviembre hasta el 13 de enero.
Durante la exposición, en el frontis del museo, se instalará la escultura Enamorado Bramando de grandes dimensiones que representa a un toro.
Conocido por su trabajo en torno a la representación de toros y caballos, la producción de Palolo Bunster se caracteriza por la utilización de una estructura de alambre o fierro para marcar el contorno de sus volúmenes y contener el barro o las piedras, los que son unidos con metales fundidos, obteniendo firmeza y permanencia. Las obras de este escultor autodidacta, tienen en común un aspecto arcaico y la evidencia del modelado directo sobre los materiales blandos.

Palolo nació en Santiago el 1 de julio de 1956. Estudió pintura entre 1971 y 1975 en el taller de Fred Jarvis. Entre 1976 y 1977 estudió pintura y dibujo en la Escuela de Arte de Viña del Mar y en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago. Entre 1978 y 1980 estudió Diseño Teatral en la Universidad de Chile, realizando su práctica profesional en 1984.
Desde 1981 a 1983 se radicó en Manhattan, Nueva York, donde experimentó con nuevas técnicas escultóricas. Dio clases de pintura y dibujo en The Door, centro de rehabilitación juvenil como Art Resident, organismo dependiente de International Center of Integrative Studies lo que le permitió trabajar en un taller facilitado por la institución. Expuso sus trabajos en varias ciudades, principalmente en Nueva York.
Ha participado como artista y organizador de importantes encuentros en Bolivia durante las décadas de 1980 y 1990, entre ellos los Encuentros de Arte Industria y los Talleres de Escultura en acero.
Ha participado en muestras colectivas en China, Francia, Grecia, Estados Unidos, España y Alemania. Entre sus exhibiciones individuales destacan “Soy lo que tú ves”, Galería Arthus, Bruselas, Bélgica (2011); “Piedras chilenas para los amigos chinos”, realizada en el Shanghai Art Museum de Shanghai, China (2007); “Toros y caballos” en la galería Victor i Fills, Madrid, España (2005), “Con la mirada de un niño y algo más”, galería Dieleman, Bélgica (2005); “Alrededor del Gernika”, Galería Tomás Andreu, Santiago (2001) y Centro Cultural de Atenas (1991).
A partir de 2004 ha participado en ferias de arte como la Shanghai Art Fair, China; Sibase en Seúl, Corea; Art London, Reino Unido; Toronto Art Fair, Canadá; Sofa Chicago y Armony New York, Estados Unidos.

Pedro Pablo Valdés Bunster
Del 25 de noviembre de 2011 al 15 de enero de 2012
Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Parque Forestal s/n, estación metro Bellas Artes.
Santiago, Chile
Martes a domingo, abierto entre las 10:00 y 18:45 horas.
Lunes cerrado.
Entrada General: $600
Estudiantes / Tercera Edad: $300
Domingo y menores de 8 años: entrada liberada
www.dibam.cl

El Cascanueces de la Fundaciòn Teatro Teresa Careño

2011-11-27T08:21:00.002-03:00

/Danza/

El Cascanueces de la Fundación Teatro Teresa Carreño cumple Dieciséis Años .
Viernes 25 de Noviembre de 2011 12:27 .(Prensa TTC 24/11/2011) La Fundación Teatro Teresa Carreño, en el marco de la celebración de los dieciséis años de su producción más emblemática, ha tenido la iniciativa de unir en una, a dieciséis orquestas, dándole la oportunidad a todas estas agrupaciones nacionales de interpretar la partitura de Tchaikovsky en “El Cascanueces”.

En esta oportunidad se reúnen las orquestas: Filarmónica Nacional, Sinfónica Simón Bolívar, Gran Mariscal de Ayacucho; además de las Orquestas Sinfónicas de los Estados: Anzoátegui, Miranda, Monagas, Yaracuy, Nueva Esparta, Aragua, Zulia, Vargas, Falcón, Lara, Táchira, Guárico y la Orquesta Sinfónica de Los Llanos, que integrarán a más de 100 músicos.

El Cascanueces es la obra más emblemática del Teatro Teresa Carreño y cuenta ya con 15 exitosas temporadas, es por esto que la Fundación abre sus puertas a la integración de músicos venezolanos para acompañar al Ballet Teresa Carreño en la decimosexta temporada de este cuento navideño.

La joven Directora Elisa Vegas será la encargada de ensamblar esta fusión de talentos, quienes comenzarán desde ya sus ensayos para garantizar una excelente ejecución de la música que Piotr I. Thaikovsky compuso para este ballet.

Un hermoso reencuentro es el que protagonizará Zane Wilson con su regreso al Teresa Carreño, después de casi 8 años, quien junto a Yanis Pikieris dirige Nebrada Arts Initiative, encargándose de revisar todo el trabajo realizado por el equipo de ensayadores del Ballet Teresa Carreño, encabezados por la repertorista Laura Fiorucci.

También contaremos con la presencia de los bailarines internacionales Natalia Berríos y José Manuel Ghiso, bailarines principales del Ballet de Santiago de Chile junto a Rolando Sarabia, artista independiente. Quienes interpretarán junto a las figuras del Ballet Teresa Carreño, los roles principales de este afamado ballet.

Este año El Cascanueces, promete tener una interesante temporada, llena de trabajo en equipo y de la mística que caracteriza éste hermoso montaje. Adquiera su entrada ya en las taquillas del teatro, de martes a sábado de 9am a 8pm y domingos de 9am a 6pm. Con precios desde 40Bs hasta 250Bs para público general y entre 20Bs y 125Bs para niños y adultos mayores.

El Cascanueces
Temporada: Del 10 al 18 de diciembre de 2011
Teatro Teresa Carreño.

Gianluigi Colin - Mitografìas. IVAM

2011-11-26T11:42:00.003-03:00

Los temas que elige Colin surgen de la vida cotidiana y reflejan las realidades de una época en la que lo trivial se convierte en objeto de interés principal. Colin interpreta los mitos no como formas estéticas sino como elementos inmersos en un todo social, cultural o histórico, poseedores de un sentido, de un significado o de un valor representativo de esta realidad, tal y como se refleja en la exposición.

En esta propuesta expositiva de Gianluigi Colin, que reúne 25 obras divididas en cuatro apartados: Venus, Marte, Saturno y Mercurio y una gran instalación,“The Wall”, compuesta por 300 óleos sobre lienzo, plantea un análisis del papel del mito en la sociedad actual.

Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo que reproduce las obras expuestas y reúne textos de Vincenzo Trione, Umberto Galimberti, Arturo Pérez Reverte, Gianluigi Colin, y Consuelo Ciscar

Gianluigi Colin en sus ‘Mitografías’, parte de una pregunta: ¿en qué se han convertido –para nosotros– Mercurio, Marte, Saturno y Venus?. Su apuesta no consiste en iniciar un recorrido nostálgico. Intenta rastrear supervivencias lejanas. Escruta los brotes de clasicismo, a menudo descuidados, diseminados en los intersticios de nuestro presente. Se sirve del mito como de un instrumento privilegiado, no para salir de “este” mundo, sino para recorrerlo de forma distinta, emprendiendo caminos poco explorados. A la escucha de “oráculos parlantes”, compone frescos postmodernos, en los que se rompe cualquier centralidad. Comprometido en ir más allá de las reglas habituales del relato, se entretiene en detalles afortunadamente encontrados.

‘Con The Wall, indica Colin, intento explicar el laberinto contemporáneo. Un laberinto psicológico, fruto de un caos difundido, que cruza el mundo económico y político, y contamina el sentido de la justicia, de la equidad, de la libertad. Aquel muro construido con centenares de piezas que recuerdan tantos descubrimientos arqueológicos de nuestro tiempo, palabras, imágenes, figuras, gritos, halagos, dramas de nuestro presente, coinciden con mi manera de sentir el mundo, un gran universo caótico de imágenes y voces, un laberinto en el que no existe un centro, ni un camino diseñado’. ‘También, añade, es el símbolo de nuestra vulnerabilidad al estar expuestos al mundo. Y si existe una salida, esta es posible solo gracias a un hilo rojo, un nuevo hilo de Ariadna que tiene un nombre: consciencia’.

El artista italiano centra su discurso en resolver como la sociedad reinterpreta a los mitos clásicos. Sus obras son pequeños retablos semióticos desde donde investigar y traducir signos y mitos a partir del modelo de la sociedad actual. Son una constatación de cómo en la actualidad la realidad humana y social parece fundamentarse en la comunicación y de cómo ese término, de aparente sencilla estructura semántica, ha sido introducido como un modelo y una metáfora cultural general, capaz de oscilar entre el intercambio de información y la seducción, entre el diálogo y la manipulación, entre un dominio absoluto del comunicador y una libertad otro tanto absoluta del destinatario.

Gianluigi Colin toma como referente a miembros destacados, iconos o mitos de la sociedad de la información actual para preguntarse lo que estos significan en realidad. Los medios de masas dan una visión reducida y cargada de estereotipos que impiden conocer al mito en origen, ya que este se ha descargado de elementos sustanciales y se ha ritualizado, humanizado y popularizado. Colin da buena cuenta de él a través de sus creativas imágenes. Su expresión artística coincide de pleno, de manera interactiva con la crisis de valores actual y un desorden de los mismos que ayuda poco a que los actores sociales se desplacen por el escenario de la vida con su ‘verdad’ y actúen recurriendo a sus principios más básicos, más mitológicos, menos artificiales, menos ficcionales.

Por otra parte, y para dar vida a sus imponentes “cuadros”, Colin recurre a una técnica compleja. En primer lugar, hojea los periódicos; después, elige páginas en donde aparecen imágenes “reveladoras”; a continuación, arruga esas hojas, con un gesto de intolerancia moral; luego fotografía esas hojas arrugadas; después imprime el archivo en papel de periódico, que se pega sobre un lecho, hecho a su vez de sedimentaciones de papeles de periódico (una especie de “reescritura” de la técnica clásica de la imprimación); finalmente, con ímpetu, interviene con las manos sobre este material, con ulteriores pliegues.

La estética de Colin rinde homenaje al semiólogo más influyente del siglo XX, Roland Barthes. El artista hace suya la mitología barthesiana y la encauza por un itinerario que incluye imágenes de diversa procedencia: comics, graffitis, prensa, televisión, novela, cine, o la fotografía

Gianluigi Colin (Pordenone,1956) lleva a cabo desde hace muchos años una búsqueda artística en torno al diálogo entre las imágenes y las palabras. Su trabajo nace como investigación sobre el pasado, sobre el sentido de la representación, sobre la estratificación de la mirada. Se trata de una poética densa de evocaciones a la historia del arte y a la crónica, que tiende a poner sobre el mismo plano memoria y actualidad, difuminando las fronteras entre las épocas. Una poética de fuerte compromiso civil y ético, que quiere restituir a la experiencia artística fuertes valencias militantes.

Personalidad ecléctica, ha impartido conferencias, seminarios y cursos universitarios.Ha realizado numerosas exposiciones individuales en muchas ciudades italianas y extranjeras (entre ellas es preciso mencionar las del Arengario de Milán, en 1998; la del Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, en 2002; la del Manege Exhibition Hall en San Petersburgo, en 2003; o la del MADRE de Nápoles y la Bienal del Fin del Mundo en Ushuaia, en 2011).Protagonista de performances –organizadas en diversas partes del mundo–, fue invitado por el IVAM en 2009 y seleccionado para el Pabellón de Italia en la 54 Esposizione d’Arte Internazionale della Biennale di Venezia. Sus obras están presentes en colecciones particulares, museos e instituciones públicas, de distintos paises. Vive y trabaja entre Milán y Roma.

Gianluigi Colin
Mitografías
Del 23 de noviembre de 2011 al 22 de enero de 2012

IVAM
Guillem de Castro, 118
Valencia 46003
Teléfono: +34 96 386 30 00

Artistas + Crìticos, Muestra del Mèxico prehispànico

2011-11-25T08:36:00.002-03:00

Una nueva fecha del ciclo de Artistas + Críticos, el encuentro semanal con especialistas, investigadores y creadores, que recorren junto al público la muestra Dioses, ritos y oficios del México prehispánico. Desde múltiples disciplinas y diversos enfoques teóricos, cada invitado aborda la exhibición desde sus diferentes ángulos, enriqueciendo así las actividades organizadas por el Departamento de Educación de Proa.

El sábado 26 de noviembre, la visita guiada estará a cargo de la historiadora María Alba Bovisio y el artista Leandro Katz.

Diciembre
- Sábado 3, 17 hs.
Alfredo Portillos + Ana María Llamazares

Leandro Katz es artista visual, poeta y cineasta. Nacido en Argentina, es reconocido internacionalmente por sus trabajos, en los que problematiza y reflexiona sobre temas propios de la cultura latinoamericana. En sus obras realiza investigaciones que comprenden aspectos históricos, artísticos y antropológicos. A lo largo de su producción ha realizado trabajos en distintos soportes como instalaciones fotográficas, libros de artista y producciones cinematográficas, tanto documentales como de ficción. Por su labor, Leandro Katz ha recibido becas de la Fundación Guggenheim, el Fondo Nacional de las Artes en Estados Unidos, el Consejo de las Artes de Nueva York, la Jerome Foundation, la Rockefeller Foundation, y el Fondo Hubert Bals, Holanda, entre otras. Ha publicado multiplicidad de trabajos, el más reciente, intitulado Los Fantasmas de Ñancahuazú fue editado el año pasado y presentado en Fundación Proa. Vivió en Nueva York entre 1965 y 2006, donde condujo actividades académicas y creativas. Desde 2005 vive y trabaja en Buenos Aires.

María Alba Bovisio es Doctora en Historia y Teoría de las Artes por la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, docente e investigadora en la cátedra de Arte Precolombino de esa institución, y Profesora Titular de la asignatura Arte Amerindio Prehispánico en la Maestría en Historia del Arte del IDAES. Es autora del libro Algo más sobre una vieja cuestión: “arte” vs. “artesanía” (2002) y co-autora junto a Marta Penhos de Arte indígena: categorías, prácticas y objetos (2010); participó de los volúmenes: La artesanía urbana como patrimonio cultural (2004) y Encuentro, itinerarios y rutas culturales. El patrimonio desde una mirada integral (2005). Con su tesis, titulada “De imágenes y misterios: el problema de la interpretación del "arte prehispánico”, busca aportar una reflexión teórica y metodológica sobre el arte precolombino desde la perspectiva de la antropología y la historia cultural del arte.

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929
La Boca, Caminito
[C1169AAD] Buenos Aires
Argentina
T [54.11] 4104.1000
Más información: www.proa.org/esp/

Fuente: Prensa PROA

Muestra de Andrès Wertheim en el Museo de Arquitectura

2011-11-24T10:17:00.001-03:00

Andrés Wertheim
12/11/2011 - 04/12/2011
MUSEO DE ARQUITECTURA
Av. Del Libertador 999, Ciudad de Buenos Aires
Inauguración: sábado 12 de noviembre (La Noche de los Museos)
Horario: de martes a domingos de 14 a 20 hs.
Entrada libre y gratuita

La geometría, presente en todas las estructuras del universo, es considerada por muchos la esencia de la arquitectura.
Desde siempre, el hombre se inspiró en las formas de la naturaleza para construir sus refugios y mejorar el mundo que lo rodea. Los círculos concéntricos de una escalera, por ejemplo, remiten al interior de un caracol y la relación entre los pisos de un edificio guarda similitud con la distribución de las ramas de un árbol.
Pretender transmitir a través de una imagen fotográfica la experiencia multidimensional que ofrece un espacio construido, representa un desafío. Puntos de fuga, perspectivas y reflejos ponen a prueba nuestros sentidos, haciéndonos dudar de cuál es el verdadero límite de lo asible y dónde empieza el vacío.
Podemos valernos de lentes que abarquen un ángulo de visión distinto al del ojo humano y elegir un punto de toma inusual para generar sensaciones que permanecían veladas a nuestra percepción. También podemos olvidarnos por un momento de las coordenadas que la realidad nos propone y cuestionarla, fusionando sus volúmenes, entrelazando sus líneas y fragmentando sus espacios, empleando la geometría para crear imágenes que nos transporten a nuevas realidades.

Andrés Wertheim

Art Project

2011-11-03T11:31:00.004-03:00

Esta muestra constituye una visión (resignificada por el artista) del espíritu latinoamericano. Utilizando colores poco convencionales como café, mate cocido, té, cacao, etc. juega entre realidades y sueños con un lenguaje fresco donde la naturaleza y los seres persisten como signos, con renovada vivencia en la verdadera memoria de la vida.
Raúl Conti

Ana Bonamico
El Síndrome de Diógenes es un trastorno del comportamiento que genera en las personas una tendencia de acumulación. En esta compulsión de acumular la dificultad real reside en no poder deshacerse de las cosas, en no poder seleccionar y distinguir aquellas cosas que sirven de las que no, llegando a tal punto en el que los espacios habitados por personas que sufren de este trastorno, están sumergidos en un caos total.

Ana Bonamico acumula recuerdos, su obra está atravesada por distintos ejes conceptuales como el tiempo y la memoria que en definitiva operan en su mente a partir de un gran terror por el olvido y en la necesidad de experimentar a partir del proceso de recordar, no solo el carácter pasado de las cosas ausentes sino el propio tiempo.

Ana Bonamico

Sus telas funcionan bajo esta lógica acumulativa en la que Ana va traduciendo plásticamente sus memorias. Sus recuerdos aparecen diseminados de manera explosiva, cargados de colores y de diminutas, casi obsesivas, formas y figuras precipitadas al estilo “horror vacui”. La figura humana está casi siempre presente, pero inmersa en un contexto recargado de elementos, en un caos total síntoma característico del trastorno de acumulación.

Las obras de Ana Bonamico funcionan bajo esta lógica en la que a partir de la acumulación de distintos objetos cargados de recuerdos personales nos habla no solo de su pasado sino que lo convoca desde el presente invitando a que todos aquellos que miramos su obra podamos activar nuestra propia memoria.

Victoria Tolomei

Tomás Ghiorzo
Estas fotografías donde la presencia de las imágenes pareciera ser contundente, tienen la gracia de un clásico de la Historia del Arte...
¿Que hay detrás de ellas?
¿Que contienen dentro de si mismas, que encubre?
Como en el cuadro de Holbein Los Embajadores, lo que se nos muestra
¿Es lo que vemos?
¿Que hay detrás de estas poderosas imágenes que se nos develan?

Técnicas actuales para enigmas y preguntas ancestrales. La línea continua del Arte..¿que màs Contemporáneo que esto?

Raúl Conti + Ana Bonamico & Tomás Ghiorzo
Del 3 de noviembre al 23 de diciembre de 2011
Inauguración: 3 de noviembre, 19.00hs.

Angel Guido Art Project
Suipacha 1217 (C1011ACA), Buenos Aires.
Tel 54 11 4328 9887
Horarios: Lunes a Viernes de 12 a 20hrs. Martes de 12 a 19hrs.
www.angelguidoartproject.com

La leyenda de La Llorona en el Palacio de los Condes de Heras y Soto

2011-11-02T08:14:00.003-03:00

/Teatro/
Dicen que La Llorona camina por las calles de México desde hace 400 años, buscando a sus hijos. Y su grito es el llanto de la madre tierra del Anáhuac cada vez que sus hijos sufren. Se trata de una mujer que pierde a sus hijos y, convertida en un alma en pena, los busca en vano, turbando con su llanto a los que la oyen. Aunque hay muchas versiones del relato, los hechos siempre son los mismos.

Los muros del antiguo Palacio de los Condes de Heras y Soto verán deambular los días 9,16, 23 y 30 de noviembre a las 19:00 horas a La Llorona, personaje legendario, cuya historia se ha difundido por varios países de Hispanoamérica.

La Leyenda de La Llorona —bajo la dirección de la maestra Maricela Lara— protagonizada por la actriz Yadira Orozco, ambientada con música de la época en vivo, cobrará vida en esta hermosa casona, construida a mediados del siglo XVIII entre 1755 y 1760, que por años sufrió de abandono y uso inadecuado.

El recinto ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México, situado en la esquina de las calles de República de Chile y Donceles, es uno de los espacios más preciados por su belleza arquitectónica, que lo convierte en el escenario ideal para la aparición del alma en pena.

La representación alternará en el Teatro Rodolfo Usigli (Héroes del 47 # 122, delegación Coyoacán), los días 1 y 3 de noviembre a las 20:30 horas. Localidad $150 pesos entrada general, 2 x 1 estudiantes y adultos mayores. El acceso al Palacio de los Condes de Heras y Soto es libre.

Fuente: Prensa Secretaría de Cultura DF

Sergio Astorga marcando Noviembre de la mano de Elena Garro

2011-11-01T09:11:00.002-03:00

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/Poesìas/
Comienza noviembre marcado por el paso de Elena Garro.
¿Escuchas como la buganvilia se enreda hasta subir al balcón? Es el tiempo del porvenir.
Abramos las ventanas para que salga el tizne.
Abrazos en turno.
Sergio Astorga
Te espero en los Antojos
http://astorgaser.blogspot.com/

Muestra de Marcela Moujàn "La Naturaleza Cercana"

2011-11-01T09:01:00.001-03:00

Marcela Mouján presenta en el Museo Emilio Caraffa de Córdoba su muestra itinerante pampaparaíso, que viene de exhibirse en el Museo de Arte Contémporaneo de Rosario. Son cuadros sobre nuestra naturaleza cercana: Ceibos, Jacarandás, Palos Borrachos en flor, kinotos, soja, pastizales y pampa. Se trata de una visión idealizada de la naturaleza, celebrada, no sin cierta ironía, de colores saturados, volúmenes y luz.

La artista crea, a partir de la combinación de la tecnología digital con la pintura y la escultura cuadros de una naturaleza exaltada y celebrada, en obras de gran formato y mucho color, en algunos casos hasta con altorelieves, como en el caso de las espinas del palo borracho que se proyectan hacia afuera de la tela.

Marcela Mouján
Ganadora de numerosos premios y becas desde 1994 hasta la fecha, entre otros gana el primer premio MINI-BMW en el 2004, el premio "Leonardo" otorgado por el Museo Nacional De Bellas Artes en el 2000, becas de Fundación Antorchas y del Fondo Nacional de las Artes; y la Asociación Argentina de Críticos de Arte le otorga el premio " Artista Emergente" en 1996.

Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, y de la Daimler Collection en Alemania, y de numerosas colecciones privadas en Argentina y en el exterior.

Participa en mas de 80 muestras, y representa a la Argentina en la Bienal de la Habana en 1997 y en la Bienal del MERCOSUR en 2001, entre otras. En ArteBA 2009 Mercedes Benz compra su obra 'Pampa'- el primer cuadro de lo que despues sería pampaparaíso- para la Daimler Collection, Alemania, una de las mas importantes del mundo , con obras de Warhol, Jeff Koons y Nam June Paik entre otros, siendo la primera vez que la marca compraba obras nacionales para ésta colección.

Considerada parte de la generación de "artistas de los '90" encontramos referencias a su obra en numerosos catálogos y libros como "Artistas Argentinos de los '90", (1999) del Fondo Nacional de las Artes, "Arte Fotográfico Argentino", Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, (1999); " Arte Argentino. Cuatro Siglos de Historia" (2005) y "Ritos de Fin de Siglo. Arte Argentino y Vanguardia Internacional", (2003, autor Jorge López Anaya); " Arte Cinético y Neocinetismo"(2010, autor Elena Oliveras); y "Fotografía en La Argentina de 1840-2010" (2011, autor Valeria Gonzalez).

La muestra permanecerá abierta hasta el 24 de noviembre de 2011

Museo Emilio Caraffa de Córdoba
Av. Poeta Lugones 411, Plaza España
Córdoba, Argentina
Tel 4333412 / Tel-Fax 4333414
Horarios de atencion al publico: de martes a domingos de 10 a 20hs.
Entrada General $3, Estudiantes (con libreta) $2, Menores de 12 y jubilados sin cargo.-

Horarios de Atención:
Martes a Domingos de 15 a 21hs.

Visitas guiadas:
Mar - Mie . Vie - Dom: 17 y 19hs (Visita regular)
Jue - Sab: 17 y 19hs (Visita + Taller para niños y adolescentes)

Jacobo Borges expone "Paisajes de la Memoria"

2011-10-30T07:03:00.004-03:00

Una nueva exposición del maestro Jacobo Borges, inaugurará la Galería Freites bajo el título Paisajes de la memoria, el próximo domingo 30 de octubre a las 11:00 de la mañana, con una selección de 14 obras en gran formato, que podrán ser apreciadas en este espacio hasta el 04 de diciembre.

Utilizando medios tecnológicos contemporáneos, como es la técnica duborcom con la que viene trabajando en los últimos años, Jacobo Borges “pinta” en esta ocasión desde su computadora una diversidad de paisajes acumulados en su memoria, en los que se refleja una profunda trabajo de investigación sobre el color.

En un viaje sin tiempo ni espacio, según sus propias palabras, Borges crea un espacio intermedio entre el sueño y la realidad, donde confluyen capas, detalles, fracciones de sus recuerdos, las cuales son recreadas con líneas y colores en una multiplicidad de variaciones de un mismo lugar, del que conserva un cúmulo de sensaciones, atrapando el tiempo visual.

“Son retazos de muchos paisajes, fragmentos y sensaciones, que pinto, borro y vuelvo a pintar. Los desentierro de la memoria donde se conserva el proceso de lo borrado, para lograr una simultaneidad de paisajes, atravesando la línea del tiempo desde un mismo lugar pero en distintos momentos entre lo vivido y lo soñado, el umbral donde puede suspenderse todo e ir al origen de lo que dibujo”, afirma.

De igual manera, el artista expresa en el catálogo que acompaña la muestra: “Esos paisajes han vivido siempre en miniatura, escondidos de mí. ¿Y cómo pudieron hacer eso? ¡Fácil! Se disfrazaban. Algunas veces detrás del espejo se transparentaban o simplemente desaparecían debajo de gruesas capas de pintura. Se convertían en fantasmas sin que nadie supiera que eran fantasmas, ni siquiera tenían existencia (…) Me convertí en arqueólogo y los desenterré viajando hacia el este y luego hacia el norte, como un marinero loco (…) Así fue que aprendí a mirar de nuevo lo que siempre estuvo conmigo, con ustedes, con nosotros…”

El maestro Jacobo Borges a lo largo de su vida artística superpone, borra, repinta, cubre imágenes y figuras que en el lienzo pueden transparentarse con el tiempo. Ahora, sirviéndose de la tecnología puede reconstruir lo dibujado procesando una acumulación de significados que reflejan esa simultaneidad de paisajes, presente en su obra más reciente.

Nacido en Caracas en 1931, Jacobo Borges posee más cinco décadas de trayectoria artística durante las cuales se ha posicionado como uno de los artistas plásticos más importantes de nuestro continente. Su obra es reconocida internacionalmente y exhibida en galerías y museos de Venezuela, Estados Unidos, Colombia, Cuba, México, Francia, Italia, Alemania y Austria, además ha sido recibido numerosos premios entre los que se incluyen: Premio Arturo Michelena, Premio Nacional de Dibujo y Grabado en el XXII Salón Oficial y Premio Nacional de Pintura en el XXIV Salón Oficial, Guggenheim Fellowship, DAAD Guest en Berlín, entre otros. A lo largo de su carrera, este destacado artista ha transitado por diversas áreas de comunicación visual como cine, video, fotografía, performance e instalación.

Jacobo Borges
Paisajes de la memoria
Del 30 de octubre al 04 de diciembre

Galería Freites
Av. Orinoco, Las Mercedes, Caracas, Venezuela
Tel: (58)(212) 993.2549
www.galeriafreites.com

Elena Asins, Premio Nacional de Artes Plàsticas 2011

2011-10-28T09:49:00.002-03:00

La artista Elena Asins, Premio Nacional de Artes Plásticas 2011, imparte el taller en el Reina Sofía
El viernes 28 de octubre, la artista Elena Asins (Madrid, 1940) impartirá la actividad Dos lenguajes, que comprende una visita comentada por la exposición Fragmentos de la memoria y un coloquio posterior con el público asistente.

Fragmentos de la memoria (15 de junio-31 de octubre de 2011) es la exposición más completa dedicada hasta la fecha a esta artista, recientemente galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2011, que el Ministerio de Cultura concede anualmente. La muestra arranca en 1968, año en el que se celebran los primeros seminarios de Generación Automática de Formas Plásticas en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, primera experiencia en nuestro país de incorporación de la cibernética a los procesos artísticos.

Desde fecha temprana, Asins abandonó la figuración para centrarse en la investigación espacial y geométrica de corte abstracto, realizando obras ópticocinéticas en las que se observa su relación con el trabajo de Eusebio Sempere.

En los setenta se dedicó al estudio de “la estructura del campo plástico” en series como “Strukturen”, enumeradas mediante una nomenclatura musical. Después, en los ochenta, se centró en la tridimensionalidad y más intensamente en las formas generadas por ordenador. Dibujos hechos en la computadora sobre papel continuo que muestran claramente la filiación conceptual de sus propuestas. Sus últimos trabajos abordan la escultura, la instalación o el vídeo y la música digital, donde busca aunar el rigor de sus investigaciones con una voluntad más trascendente.

Desde sus comienzos hasta la actualidad, esta pionera del arte asistido por ordenador en España ha centrado su trabajo en la investigación y el análisis del lenguaje plástico como sistema y proceso, algo que no sólo puede percibirse en la exposición del Museo Reina Sofía, sino que además puede desentrañarse ahora en esta actividad de la mano de la artista. “Retazos de los signos trazados a través de una vida (…), ejemplos de un estado mental y anímico creativo, disciplinado y riguroso”, explicó en la presentación de la exposición.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
www.museoreinasofia.es

Homenaje a Artistas rgentinos que expusieron en Mayo 2011A

2011-10-26T10:55:00.002-03:00

/El Arte al Dìa/

El 27 de octubre se celebra una comida en homenaje a artistas plásticos argentinos que expusieron en mayo, en el Palais de Tokyo en Paris

El próximo jueves 27 de octubre a las 21:00 hs los artistas plásticos argentinos que expusieron en mayo en el Palais de Tokyo serán homenajeados en la comida “Arte y cerebro” a beneficio de la Fundación INECO. El evento se realizará en el Yacht Club Puerto Madero, en Olga Cosettini y Victoria Ocampo.
Distinguidos por su prestigiosa trayectoria y por su técnica novedosa, Bea Diez, Marta Diez, Jorge Mansueto y Jorge Martorell fueron invitados a exponer sus obras en una muestra dedicada al arte argentino que se desarrolló del 15 al 24 de mayo en el prestigioso Palais de Tokyo de París. Fue la primera vez que cuatro artistas argentinos exhibieron por invitación directa en el Museo de Arte Moderno de París y es por esa razón que se celebra este reconocimiento.

Expone la Artista Susana Cirille, Marqueterìa.

2011-10-25T12:05:00.001-03:00

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Artistas contemporàneos exponen en "Postulaciones 2011"

2011-10-24T11:17:00.003-03:00

Un grupo de artistas contemporáneos chilenos presentan sus últimas producciones, a través de la convocatoria abierta 2010, para ser expuestas durante el año en curso: Demian Schopf, Cristóbal Gazmuri, Caterina Oxley, Tanya Maluenda, Bernardo Oyarzún y Rodrigo Tisi y Javier Rioseco (como artistas invitados).
Coros Menores
La obra se articula en base a retratos de bailarines de fiestas religiosas del norte de Chile y el altiplano boliviano y peruano, caracterizadas por un peculiar sincretismo entre elementos católicos y aymara. La obra alude especialmente a la etnia uro, que es donde se origina la Diablada.
Tras la llegada de los españoles el Lucifer católico fue homologado a Wari, (re)naciendo el Diablo (Diablada). Como parte de su estrategia evangelizadora la Iglesia fomentó –y fomenta– la persistencia de este culto (pero como sub-culto: la Diablada no es otra cosa que una procesión que culmina con los diablos derrotados por el Arcángel Miguel inclinándose ante la Virgen, que es siempre la real protagonista).
Actualmente, estos sincretismos han sufrido una amplificación que se expresa, entre otras cosas, en los trajes de los bailarines, símbolo de estatus, especialmente para los que pueden costearlos. Generalmente los que tienen ese poder adquisitivo pertenecen a una clase comerciante emergente conocida como burguesía chola, cuyo personaje más característico es el Chu’ta, que se asenta y trabaja en zonas periféricas y marginales donde abundan los basurales. Este es, precisamente, el escenario de la obra donde conviven el fulgor suntuario de hilos de oro y telas importadas de Asia, con ese otro fulgor, el de la basura.

Bernardo Oyarzún
La obra reflexiona acerca del significado de la estética popular en América del Sur, resultante de la superposición de culturas tras la conquista de América y cómo éstas, finalmente, se apropian de lo local. El proyecto evoluciona desde un gesto romántico primario del artista como es recolectar flores para su madre hasta establecer todas las posibles decoraciones florales que ella podría realizar. A partir de este gesto se sostiene la hipótesis de la obra que confirma la articulación estética matriarcal en toda América.
Los tejidos a crochet son otro gesto explícito de apropiación por parte de la cultura popular, que nacen de una entretención banal femenina de una clase social europea machista. Si bien fue una actividad del tiempo de la colonia, ésta evolucionó hasta instalarse en las clases populares,donde la mujer tomó posesión de este tipo de herramientas -incluidas estas minucias, aparentemente superficiales- para convertirlas en soluciones prácticas por medio de la reutilización de materiales y objetos.
Doméstica también incluye una performance donde la voz en off –de la madre- enseña a tejer, lo que se alza como un símbolo y una afirmación formal que la participación masculina en la construcción cultural es aprendizaje y sometimiento.

Cristóbal Gazmuri (Stgo, 1980) y Caterina Oxley (Stgo, 1979)
Bisutería Barroca
Más que hacer referencia al estilo Barroco explícitamente, la obra de ambos artistas (cada uno desde su propia perspectiva) alude a lo artificioso y lo que es chuchería (bisutería). Se sigue la tradición barroca en las representaciones de banquetes y festines, o en las decoraciones exhaustivas.
“En los cuadros de Gazmuri la historia está capturada en un instante fotográfico. Tanto las poses de los cuerpos y las expresiones como el equilibrio de ciertos objetos son insostenibles por mayor lapso que un instante. Esto provoca una sensación de inmediatez y simultaneidad que potencia la capacidad narrativa de la pintura. Al mismo tiempo, retoma una estrategia propia de la estética barroca, que con este tipo de elementos se repliega en su condición de arte y artificio, poniendo en abismo su pictoricidad. Platos de comida al borde de la mesa están a punto de caer, barcos van cruzando mientras cae el agua de la catarata, un vaso de leche va derramándose y la tela se repliega al ser recogida del suelo, son algunos de los detalles que determinan la temporalidad en estos cuadros. Dejando de lado por ahora el cuadro en que aparecen las dos mujeres en íntima escena y relajada pose, las otras tres telas representan diversos tipos de relación de dominio: el de sometimiento físico en una escena de lucha, el de simbólico-sexual en el acto de sadomasoquismo, y aquel más ambiguo aún, entre los niños y el pequeño bambi. Entre estas dos últimas telas se produce una relación de quiasmo o repetición cruzada, de animalización y humanización respectivamente. La figura del testigo, cifrada en los niños sentados a la mesa, cierra el triángulo de estas relaciones al tiempo que sirve de espejo al espectador”
“En las telas de Oxley, los personajes de pie, ubicados en ese espacio indeterminado, carente de horizonte, son representados en el momento preciso en que atraviesan con lanza o espada tres animales fantásticos: una iguana enorme, una especie de chancho y una gran ave, respectivamente. La frialdad de sus rostros y la pulcritud de su pose escultórica subrayan la expresividad de sus víctimas, que con intensa mirada reciben la muerte. Eludiendo la sangre y el dramatismo tan propio del barroco hispano, estas escenas de sacrificio conmueven, precisamente, por su hieratismo. En la serie donde los personajes están sentados, se captura el momento en que cada uno de ellos ha sometido ya al animal, confundiéndose casi el gesto de dominio con el de un abrazo. El aspecto teatral de la escena se redobla con los marcos dorados de formas orgánicas, de aspecto blando o líquido, que demarcan el espacio en que ella acontece. Éste a su vez se desdobla con las ventanas abiertas al paisaje, estrategia ensayada desde el Renacimiento tanto para experimentar las posibilidades de la perspectiva como para multiplicar los relatos del cuadro. El tiempo vuelve a marcarse allí, detenido en la noche, el ocaso o la madrugada”. (Catalina Valdés)

Tanya Maluenda (Stgo, 1972)
Specularis
El proyecto tiene como objetivo abordar el tema del sujeto-mujer y el cuerpo femenino, por medio de un objeto-instrumento, que remita a éste y a la presencia trastocada del concepto de bienestar corporal a cargo de la medicina ginecológica.
Trabajar en base a la manipulación de objetos, para hablar del cuerpo sometido a permanente regulación y disciplina, de la domesticación del cuerpo femenino, más allá de la superficie cosmética y fetichizada, sino el cuerpo como materia abyecta como zona de ambigüedad e incertidumbre.
Junto al cuerpo reproductor y sexuado, también se aborda el tema de la mujer como objeto pasivo de contemplación, aludiendo al poder social de la mirada, como elemento fundamental de las relaciones humanas. Para ello se usan superficies de acero inoxidable que funcionan como espejos.
La exposición se propone otorgar nuevos sentidos a estos objetos, que fuera de su contexto cotidiano, pretenden ser la abstracción de las diversas situaciones universales de mujer. Así, se articulan nuevos signos a partir del desplazamiento de un objeto de su contexto: el espéculo vaginal (instrumento de control reproductivo-abortivo) colocado en diferentes superficies como telas y pieles, como metáforas de lo femenino.

Rodrigo Tisi (Santiago, 1971) y Javier Rioseco (Stgo, 1981)
Exhibición videos: Cheap Tickets / Hyper Public
Ambos videos se exhibieron en la edición número 12 de la Cuatrienal de Praga 2011 realizada en el mes de junio, un escenario donde se congregaron, además de los 62 países competidores, grandes artistas y los personajes más destacados en torno al concepto de espacio escénico, teatralidad, performance y arquitectura. Es en este contexto que el arquitecto chileno Rodrigo Tisi junto a Javier Rioseco presentaron: Cheap Tickets –reflexiona sobre la realidad de los artistas “clase B”, que utilizan el escenario urbano y público de la ciudad para realizar su arte- e Hyper Public –que aborda la forma en que los medios y las políticas de turno enfrentan ciertos dramas humanos y los hacen públicos-. En esta obra colaboró también el artista nacional Nicolás Rupcich.
La concreción de este proyecto fue posible gracias al aporte de la Dirección de Asuntos Culturales, DIRAC.

Postulaciones 2011
Del 25 de octubre al 4 de diciembre de 2011

MAC Parque Forestal
Parque forestal s/n. Metro Bellas Artes. Línea 5
Santiago, Chile

Pinturas de Ariel Mlynarzewicz, "El Bosque"

2011-10-22T08:06:00.002-03:00

El Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori presenta la muestra de Ariel Mlynarzewicz, ‘El Bosque’. En la exposición Ariel Mlynarzewicz reúne obras de grandes dimensiones, casi murales y telas al óleo, enfatizando el tema de El Bosque, metáfora del camino hacia sí mismo, valiéndose de enormes cantidades de materia que dejan las grandes espátulas, cuyo resultado es pinturas casi abstractas.

En esta muestra, Ariel Mlynarzewicz ha decidido privilegiar las imágenes por sobre cualquier texto; es decir, privilegiar el sentido de su trabajo, que es la pintura. En sintonía con esta premisa, el catálogo de la exposición estará compuesto únicamente por imágenes de las sesenta obras que la conforman. Así, la pintura se convierte en el único punto de contacto con el espectador, a partir de la idea de que una pintura no necesita “traducciones” ni “explicaciones”.

Esto se vincula estrechamente con el momento que está atravesando el artista: una instancia de búsqueda, introspección y profunda espiritualidad. De allí que no haya una línea temática en El Bosque, serie que amalgama toda una trayectoria de colores y texturas al servicio de la expresión más pura. En permanente búsqueda, Ariel Mlynarzewicz explora la potencia expresiva de El Bosque, metáfora de un camino hacia sí mismo. Nos sumerge en la espesura de follajes desplegados en la desmesura de sus telas, valiéndose de grandes cantidades de materia que arrastran las huellas de espátulas y pinceles.

Sobre el artista
Pintor, dibujante y grabador, discípulo de –entre otros– Carlos Alonso, los ejes troncales de la obra de Mlynarzewicz remiten a rituales cotidianos, a la vida y a la muerte, a la ciudad, a la familia. El artista enlaza materia e idea mediante líneas quebradas, trazos gruesos y gestuales, empastes, colores saturados, de acuerdo con el material y la técnica que trabaje.

En 2006 fundó el Grupo de Boedo, integrado por estudiantes que trabajan y exponen, abrevando de su pasión y de sus experiencias. Realizó numerosas exposiciones, individuales y colectivas, tanto en Argentina como en el exterior. Ha sido distinguido con Gran Premio de Grabado del Salón Nacional y el Premio Internacional de la Crítica en Valparaíso, Chile, entre otros. Sus trabajos dan cuenta del merecido reconocimiento, en ocasiones de gran envergadura, como los murales que realizó en la cúpula del Teatro Regio.

El Bosque - Pinturas de Ariel Mlynarzewicz
Del 22 de octubre al 20 de noviembre de 2011

Museo Eduardo Sívori
Av. Infanta Isabel 555
011 4774-9452 / 4772-5628 / 4778-3899
Horario: Martes a Viernes de 12 a 20 hs.
Sábados, Domingos y feriados de 10 a 20 hs
Entrada: $1.
Sábados y miércoles, gratis

El buscador de Google regala un Dooble en homenaje a Mary Blair

2011-10-21T08:32:00.004-03:00

/Otros temas/
Mary Blair fue el corazón de Walt Disney durante los años 50 y hoy, 21 de octubre, Google celebra el que sería su 100 cumpleaños. El doodle, protagonizado por una niña que recuerda a Alicia, uno de sus personajes, combina el estilo y los colores que enamoraron a la gran fábrica de sueños. Pero, ¿qué ha hecho Mary Blair para merecer un doodle? Pues aunque nunca antes hayan oído su nombre, la artista insufló el alma a 'Cenicienta', 'Peter Pan' y 'Alicia en el País de las Maravillas', entre otras.
Nacida en Oklahoma, Estados Unidos, Mary Blair es una de las más célebres artistas americanas de su generación que enamoró con una obra colorista repleta de modernidad. Su estilo vive en la mesa de la merienda de aquel famoso "Feliz no cumpleaños" del País de las Maravillas, en el barco pirata de Nunca Jamás, en el duelo final con Garfio y en la calabaza mágica que convirtió a Cenicienta en una bella princesa. Los diseños de Mary Blair también sirvieron para ilustrar numerosos libros infantiles en la década de los 50. Disney concedió a Mary Blair su máximo galardón, el 'Disney Legend', en 1991.
Tras su paso por la gran casa de Mickey, las empresas norteamericanas solicitaban diseños de Mary Blair para sus campañas publicitarias. Así, Nabisco, Pepsodent, Maxwell House, Beatrice Food y, por supuesto, creó el famoso 'Small World', que nació como un parque de atracciones patrocinado por Pepsi-Cola para recudar beneficios para Unicef. Gustó tanto en Disney que, hoy día, los parques de atracciones de Tokyo, Paris y Hong Kong tienen una réplica del Small World de Mary Blair.
Mary Blair murió de una hemorrogia cerebral en 1978. Según cuenta la leyenda, Walt Disney ordenó que congelaran su cuerpo y que le despertaran cuando la ciencia pudiera asegurarle una nueva vida. Google, con el doodle de hoy, saca del olvido a Mary Blair para recordar su trabajo, su facilidad para crear sueños, sus personajes fantásticos y para, al fin, darle su sitio en la eternidad.

Doodle
Esta iniciativa de dar 'vida' a Google viene precedida de los conocidos como 'doodles', dibujos que decoran las letras del buscador de una manera original y que remarcan algún evento relevante o delicioso, como el aniversario de la creadora de Pippi Calzaslargas, el nacimiento de Robert Louis Stevenson o el cumpleaños del genial músico Manuel de Falla. O, por supuesto, la propia Navidad.
Es el caso de la clausura del Mundial de Sudáfrica, con unas acertadas tonalidades muy de 'La Roja'. La celebración del cumpleaños de Frida Khalo, el creador del holograma y, por supuesto, jugar al Pacman en su 30 aniversario, fueron los anteriores.
A todo esto hay que añadir que Google y Arcade Fire crean 'The Wilderness Downtown', una experiencia que seguro que les sorprenderán. La última en la lista de doodles, fue un viaje mágico a la vida de Houdini, precedido de una oda a la obra de Sorolla y el apasionante viaje a las profundidades de Google en el Nautilos de Julio Verne (uno de nuestros favoritos). Y, con la estela de la ciencia, despegó Yuri Gagarin.
Inolvidable el preciosísimo recuerdo para Charles Chaplin en su 122 cumpleaños, con un vídeo en Youtube que nos encandiló a todos. También genial un doodle animado repleto de animales por el Día de la Tierra y la celebración del Día de la Madre. Y aunque la llegada del verano con Takashi Murakami nos fascinó a todos, no desmerecen el estiloso baile de Martha Graham, los increíbles 16 doodles que pintó Roger Hargreaves para Google y la divertidísima guitarra de Les Paul que resonó en las oficinas de todo el mundo.
Los últimos, un encomiable recuerdo a la gloriosa Catedral de San Basili, un viaje a las profundidades del ser humano con el estudio de los genes de Gregor Mendel, un encuentro con los problemas matemáticos de Fermat y un paseo por la enorme fantasía de Jorge Luis Borges.
También jugamos con los muñecos de Jim Henson, aunque, sin querer desmerecer al resto, tardaremos mucho en desenamorarnos del fabuloso doodle de Freddie Mercury, quizás el mejor de todos hasta la fecha. Por cierto, también celebramos el cumpleaños del mismísimo Google y jugamos con la plastilina de Art Clokey.

¡¡Felicitaciones Google por el regalo y el recuerdo tan maravilloso que nos brindan!!

Instalaciòn de Natalia Granada "El edèn despreciado"

2011-10-20T07:54:00.002-03:00

En la instalación El edén despreciado, la artista Natalia Granada presenta el cuerpo humano como víctima del ímpetu ingobernable del deseo que lo conduce a la destrucción y a la muerte; utilizando la violencia como elemento predominante, las imágenes presentan aspectos interiores del ser humano que pueden provocar horror y miedo.
La instalación consta de siete piezas: Belona y Némesis, Érase una vez un Ángel exterminador, Ansia, La oscura evidencia, Cave Canes (cuidado con el perro), Insomnia y El edén despreciado. En las piezas está presente el deseo, energía motora del ser humano, que es asaltado por pulsiones externas que ocasionan actos extremos que ponen en juego la vida y la muerte.
Destaca la pieza El edén despreciado, en la que una mujer desnuda, colgada boca abajo, tiene inscrita en el pecho la palabra “Quiéreme” y sujeta con sus manos una serie de cadenas que atan a una jauría de perros que la rodea completamente. Los animales le dan la espalda y encaran al espectador con sus fauces abiertas.

Para Carlos Jiménez escritor y crítico de arte, en esta pieza hay una ambigüedad evidente, pues la postura de la mujer desnuda representa la impotencia y el sometimiento femenino que, contradictoriamente, contrasta la imagen de la jauría enfurecida que ella sujeta con sus manos y que disuade de antemano a cualquiera que tenga la intención de acercarse a ella y eventualmente aprovecharse de su estado de indefensión.
La temática de la muestra, prosigue Jiménez, es diversa como la inversión de los modelos de masculinidad y femineidad en donde los atributos exclusivos del hombre aparecen como propios de una mujer convertida en un ángel exterminador que reclama a tantas mujeres que son las víctimas de una violencia enmascarada; la ruptura del mito de la buena madre, abnegada y fiel es roto cuando ésta es capaz de ir contra de los atributos que la sociedad le ha otorgado, así como las complejas y ambiguas relaciones de pareja que oscilan entre el amor y la agresión, entre la ternura y la autodestrucción.
La estética que marca la obra de Natalia Granada niega los paradigmas hegemónicos de belleza femenina, por el contrario, pueden resultar chocantes por su deformidad, sus moretones, las heridas o las irreparables mutilaciones. “Ofrecerlos a nuestra contemplación es quizás el mayor de los desafíos que Granada lanza a nuestras sensibilidad y a nuestras convenciones”.
Por su parte, Natalia Granda explica que ha trabajado, de manera obsesiva, con el cuerpo humano, abordando los aspectos más inquietantes que lo constituyen: el deseo, la agresión, la violencia y el impulso de muerte, pasando por el placer, el dolor y el miedo. “Me interesa mostrar de qué manera la expresión estética de esos impulsos se convierte también en formas posibles de análisis del miedo o de otros resortes de las figuras de la muerte”.
Para la artista el cuerpo no es sólo una metáfora del deseo, sino también su expresión más contundente, por ello es pertinente pensar si el cuerpo desencadena el deseo, si en realidad sólo se sitúa en su campo de afección o si oscila siendo objeto y sujeto del mismo, concluye.
Natalia Granada ha presentado diversas exposiciones: Érase una vez un ángel exterminador, Galería La Oficina, Medellín, Colombia (2009); Imaginadas, Galería Begoña Malone, Madrid (2007); Ansia, Museo Barjola, Gijón, España (2005); Cuidado con el perro, Círculo de Bellas Artes, Madrid, España (2001) y El sueño eterno, Galería Vali i 30, Valencia, España (1999), entre otras.
El Museo Universitario del Chopo presenta El edén despreciado que se exhibirá en la Rampa 1 y Rampa 2 a partir del miércoles 19 de octubre, a las 19:00 horas, y permanecerá hasta el domingo 26 de febrero, de 2012. Horario de visita: de martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs. Martes: entrada libre.
El Museo Universitario del Chopo agradece a Acción Cultural Española AC/E y al Gobierno de España por el apoyo brindado para la realización de ésta exposición.

Natalia Granada
El Edén Despreciado
Del 19 de octubre de 2011 al 26 de febrero de 2012
Rampa 1 y Rampa 2 del Museo Universitario del Chopo
Museo Universitario del Chopo
Dr. Enrique González Martínez no. 10, Col. Santa Ma. La Ribera
Tel. 5546 1245, 5535 2186
www.chopo.unam.mx
Fuente: Difusión Museo Universitario del Chopo

Obras de Kemble, Santantonìn y Kuitca en la Colecciòn Malba

2011-10-19T08:35:00.002-03:00

/El Arte al Dìa/
En el marco de los festejos por el 10º aniversario del museo, Malba – Fundación Costantini incorporó a su colección permanente cinco piezas de los artistas argentinos Kenneth Kemble, Rubén Santantonín y Guillermo Kuitca.

Se trata de las obras Homenaje a un encuentro entre Hugo Parpagnoli y Alberto Greco (1961), de Kenneth Kemble, donación de Julieta Kemble; Teatro Colón, proyecto para el nuevo telón (2009), de Guillermo Kuitca, regalo del artista en ocasión de los 10 años del museo; Sin título (Acoustic Mass) (2005), también de Guillermo Kuitca, comprada por la Asociación Amigos de Malba, gracias a la generosa participación de un grupo de particulares y empresas; y dos piezas históricas de Rubén Santantonin, Cosa (ca. 1963) reconstruidas por Oscar Bony (ca. 1998) y donadas por Carola Bony.

Estas donaciones pueden verse actualmente en la exposición Arte latinoamericano 1910 -2010, nueva puesta de la colección permanente que se exhibe en Malba hasta el 6 de febrero de 2012, con las obras emblemáticas del patrimonio del museo y de un conjunto excepcional de 14 piezas cedidas en comodato por The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH).

El nuevo guión curatorial –desarrollado por Marcelo Pacheco, curador en jefe de Malba- presenta al público una serie de recorridos por las experiencias artísticas realizadas en la región desde la aparición de las vanguardias, alrededor de 1910, hasta las últimas tendencias surgidas en la escena internacional en la primera década del siglo XXI. Se incluyen más de 170 obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, objetos, instalaciones y videos.

+Malba
Las nuevas piezas enriquecen el acervo del museo de múltiples maneras. Homenaje a un encuentro entre Hugo Parpagnoli y Alberto Greco (1961), de Kenneth Kemble permite tener en la colección de Malba una pieza clave en la historia del informalismo argentino, que ya contaba con dos obras de Clorindo Testa y los comodatos del artista brasileño Frans Kracjberg, Alberto Greco, además de dos Kemble, uno de los cuales ya queda incorporado al acervo.

“Era un vacío que Malba había buscado solucionar mediante su programa de comodatos pero que ahora, gracias a la generosidad de Julieta Kemble, queda cubierto”, afirma Marcelo Pacheco. “Es una pieza histórica dentro de la narrativa del arte argentino y en el pasaje del arte moderno al arte contemporáneo. La cita del título a Greco y Parpagnoli le agrega la presencia de dos de los personajes claves para los cambios locales de los años 60, tanto en el hacer artístico como en los discursos de la crítica”, explica.

La incorporación de las dos nuevas obras de Guillermo Kuitca significa en ambos casos la posibilidad real de actualizar la presencia del artista argentino más famoso en el mundo con piezas de esta última década. Al óleo Siete últimas canciones (1986) que formaba parte de la colección fundacional del museo y al dibujo Congresos, dos cámaras (1986), se agregan dos trabajos que ponen al día las búsquedas de Kuitca.

Uno de los criterios de ampliación de la colección de Malba es precisamente contar con obras de diferentes períodos de los artistas más importantes de los últimos 20 años. La generosidad de Guillermo Kuitca y el esfuerzo realizado por la Asociación Amigos de Malba permitieron que esto ocurriera en el caso de un pintor que de otra manera estaría fuera del alcance del presupuesto regular destinado a las adquisiciones. “Poder mostrar a Kuitca en su plenitud de los 80 y en su madurez de la primera década del siglo XXI es un verdadero logro para el museo, digno de celebrarse”, considera Pacheco.

La incorporación de las dos Cosas (ca. 1963) de Rubén Santantonín marca el ingreso de un artista clave en la historia del arte argentino al patrimonio del museo. “No se puede entender el pasaje de lo moderno a lo contemporáneo sin sus objetos Cosa jugando al mismo tiempo que los Vivo Dito de Alberto Greco, el arte objetual y las escrituras protoconceptuales de Ferrari”, explica el curador en jefe de Malba.

Lamentablemente antes de morir el artista destruyó toda su obra, sólo quedaron algunos pocos trabajos, como los del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata. En colecciones privadas se conservan no más de 5 o 6 de sus objetos y en 1989 el Museo Nacional de Bellas Artes -dentro de su programa de adquisiciones financiado por Fundación Antorchas- le encargó a Pablo Suárez la realización de tres reconstrucciones de sus Cosas, para cubrir el vacío que en su patrimonio significaba la ausencia de Santantonín. Alrededor de 1998 Oscar Bony -que había sido el amigo más cercano del artista-, hizo dos reconstrucciones de dos Cosas de Santantonín. Carola Bony, consciente del valor museológico de los dos trabajos, tuvo el gesto de donarlos a Malba para la celebración de sus 10 años.

De aquí en más, el museo puede contar con dos piezas reconstruidas de Santantonín para anclar su trabajo junto a otras obras emblemáticas de los años 60, como los dibujos de Emilio Renart y el corto El Submarino amarillo de Oscar Bony -adquiridos en estos últimos años-, además de los comodato de las escrituras de León Ferrari, los Vivo Dito de Greco y el trabajo del artista contemporáneo brasileño Augusto de Campos. “Estas piezas permiten ofrecerle al público que visita la colección permanente de Malba una visión más clara de la ruptura que significaron los años 60 en la historia del arte del siglo XX y que se proyecta hasta la actualidad”, concluye Pacheco.

Fichas técnicas
Kenneth Kemble
Homenaje a un encuentro entre Hugo Parpagnoli y Alberto Greco, 1961
Vidrio, enduido, pintura industrial y masilla sobre hardboard
120 x 50 cm
Donación Julieta Kemble, Buenos Aires, 2011

Guillermo Kuitca
Teatro Colón, proyecto para el nuevo telón, 2009
Tinta sobre papel
29 x 42 cm
Donación de Guillermo Kuitca, en ocasión del 10º aniversario de Malba
Buenos Aires, 2011

Guillermo Kuitca
Sin título (Acoustic Mass), 2005
Técnica mixta sobre papel
148 x 148 cm
Donación Asociación Amigos de Malba, Buenos Aires, 2011

Rubén Santantonin
Cosa, ca. 1963 – ca. 1998 reconstrucción Oscar Bony
Cartón corrugado, cola, tela, y pintura látex
50 x 60 x 40
Donación Carola Bony, Buenos Aires, 2011

Rubén Santantonin
Cosa, ca. 1963 – ca. 1998 reconstrucción Oscar Bony
Cartón corrugado, cola, tela, y pintura látex
56 x 65,5 x 60
Donación Carola Bony, Buenos Aires, 2011

MALBA-Fundación Costantini
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Avenida Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA
Buenos Aires, Argentina
+54 (11) 4808-6500
www.malba.org.ar

Ni tan exòtico, ni tan lejano. Arte Contemporàneo de Asia

2011-10-18T19:42:00.002-03:00

/El Arte al Dìa/
¿Qué es lo que distingue a los artistas asiáticos contemporáneos de otros creadores internacionales de principios del siglo XXI? ¿Cómo se define, incorpora y entiende el arte contemporáneo de la región de Asia-Pacífico en el circuito internacional y nuestro ámbito más inmediato?

El objetivo de este breve curso es ofrecer un primer acercamiento, general pero crítico, a los temas y debates, teóricos y geográficos, necesarios para el estudio del arte contemporáneo de Asia. A su vez, se buscará, desde la primera sesión, plantear herramientas críticas y reflexivas para que los participantes puedan comenzar a generar sus propias aproximaciones a los artistas y las obras que se discutirán.
El curso está dirigido a estudiantes o académicos e interesados en el arte contemporáneo y/o la producción estética de otras regiones culturales.

Programa General
Sesión 1
Una aproximación al arte contemporáneo en Asia
Ubicación de la región y sus diversas regiones componentes.
¿Existe el “arte asiático moderno”? Conceptos, definiciones, contenciones.

Sesión 2
Artistas, escuelas, influencias
Individuos e ideas: el advenimiento de estéticas de lo contemporáneo en Asia (siglo XX).
El desarrollo del arte moderno en Asia-Pacífico a partir de los 80s y 90s.
El auge del arte asiático y el mundo: nexos de producción, circulación y consumo.

Sesión 3
Ni tan exótico, ni tan lejano: acercamientos al arte asiático contemporáneo
Estudios de caso: discusión de materiales repartidos en la segunda sesión para su interpretación y análisis por parte de los asistentes.

Requisitos
Para la inscripción es necesario hacer un registro previo a la siguiente dirección eecs@muac.unam.mxEsta dirección electrónica esta protegida contra spambots. Es necesario activar Javascript para visualizarla , con nombre, grado académico y una carta motivos de menos de una cuartilla. Una vez recibido el registro y aceptada la inscripción se enviará vía correo electrónico el paquete de textos para el curso (la mayoría de ellos están en inglés).

Las inscripciones estarán abiertas hasta el viernes 28 de octubre a las 14:00 hrs. o hasta que el grupo se complete.

Se entregará constancia por asistencia a las 9 horas del curso.

Carlos Mondragón. Es licenciado en Historia por la UNAM, maestro en antropología social por la Escuela de Estudios Orientales y Africanos de Londres y doctor en antropología por la Universidad de Cambridge. Su principal línea de investigación ha sido la historia y antropología de la Melanesia, en el Pacífico occidental, en donde ha llevado a cabo más de 4 años de trabajo etnográfico. Así mismo, ha realizado un posdoctorado que implicó una estancia de casi dos años en el Tibet en relación con un proyecto de investigación sobre cultura y ecología de una sociedad de nómadas tibetanos. Desde hace varios años inició una nueva línea de investigación sobre la cultura material de Asia y el Pacífico, la cual, a la fecha, ha tenido como resultado la curaduría de una exposición internacional en el Museo Nacional de Antropología de México titulada "Moana: Culturas de las Islas del Pacífico", así como la curaduría inicial de la Sala del Pacífico del Museo Nacional de las Culturas. Actualmente es profesor-investigador en el Centro de Estudios de Asia y África de El Colegio de México y se ha dedicado a preparar cursos metodológicos acerca de la cultura material y visual de Asia y África en colaboración con otros especialistas en estos temas.

Ni tan Exótico, Ni tan Lejano. Una Introducción al Arte Contemporáneo de Asia Pacífico
Curso de Aproximación al Arte Contemporáneo Asiático
Imparte: Dr. Carlos Mondragón | Centro de estudios de Asia y África. El Colegio de México
Jueves 3, 10 y 17 de noviembre DE 2011, 10:00 a 13:00 hrs.
Cupo limitado a 25 personas
Sala de conferencias
Entrada libre, previa inscripción.

Museo Universitario Arte Contemporáneo
www.muac.unam.mx | +52 (55) 5622 6972
Centro Cultural Universitario
Fuente: Difusión MuAC

Nuestro adiòs al talentoso artista Josè Pepe Garcìa

2011-10-17T09:46:00.003-03:00

/El Arte al Dìa/
La cultura margariteña ha perdido a uno de sus baluartes. Ayer en horas de la tarde, falleció el artista del barro y el fuego, José Pépe García, Patrimonio Cultural Viviente del estado Nueva Esparta.
Canario de nacimiento y margariteño de corazón, Pepe García llegó de otro continente, hace más de cuatro décadas. Aquí vivió la mayor parte de su vida, recorriendo caminos, recogiendo vivencias, conociendo la historia, la tradición y el sentir venezolano, más aún el sentir margariteño, moldeándolo, en el barro y enmarcándolo en maderas centenarias. Aquí creció como artista haciendo esta tierra suya, así como su historia, cultura y tradiciones.
Pepe llegó a Venezuela en una época en que vivir en España se había hecho muy difícil, buscando nuevos horizontes viene a Caracas, luego a Puerto La Cruz y finalmente a Margarita. Al principio, se estableció en Porlamar, donde tuvo una tienda en la que vendía sus artesanías. Luego conoció el Cercado y comenzó a trabajar con los artesanos: ”Era como un intercambio, les daba la técnica, pero siempre me gustaba que hicieran lo que sentían, nunca estuve en ninguna escuela siempre lo hago como lo siento” dijo en una entrevista.

Creador del Museo de Taguantar
Más tarde, llegó a Juan Griego, donde instala su Taller de Arte Popular “Así con las Manos”. Recorrió el país recogiendo piezas de arte durante 30 años y fundó el Museo de Taguantar, conocido hoy como Pueblos de Margarita, Trabajó sin descanso y levanto con barro, agua y fuego 7 casas representativas de las regiones de venezolanas, con todo tipo de objetos propios de su artesanía y cultura, para preservar en el tiempo y en el espacio nuestra diversidad cultural.
Problemas de salud, lo obligaron a dejar ese sueño por el que tanto trabajó, pero su necesidad de crear creció, consolidándose como el gran artista que fue. Pepe vaciaba su alma cuando moldeaba el barro, decía que desde temprana edad hubo una necesidad de estar en contacto con él. Quizás por eso cada una de sus piezas parece tener vida propia, cada una es historia, misticismo, tradición, vistas a través de su alma, como él las sentía.
Sus restos serán velados en la entrada a Loma de Guerra, municipio Antolín del Campo, calle Juan Bautista Arismendi.

Once tipos del 11, Colectiva de Arte actual

2011-10-16T09:07:00.002-03:00

Retomando el nombre y el espíritu de la emblemática Once Tipos, la Sala Mendoza presenta una selección de artistas jóvenes quienes, a través de diversas propuestas, participan en el heterogéneo paisaje visual del arte venezolano actual
Con el propósito de continuar con la difusión del arte actual, la Sala Mendoza presenta Once Tipos del 11 a partir del 16 de octubre. Bajo la curaduría de María Elena Ramos, Rafael Santana y Costanza De Rogatis, la exposición está integrada por los artistas Miguel Amat, Annella Armas, Ángela Bonadies, Nayarí Castillo, Elías Crespín, Suwon Lee, Richard López, Cipriano Martínez, Daniel Medina, Juan José Olavarría y Juan Requena quienes, a través de diversos medios, dan cuenta de una pluralidad en las aproximaciones al hecho artístico, en plena sintonía con los lenguajes contemporáneos.

La muestra retoma el nombre y el espíritu de una serie de exposiciones organizadas por la Sala Mendoza durante la década de los setenta e inicios de los ochenta que, bajo el título de Once Tipos, mostró la visión de jóvenes artistas venezolanos, pioneros de los lenguajes de vanguardia de la época, que con el tiempo se convertirían en importantes referentes del arte contemporáneo de nuestro país.

“A lo largo de sus seis ediciones (1973-1981), Once Tipos desarrolló una nueva tipología expositiva a partir de un modelo de rápida reseña colectiva, ensamblada directamente desde los talleres de los artistas. Con el pasar de los años, este nombre quedó fijo en la nomenclatura del arte contemporáneo venezolano, asociado de manera indeleble al importante grupo de artistas que participó y a la práctica museológica que propuso, consagrada desde entonces como una metodología estándar para la reseña del arte contemporáneo en los museos”, afirma Rafael Santana.

En esta edición, la pintura, la instalación, el video, el dibujo y la fotografía son herramientas de conversión de la materia en imagen, idea y concepto. Los Once Tipos del 11 exploran temas como la identidad y la memoria, la ciudad como tejido urbano, la percepción del espacio, las representaciones del mundo, así como otras preocupaciones que no sólo atañen al oficio del artista o a la esfera de lo estético, sino también a reflexiones suscitadas desde nuestra sociedad. Se trata de nuevas resonancias en el arte joven que generan preguntas, hilan historias, actualizan el saber.

“Existe en el arte de la generación actual una revisión consciente del pasado que le precede, que va construyendo la noción de continuidad: los antecedentes temáticos y técnicos son integrados a los diálogos del presente como crítica y revisión de una memoria que es también un nuevo punto de partida", dice Costanza De Rogatis.

Para María Elena Ramos, “si bien no se trata de una muestra temática sino de la coincidencia de importantes creadores actuales, en Once Tipos del 11 podemos seguir algo frecuente en la cultura contemporánea: la creciente inclusión de motivos extraartísticos en la obra de arte. La Sala Mendoza acoge así alusiones a la ciencia, a una naturaleza revisitada conceptualmente por la ecología o la historia, a discursos y símbolos patrios, al mundo editorial, a la música y otras artes, a los laboratorios de zoología y hasta a la magia”.

Como parte de este proyecto expositivo, en el Centro Documental se exhibirá una selección del material biblio-hemerográfico alusivo a cómo surgió y se configuró Once Tipos. Se ha programado una serie de actividades culturales y foros de reflexión, comprometidos a enriquecer y profundizar esta revisión del panorama artístico de la contemporaneidad venezolana. De esta manera Once Tipos del 11 abre sus motivaciones y tiende diversos puentes de comunicación hasta el 29 de enero de 2012, fecha de su clausura.

El mismo 16 de octubre inaugura en los espacios de La Librería de la Sala Mendoza la muestra Isabel Cisneros [in] material [trans] material, que reúne un grupo de bowls de cerámica torneada y esmaltada y cestas tejidas a crochet realizadas específicamente para esta ocasión, que dan cuenta del interés de Cisneros por la investigación de las posibilidades de los materiales al ser afrontados desde las técnicas de las artes del fuego y de la urdimbre. Estas piezas, así como gran parte de los trabajos presentes en Once Tipos del 11, y obras de menor formato de los artistas participantes, estarán a la venta en la Tienda de la Sala.

El año 2011 es significativo para la Sala Mendoza, pues cumple 55 años de continua promoción del arte y la cultura contemporánea. Hoy se plantean nuevas perspectivas, a las que se agrega la tendencia actual de relacionar espacios expositivos con universidades. Al estar la Sala Mendoza integrada al campus de la Universidad Metropolitana crece la oportunidad de generar proyectos creativos que vinculen la cultura y las juventudes, el arte y el conocimiento.

Once tipos del 11 – Colectiva de arte actual
Del 16 de octubre de 2011 al 29 de enero de 2011
Sala Mendoza
Universidad Metropolitana de Caracas, Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa, PB. Caracas, Venezuela
Tel: (58)(212) 243.5586 / 242.7560 / 242.7833
www.salamendoza.org

Orquesta Filarmònica de Mèxico interpretarà a Rimsky.Korsakov

2011-10-14T10:10:00.002-03:00

/Mùsica/
Junto a este clásico universal de Rimsky-Korsakov, también se interpretarán Una noche en la árida montaña, de Mussorgski, y la Sinfonía No. 5, de Shostakovich

En el marco de su Temporada Otoño 2011, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (OFCM) ofrecerá este sábado 15 y domingo 16 de octubre un programa en el que se interpretarán las obras Una noche en la árida montaña, de Modesto Mussorgski; Capricho español, de Nikolai Rimski-Korsakov, y la Sinfonía No. 5, de Dmitri Shostakovich. La dirección de estos conciertos estará a cargo del maestro Avi Ostrowsky.

Avi Ostrowsky. Originario de Israel, estudió con Gary Bertini y Mordechai Seter en la Academia Rubin de Tel Aviv, tras lo cual comenzó su carrera dirigiendo a las orquestas más importantes de su país. Continuó su formación con Hans Swarowsky, en la Academia de Música de Viena y con Franco Ferrara en Italia. En 1968, ganó el primer lugar en el Concurso Internacional Nikolai Malko para Jóvenes Directores en Copenhague y desde entonces ha sido invitado a dirigir numerosas orquestas en todo el mundo. Ha grabado La consagración de la primavera y Petrushka, de Stravinsky, sinfonías de Mahler y Schubert y la Sinfonía fantástica, de Berlioz, entre otras. En la temporada 1998-1999, fue nombrado de nuevo director artístico y principal de la Orquesta Kibbutz de Israel, donde permaneció hasta 2003.

Una noche en la árida montaña
Una Noche en el Monte Pelado o Una noche en la árida montaña, es el nombre común para "la noche de San Juan en el Monte Calvo", un poema sinfónico de Modest Mussorgsky, compositor ruso. La pieza fue originalmente inspirada por una historia corta de Gógol, en la cual un campesino presencia un acto de brujería en el Monte Calvo, cerca de Kiev, en la Noche de San Juan.

Mussorgsky encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra: Rumores subterráneos de voces sobrenaturales; Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás); Glorificación de Chernabog y misa negra; Sábado de brujas; A lo lejos suena la campana de una iglesia del pueblo, dispersando a los espíritus de las tinieblas, y Amanecer. Después de la muerte de Mussorgsky, su amigo y compañero Rimsky-Korsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos.

Capricho Español, Op. 34
Esta obra orquestal fue compuesta en 1887 por Nikolai Rimsky-Korsakov, basada en melodías españolas. La inspiración de la obra residía en la música que descubrió, en parte, en sus viajes. Entre 1862 y 1865, el compositor había viajado mucho por el mundo debido a su cargo de oficial de la marina rusa. En España estuvo sobre todo en Cadiz.

La obra consta de una parte muy destacada a cargo de un violín solista, hasta el punto de que originalmente estaba concebida como una fantasía para violín y orquesta. Posteriormente, el compositor incorporó otros instrumentos solistas.

Sinfonía No. 5 en re menor, Op. 47
Fue compuesta por Dmitri Shostakovitch entre abril y julio de 1937. Fue estrenada en Leningrado por la Orquesta Filarmónica de Leningrado, bajo la dirección de Yevgeny Mravinsky, el 21 de noviembre de 1937. La obra tuvo un enorme éxito el día de su estreno, y según Mstislav Rostropóvich recibió un aplauso de por lo menos 40 minutos. Actualmente es uno de los trabajos más populares del compositor.

Estos conciertos se podrán escuchar el sábado 15 a las 18:00 horas y el domingo 16 de octubre a las 12:30 horas, en la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli (Periférico Sur 5141, Col. Isidro Fabela, a un costado de la Escuela Nacional de Antropología e Historia). Admisión: 112 pesos, 50% de descuento a estudiantes, maestros y adultos mayores con credencial.

Fuente: Prensa Secretaría de Cultura DF

Museos ficticios ideados por Artistas

2011-10-13T11:52:00.002-03:00

Bristol acoge una exposición que reúne y analiza por primera vez los museos ficticios ideados por los artistas
AC/E lleva a Museum Show las obras de Davis Lisboa y Asunción Molinos
Una de las tendencias más curiosas en el arte moderno y contemporáneo ha sido la del museo del artista: desde la segunda guerra mundial hasta nuestros días algunos creadores han inventado sus propias instituciones semi-ficticias. Museum Show -organizada por el centro de arte Arnolfini de Bristol con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E), el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España y la Embajada de España en el Reino Unido- reúne una selección de estas instituciones imaginarias ideadas por cerca de 40 artistas de todo el mundo, de diferentes épocas y trayectorias, que se podrá ver en dos fases en la ciudad de Bristol entre el 24 de septiembre de 2011 y 5 de febrero de 2012.

La artista española Asunción Molinos (Guzmán, Burgos, 1979) y el creador hispano-brasileño Davis Lisboa (Sao Paulo, 1965) están presentes, gracias a la colaboración de AC/E, en la primera fase de esta exposición, con el Museo agrícola mundial y Davis Lisboa mini-museo, respectivamente. La muestra examina las diferentes interpretaciones que los artistas tienen de lo que debe ser un museo al tiempo que traza las metodologías y razones utilizadas por los creadores para crear sus propias instituciones. Unas instituciones que van, históricamente, desde la crítica dirigida a instituciones artísticas hasta ejemplos más contemporáneos que centran su atención en esferas sociales y políticas más amplias de hegemonía cultural.

En la muestra se pueden ver tanto museos que emplean un enfoque “museológico” clásico como el Musée d'Art Moderne, Départment des Aigles, de Marcel Broodthaers, y el absurdo Museum of Safety Gear for Small Animals, de Bill Burns, como interpretaciones más amplias y conceptuales de la infraestructura de un museo, como el Museo de Arte Conceptual de Tom Marioni -un bar que funciona como tal y ofrece en ejemplo temprano de obra de arte “de ambiente cordial” en EEUU- el abyecto Museo de la Basura o la utopía del Museo Aero Solar –una institución flotante elaborada con miles de bolsas de la compra recicladas-.

Aunque el centro de arte Arnolfini será la principal sede de esta exposición algunas de las obras podrán verse en otros lugares de la ciudad como el M Shed, situado al otro lado del puerto, que acogerá el Museo de la Revolución, de Marko Lulic o la antigua comisaría de policía de Bridewell que dará cabida al Museo Agrícola Mundial, de Asunción Molinos. El multitudinario evento del Museo Aero Solar podrá verse, por su parte, el domingo 9 de octubre en el distrito de Hengrove en el sur de Bristol.

Organiza: Arnolfini

Colaboran:
Acción Cultural Española (AC/E)
Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación de España
Embajada de España en el Reino Unido

Muestra de Gaudì Estè "Modos de Devociòn"

2011-10-12T07:59:00.002-03:00

La obra de la artista venezolana Gaudí Esté será exhibida en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) en Colombia, a partir del próximo 12 de octubre, a través de una exposición individual titulada 'Modos de devoción', que permanecerá abierta al público hasta el 13 de noviembre.
Representada en Venezuela por la Galería Freites, y considerada como una de las escultoras contemporáneas más importantes del país, Gaudí Esté posee una fructífera trayectoria artística de más de 25 años, durante la cual ha desarrollado un cuerpo de trabajo caracterizado por “la potencia formal, simbólica y técnica, obtenida en buena parte por su arraigo en las raíces tradicionales de la creación escultórica de su terruño, como lo es la talla en madera, práctica a partir de la cual Esté ha logrado no sólo recrear una peculiar iconografía cargada de fuerza simbólica, sino realizar verdaderos aportes técnicos y formales a esta modalidad”, según palabras de la investigadora de artes visuales Katherine Chacón.
En la muestra “Modos de devoción” que se presenta en el MAMBO, la artista exhibe fundamentalmente piezas de las series “Nagual” y “Devoción” –surgidas entre mediados de la década de 1990 y principios de la de 2000, hasta nuestros días-, las cuales, a juicio de Katherine Chacón, están caracterizadas por un volcamiento ritualista, asociado a veces a la muerte, a la prisión, o al desmembramiento, y apoyadas en su mayoría en una iconografía animal, en donde perros, caballos, caimanes, seres alados y sus hibridaciones, convergen, a veces, conformando conjuntos escultóricos o instalaciones.
“Si bien es cierto que el tema de la religiosidad puede ser entrevisto en algunas de estas piezas, no es menos verdadero que en ellas el sentido de lo religioso se enlace con lo ritual, con el recogimiento y la devoción, pero está teñido de un halo feroz, ligado a lo recóndito inconsciente, a lo trascendente como una fuerza incomprensible, acaso a una interrogante sobre la vida y la muerte que abarca lo contingente, pero también lo cósmico. De allí surge el tema de la devoción, como un fervor religioso que supera las formalidades de los cultos, para llegar a ser un íntimo y profundo estado de comunión del individuo con el espacio metafísico de su existencia”, señala la especialista.
Asimismo se incluyen en esta individual, obras que no representan animales o sus híbridos, como son Imagen de vestir y Ensambladura II; además de otras obras entre las cuales figuran: Todos los seres ya sidos, vuelven a ser o El guerrero momificado (en las que la artista reitera su intención de conectarnos con la muerte en su sentido ritual), Potro Caimán, Atrapado en el paisaje, La Potranca Trini-Caro, y la instalación Caballeriza, que representa a escala un establo en el que cada caballo ocupa un nicho por el que asoma su noble cabeza.

“La escultura de Gaudi Esté ha planteado una reformulación iconográfica y expresiva de esta modalidad en Venezuela. La introducción de la figuración animal como principal motivo de sus piezas, le ha permitido a Esté no el explorar puntualmente un universo casi inédito dentro de la talla venezolana, sino abrir nuevos caminos al tema de lo irracional y de lo inconciente dentro de la escultura de ese país. Si bien una mirada desprevenida puede observar tras ‘este particular bestiario’ que nos presenta la artista, referencias asociadas a la crítica social e incluso política, el temple expresivo de estas piezas, su innegable potencia plástica, sus fuertes connotaciones simbólicas –aunadas a la simplicidad casi primitiva de estas configuraciones tridimensionales– señalan abiertamente conexiones simbólicas que apuntan a recónditos contenidos inconscientes”, escribe en su texto la especialista.

Gaudí Esté
Modos de Devoción
Del 12 de octubre al 13 de noviembre de 2011
Museo de Arte Moderno de Bogotá
Calle 24 # 6-00
Bogotá, Colombia
www.mambogota.com

Exposiciòn de Pinturas "Miradas del Delta"

2011-10-09T10:49:00.001-03:00

Miradas del Delta
08/10/2011 - 06/11/2011
MAT | Museo de Arte Tigre
Paseo Victorica 972, Tigre, Buenos Aires
Días y horarios: miércoles, jueves y viernes de 9 a 19 hs.,
sábados, domingos y feriados de 12 a 19 hs.

A partir del sábado 8 de octubre la muestra colectiva “Miradas del Delta” estará presente en las salas del Museo de Arte Tigre. La misma será integrada por un conjunto de obras inspiradas en la geografía isleña.

Luego de la finalización de la exposición “Gracias Tigre!” del artista uruguayo Carlos Páez Vilaró arribará al Museo de Arte Tigre la muestra colectiva “Miradas del Delta”.

El objetivo de la nueva propuesta es explorar el concepto de identidad cultural tigrense, donde el Delta ocupa un lugar importante, a través del enfoque plural de un grupo variado de artistas que cuentan con un arraigado sentimiento de pertenencia.

La nueva exhibición estará integrada por creativos que componen un grupo tanto de pintores, fotógrafos y escultores residentes de Tigre en su gran mayoría, o que poseen sus talleres de producción e imparten clases de arte en el lugar.

La muestra contará con pinturas de gran formato, esculturas y fotografías. Estará integrada por reconocidas figuras como: Fermín Eguía, Diana Aisenberg, Héctor Médici, Fernando Fazzolari, Omar Estela, Eugenio Ramírez, Cristina Dartiguelongue, Félix Rodríguez, Marcelo Díaz, Javier Torres, Miguel D´Arienzo y los fotógrafos Richard Noguera, Marcelo Brodsky.

Miradas del Delta es una exposición concebida para ser también expuesta en la ciudad brasileña de Niteroi, en el marco del “Encuentro por Sudamérica” a realizarse durante el mes de noviembre.

Más info: www.mat.gov.ar

Cuando el Arte tambièn puede ser Circular

2011-10-07T09:31:00.002-03:00

Cetol presentó la muestra “Circular”, con la participación de Milo Lockett.
Los artistas Alan Berry Rhys, Ricardo Crespo, Victoria Graglia y Tito Khabie sumaron su talento a la propuesta. La curaduría de la exhibición estuvo a cargo del Arq. Federico Platener.
Cetol, marca líder en el cuidado de la madera, inauguró en espacioCetol la muestra Circular.
“Es necesario que el arte circule, que genere alternativas de exhibición y de este modo pueda acceder a nuevos espacios y diferentes públicos”, expresó el Arq. Federico Platener, curador de la muestra. “Encontramos en Cetol el socio ideal para materializar este concepto mediante la muestra Circular”, agregó Platener.
De este modo, Cetol renovó su apoyo al arte contemporáneo sumándose por cuarto año consecutivo a la Semana del Arte.
Acerca de la marca
Las marcas que Akzo Nobel Argentina S.A. comercializa en el país son CETOL, línea de productos para el cuidado de la madera; BRIK-COL, recubrimientos para ladrillos, piedras, cerámicas y pisos y ALBA, marca líder del mercado argentino de pinturas para hogar y obra.
Akzo Nobel, es el mayor fabricante de recubrimientos del mundo, número uno en pinturas decorativas y proveedor líder en productos químicos, que emplea aproximadamente a 60.000 personas con presencia en 80 países y con sede en Ámsterdam, Holanda.
Akzo Nobel adhiere e integra el Programa “Cuidado Responsable del Medio Ambiente” a nivel local e internacional.

El grupo The Brontës ofrecerà un concierto en el ARTIUM

2011-10-06T07:53:00.003-03:00

/Mùsica/
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz, ofrecerá un concierto de The Brontës debido a la inauguración de la nueva temporada de exposiciones el sábado 8 de octubre. El grupo alavés tocará a las 22.00 horas en la sala Plaza y la entrada será gratuita. Su música se describe como una mezcla de rock y pop y su visión amateur de la música hace que sea uno de los grupos más prometedores del panorama musical independiente. Tras cuatro años sin publicar un álbum The Brontës presentará en ARTIUM, después de su exitosa participación en el Festival Ebrovisión, su último trabajo Vender la sombra, el primero cantado en castellano.

El sábado 8 de octubre a las 22.00 horas el grupo The Brontës acompañará la inauguración de la nueva temporada de exposiciones en ARTIUM. El trío nació en Vitoria-Gasteiz en 1995 y está formado por Iñaki Calzada (bajo), Dani M. Arrizabalaga (batería) y Raúl Rama García (vocal, guitarra y compositor). El estilo The Brontës se define como pop-rock intenso, alejándose siempre de las modas, y el grupo se considera a sí mismo como amateur puesto que detrás de él hay una vida con sus correspondientes trabajos y no buscan “vivir de la música”.

En 1998 consiguieron el primer premio en el concurso nacional Imaginarock con su primer trabajo maquetado First y con él grabaron su primer álbum y el que les dio a conocer, Moon Time. Más tarde vinieron Mary and Jim y Ways To nowhere en 2006 con el que obtuvieron gran aceptación entre el público de música independiente.

Tras cuatro años sin publicar ningún disco acaban de sacar Vender la sombra, el primero cantado en castellano –los otros tres son en inglés– y que presentarán en ARTIUM. Según la crítica es un disco más heterogéneo, con cortes de tendencia pop y con letras pegadizas.

ARTIUM abre su nueva temporada con cinco exposiciones: En cuatro movimientos, sobre Esther Ferrer, una de las importantes performers internacionales y quien además realizará una performance el viernes 7 de octubre a las 17.30 horas; Paperophanies, un proyecto de Jenny Marketou que se enmarca en el programa Praxis; Estancias. Prácticas restituyentes sobre la Colección ARTIUM, un proyecto de la Colección ARTIUM y que analiza las propias estrategias de creación de una colección; Luz adentro, una escogida representación de las últimas obras de Carmelo Ortiz de Elgea y José Luis Zumeta; Álava, escenario artístico contemporáneo, una exposición bibliográfica que se centra en el territorio de Álava como fuente de inspiración para artistas, escritores, músicos y cineastas; y Catástrofes, exposición pedagógica que trata de reflexionar sobre el concepto de catástrofe en la sociedad contemporánea.

Concierto de inauguración de nuevas exposiciones.
The Brontës
Sábado 8 de octubre, 22.00 horas.
Sala Plaza
Entrada gratuita
Artium. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Francia 24, 01002 Vitoria-Gasteiz
www.artium.org
Departamento de Comunicación Artium

Exposiciòn de Alighiero Boetti uno de los artistas màs destacados de la corriente del Arte.

2011-10-05T09:18:00.003-03:00

Estrategia de Juego es la mayor retrospectiva en torno a Alighiero Boetti (Turín 1940-Roma 1994) que se ha organizado hasta el momento y la primera muestra que sobre él se realiza en España. Organizada conjuntamente por el Museo Reina Sofía, la Tate Modern de Londres y el Museum of Modern Art de Nueva York, alrededor de ciento cincuenta obras componen la exposición, que abarcará toda su trayectoria artística, desde 1966 hasta su temprana muerte acaecida en 1994.

Las obras reunidas en la exposición proceden de importantes colecciones internacionales; el MoMA ha prestado cinco obras, hay cesiones de instituciones italianas de primera fila, como la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Roma, y préstamos del Dallas Museum of Art o el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt. Hay varias piezas que se exhiben al público por primera vez, como por ejemplo Senza titolo (“Sin título”, 1969), un gran panel conformado a partir de etiquetas infantiles, y algunos tapices, cruciales para tener una visión completa del trabajo de Boetti.

Legnetti Colorati (Palitos de Colores), 1968. Madera, pintura acrílica y gomas elásticas. 35 cm de diámetro cada pieza, 160 cm de diámetro total. Colección privada. ©Alighiero Boetti by SIAE/VEGAP, 2011

Con esta antología se pretende destacar la capacidad de Alighiero Boetti para transformar materiales sencillos, seriados, industriales, en una obra de arte, así como la complejidad conceptual, visual y estética de sus trabajos. Tras un largo periodo de estudio y documentación, los comisarios —Lynne Cooke, Christian Rattemeyer y Mark Godfrey—, con el apoyo del Archivio Alighiero Boetti y la Fondazione Alighiero e Boetti, han realizado una cuidada selección de trabajos, prestando especial atención en mostrar al singular creador como una de las figuras más fascinantes e influyentes en el arte de la segunda mitad del siglo XX.

Alighiero Boetti es uno de los artistas más destacados de la corriente del arte povera, que surgió en su Turín natal y cuyo término fue acuñado por el crítico Germano Celant en 1967. Sin embargo, dos años más tarde se desvinculó de ese movimiento con rotundidad, criticando duramente sus excesos. Aun siendo muy reacio a las clasificaciones, se convirtió en un referente original para toda una generación de artistas contemporáneos, italianos e internacionales.

Creador curioso e inclinado a la experimentación, Boetti trabajó con una amplia gama de herramientas, técnicas y materiales: papel, plexiglás, yeso, cristal, aglomerado, madera, tela… Para su sistema de pensamiento y trabajo no constituían únicamente un medio, sino un fin en sí mismos. De este modo explotaba y valoraba las características intrínsecas de cada material y cada uno de sus procesos.

La exposición da cuenta de toda su trayectoria, desde sus primeras producciones, cercanas al arte povera, hasta el resultado de sus múltiples trabajos colaborativos. Arranca con una muestra de su obra temprana, donde se podrá ver Ping Pong (1966), compuesta de dos cajas que flanquean la puerta de acceso a la sala y se iluminan alternativamente; o Colonna (“Columna”, 1968), realizada con hierro y papel. De su frenética actividad artística en los últimos años de la década de los sesenta también surgió una de sus obras más célebres, Manifesto (1967), serie de carteles impresos que consistían en una lista de dieciséis artistas relacionados con el arte povera. Junto a cada uno de los nombres aparecen unos símbolos que parecen codificar las relaciones entre los miembros del grupo, aunque no existe un código que permita descifrarlos.

Más adelante se hallan expuestas Emme i elle elle e… Millenovecentosettanta (“Mil novecientos setenta”), de 1970, una de las varias piezas de madera lacada que Boetti realizó; incisiones y graffiti de la segunda mitad de los sesenta, como I VEDENTI (“Los Videntes”,1967) o Scrittura graffita (“Escritura esgrafiada”, 1968), realizadas sobre cemento o yeso; y los lavori biro, hechos con bolígrafo con amigos y conocidos, con títulos como aelleigiaccaeieerreobioetitii (1973) o Mettere al mondo il mondo a Roma nella primavera dell'anno mille novecentosettantotto pensando a tutto tondo (“Traer al mundo el mundo en Roma en la primavera del año mil novecientos setenta y ocho pensando en todo”, 1978).

En una sala dedicada a la idea del tiempo en la obra del artista, se recogen trabajos tan representativos como el evocador L’Albero delle ore (“El Árbol de las horas”), realizado en 1979 sobre tejido, o el Calendario, un trabajo que se prolongó de 1974 a 1994 y se compone de 17 paneles de papel. También se ve otro de sus trabajos más representativos dentro de su producción povera, realizado en 1966: Lampada annuale (“Lámpara anual”), que consiste en una bombilla que, colocada en una caja de madera, se enciende únicamente durante once segundos al azar cada año.

Este bordado es la primera incursión en una serie de trabajos en los que Boetti utiliza mapas que perfilan zonas en conflicto. Precisamente, puede verse también una selección de su serie Mappa, realizada entre 1971 y 1994, y sin duda su trabajo más icónico. Se trata de un conjunto de bordados realizados a mano en colaboración con artesanos de Afganistán y Pakistán, países, especialmente el primero, con los que Boetti mantuvo una estrecha relación y a los cuales viajó en repetidas ocasiones. Estos bordados de gran formato — alguno llega prácticamente a los tres metros por seis— reproducen mapamundis en los que la extensión de cada uno de los países está cubierta por su propia bandera. Boetti diría, a propósito de esta serie, que el mapa bordado le parecía “la más alta forma de belleza”.

Debido a su interés por el trabajo colaborativo y no protagónico, el artista aseveró que no había hecho ni elegido “nada” con respecto al resultado final, puesto que las banderas no las había diseñado él, y que lo que emergía del trabajo “es el concepto: el resto es una cuestión de elección”. Sin embargo, Mappa muestra como expresa Christian Rattemeyer, un extraordinario rango y diversidad en color, formato y, lo que es más importante, geografía política. Es un trabajo “profundamente marcado por el tiempo y la Historia”. En esta misma línea se exhiben dos tapices titulados I mille fiumi più lunghi del mondo (“Los mil ríos más largos del mundo”), de grandes dimensiones, que datan de finales de los setenta y con ellos una serie de libros editados por Boetti que repasan y clasifican los ríos de la Tierra.

Las siguientes salas dan cuenta de los primeros trabajos realizados por el artista, en especial sus primeros dibujos, y otra de sus más emblemáticas contribuciones, su obra epistolar: Los Viaggi postali (“Viajes postales”), iniciados en 1969, son una serie de cartas que Boetti enviaba a amigos y conocidos utilizando direcciones inventadas, creando así una red conceptual alrededor del mundo que conectaba al artista y a sus allegados, indagando en las posibilidades del sistema postal como medio de creación.

Otra serie destacada de su producción es Tutto (“Todo”), dos tapices de gran formato que Boetti realizó en los últimos años de su vida (1989, 1992–93 y 1994), donde el artista diseñó campos de formas y objetos imbricados, ejecutados con gran profusión de color. Estos trabajos constituyen, en palabras de Rattemeyer, “celebraciones de la inmensa diversidad y diferencia de las cosas sobre la Tierra”, mostrando al artista en su faceta “más jubilosa”. También hay que destacar los Aerei Ordine e disordine (“Orden y desorden”), completado en 1973, es también un trabajo clave en la trayectoria de Boetti. Consiste en un centenar de tapices elaborados con letras de colores que el artista entregaba a bordadoras afganas y pakistaníes para que eligieran su composición final. Esta serie no indica únicamente la predilección del artista por los juegos de palabras, la diferencia, el azar y la probabilidad, sino que subraya que el orden y el desorden son realidades geopolíticas que estructuran el mundo de un modo que puede llegar a tener graves consecuencias.

Las últimas salas recogen los juegos y trabajos manuales: I VEDENTI (“Los Videntes”), es una inscripción hecha sobre una superficie de yeso realizada en 1967 y un tapiz elaborado en 1973 por bordadoras afganas, donde cada línea tiene un color de hilo diferente. Los kilims —tapices utilizados como alfombra— son tejidos hechos en Afganistán y basados en un sistema numérico derivado de los dibujos que realizó el artista a mediados de los setenta.

Sobre el Artista
Alighiero Boetti nació en Turín en 1940. Allí se introdujo inicialmente en la corriente del arte povera y asimiló el interés por las instalaciones simples, con materiales sencillos, la relación cambiante entre la elaboración y la presentación de la obra de arte. Poco después cambió radicalmente de estilo de trabajo y, en palabras de Christian Rattemeyer, legó una producción de obra “impredecible, altamente inventiva, lúdica y poética”, que va desde el dibujo, la pintura y la escultura, hasta el mail art, prácticas conceptuales, el bordado y el tapiz.

Sus creaciones escapan de cualquier clasificación convencional, buscando una lógica y un desarrollo intrínsecos a su trabajo. Boetti fue un artista inquieto, curioso y prolífico, y abrazó la colaboración y el azar, a las que llamaba “felici coincidenze”, y que frecuentemente colorean su obra.

El artista se interesó siempre por probar materiales nuevos, cada vez distintos, y también por viajar a lugares remotos que podían abrirle nuevas posibilidades. En 1971, precisamente viajó por primera vez a Afganistán, país que seguiría visitando intermitentemente hasta 1979, hasta que la invasión soviética imposibilitó la entrada al país. Además de la curiosidad por los lugares remotos, no es casual que fuera ése el país que eligió para sus viajes: sentía una gran fascinación por un antepasado suyo, Giovan Battista Boetti, que en siglo XVIII se convirtió al Islam en un viaje a Constantinopla. Asimismo, Alighiero Boetti veía la cultura afgana como “resistente” y mantenida a lo largo del tiempo por medio de la elección y el esfuerzo.

Para él, la creación colaborativa y no protagónica tenía especial importancia: valoraba y apreciaba trabajar con sus ayudantes y conocidos cercanos, así como artesanos de cualquier lugar del mundo. De este modo desarrolló un sistema de pensamiento creativo que contenía varios principios de dualidad: norma y excepción, lógica e indeterminación, orden y desorden, singularidad y multitud, similitud y diferencia, clasificación y desbordamiento, masculino y femenino, ver y no ver. El propio título de la exposición, Estrategia de Juego, tiene en cuenta estas dualidades: unos y otros cohabitan y se retroalimentan, creando la poesía que define y eleva toda su obra.

Catálogo
La muestra se completará con la producción de un catálogo, en inglés y en castellano, publicado por las tres instituciones implicadas en este proyecto. En él, se incluirán más de 140 imágenes y contará, entre otros, con ensayos de los comisarios: Lynne Cooke (Museo Reina Sofía), Mark Godfrey (Tate Modern, Londres) y Christian Rattemeyer (MOMA, Nueva York).

Alighiero Boetti
Estrategia de Juego
Del 4 de octubre de 2011 al 5 de febrero de 2012

Organizan: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Tate Modern, Londres y The Museum of Modern Art, Nueva York
Comisarios: Lynne Cooke, Mark Godfrey, Christian Rattemeyer
Coordinación: Soledad Liaño
Itinerario: Tate Modern (Londres) (28 febrero – 27 mayo 2012)
The Museum of Modern Art (Nueva York) (26 junio – 1 octubre 2012)
Actividades Paralelas
Encuentro alighiero boetti. estrategia de juego
Conversación con Lynne Cooke, comisaria de la exposición; Robert Lumley, profesor de historia cultural italiana en el University College London y Christian Rattemeyer, comisario de la exposición y conservador de dibujo en el MoMA, Nueva York.
Fecha: 5 octubre 2011
Hora: 19.30h
Lugar: Edificio Sabatini, Auditorio
Entrada gratuita hasta completar aforo
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Edificio Sabatini, 3ª planta
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
www.museoreinasofia.es

¿Què nos cuentan los objetos?. Prosa y poètica del mundo.

2011-10-04T08:01:00.002-03:00

/Poesìa/
Una de las más poderosas capacidades del arte es la de transformar nuestra mirada hacia los objetos que conforman nuestro mundo. En este sentido muchos artistas centran su práctica en la activación de objetos en apariencia intrascendentes con el fin de desencadenar nuevas tramas de sentido que vayan más allá de un materialismo positivista, y con ello niegan toda realidad cuando ésta aparece excesivamente reafirmada. Bien sea mediante el uso de estrategias apropiacionistas de raíz duchampiana, otras más cercanas al surrealismo de los objetos encontrados, o a aquellas del détournement situacionista, estos actos creativos se centran en generar nuevas formas de relación con nuestro entorno. Es entonces cuando el arte muestra su forma más resistente, cuando la pipa de Magritte deja de ser una pipa y comienza a actuar como un objeto de contrainformación, o de doble afirmación, que solamente tiene sentido en la medida en que exige a nuestros ojos que recuperen la mirada perdida.

En ¿Qué nos cuentan los objetos? Prosa y poética del mundo cotidiano contaremos con la presencia de teóricos y artistas para analizar con ellos y con algunas de sus propuestas asuntos que afectan a nuestro modo de situarnos y mirar el mundo. Activar los objetos hacia la generación de nuevas narrativas probablemente será sólo un punto de partida para los debates; pensar los objetos desde la mirada del arte quizás sea la única forma de descubrir tanto su capacidad dialéctica como una nueva capacidad de agencia aún desconocida.

¿Qué nos cuentan los objetos? Prosa y poética del mundo cotidiano
Miércoles 26 de octubre – 30 de noviembre de 2011, de 18:30 a 20:00 h.
Dirigido a cualquier persona interesada en el arte actual
No es necesario conocimiento previo.
Inscripción gratuita a través de esta web o en 91 276 02 27 a partir del 3 de octubre.
Inscripciones online: http://ca2m.org/es/inscripciones
Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar aforo.

Programa
Miércoles 26 de octubre
Presentación del curso
Ferran Barenblit. Director del CA2M

Introducción
Yayo Aznar. Doctora en Historia del Arte, en la actualidad es Profesora Titular de Universidad en el Departamento de Historia del Arte de la UNED de Madrid. Entre sus publicaciones destacan libros como “El cauce de la memoria. Arte en el siglo XIX” (Madrid, Istmo, 1998), “Arte de acción” (Madrid, Nerea, 2000), “La memoria pública” (Madrid, UNED, 2002), “El Guernica” (Madrid, Edilupa, 2004) o “La memoria compartida. España y Argentina en la formación de un imaginario cultural” (Buenos Aires, Paidós, 2005). Es además codirectora, junto a Javier Hernando, de la colección Arte Hoy, publicada por la editorial Nerea.

Miércoles 2 de noviembre
Mateo Maté. Madrid, 1964. Artista. Su trabajo reflexiona acerca de la existencia a partir de una serie de elementos que conforman su entorno doméstico. En muchas ocasiones subvierte las funciones y formas de algunos objetos cotidianos haciendo uso de la ironía; en otras, redispone algunos de sus objetos personales con la finalidad de conseguir dar respuesta a algunos de sus interrogantes vitales. Ha realizado numerosas exposiciones individuales como “Área restringida” (Museo sequeiros de México D.F., 2011), “UCI.Unidad de Cuidados Intensivos” (Circulo de Bellas Artes de Madrid, 2010), “Viajo para conocer mi geografía” (Matadero de Madrid, 2010) “Reliquias de artista” (Museo Patio Herreriano de Valladolid, 2008), y otras tantas colectivas. Su obra “Nacionalismo doméstico” forma parte de los fondos de la colección CA2M.

Miércoles 9 de noviembre
Pablo Martinez. Director del curso y responsable de educación y Actividades Públicas del CA2M. Profesor asociado de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes. Universidad complutense de Madrid.

Miércoles 16 de noviembre
Eulalia Valldosera. Villafranca del Penedès, 1963. Artista cuyo trabajo ha girado desde los inicios de su trayectoria en torno a tres constantes: el propio cuerpo, los entornos domésticos y la relación con el otro. Muchas de sus instalaciones parten de situaciones y generan nuevas narrativas en torno a objetos. Ha participado en las bienales de Sydney (1996), Johannesburgo (1997) y Estambul (1997) así como en la Manifesta I de Rótterdam (1996) hasta las más recientes en Yokohama en 2001 o Sao Paulo en 2003, sin olvidar su presencia en el Skulptur Projekte en Münster (1997) y la Bienal de Venecia (2001). En el año 2000 el Witte de With de Rótterdam y la Fundación Tàpies de Barcelona organizaron su primera retrospectiva. En 2009 lo hace el MNCARS Museo de Arte Reina Sofía con la muestra “Dependencias”.

Miércoles 23 de noviembre
Sara Ramo. Madrid, 1975. Artista que vive y trabaja entre Belo Horizonte (Brasil) y Madrid. El trabajo de Ramo se adentra en la búsqueda de nuevos sentidos para aquellos objetos que han perdido su función originaria. Con estos objetos crea instalaciones y situaciones en las que se nos presenta el mundo en crisis. Muchos de sus trabajos tienen el mismo denominador común: “la utilización de cualquier objeto como material para proponer juegos, cambios de sentido”. En estos momentos está preparando la exposición colectiva “Sin Heroísmos, por favor” que comisariada por Tania Pardo se inaugurará en el CA2M el próximo mes de marzo. Entre sus exposiciones individuales destacan “Bienvenido” en el Centro Cultural de España y el EAC de Montevideo (2011), “Crossing Landscapes” en la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turin, Italia (2009) y “Traslado” en PHotoEspaña, Madrid (2009).

Miércoles 30 de noviembre
Ignasi Aballí. Vive y trabaja en Barcelona. Su práctica artística está muy próxima al arte conceptual y se aproxima a los objetos del mundo cotidiano desde distintas posiciones e intenciones que van de la clasificación a la simple exposición de los objetos al paso del tiempo. En la última década ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Entre las individuales destacan las realizadas en Pinacoteca do Estado, São Paulo, Brasil (2010); Meessen de Clercq, Bruselas (2008); Museo Serralves, Oporto (2006); ZKM, Karlsruhe (2006); Ikon Gallery, Birmingham (2006) o MACBA, Barcelona (2005). Asimismo, ha participado en la 8 Bienal de Sharjah, Emiratos Árabes (2007), la 52 Bienal de Venecia (2007) o la 11 Bienal de Sidney (1998). Su obra “Fotografía para jardines” forma parte de los fondos de la colección CA2M, y ha participado en la exposición colectiva “Antes que Todo” celebrada en el CA2M y comisariada por Aimar Arriola y Manuela Moscoso.

Centro de Arte Dos de Mayo
Avda Constitución 23
28931 Móstoles, Madrid
Cercanías: C5 Móstoles
Metro: L12 Pradillo
Prensa CA2M

Rècord de expositores y visitantes en Arte Espacio almacèn de arte 2011

2011-10-03T08:20:00.001-03:00

/El Arte al Dìa/
Finalizó la Feria de Arte Contemporáneo de San Isidro
Más de 18.200 personas visitaron la Feria de Arte Contemporáneo en San Isidro, un 30% más que en 2010.
170 artistas exhibieron sus creaciones en los más de 6.000 m2 de ARTE ESPACIO almacén de arte 2011.
La característica distintiva de esta feria: el contacto directo entre el artista y el público, un concepto que atrae a todos.
Buenos Aires, 29 de septiembre de 2011.- Finalizó ARTE ESPACIO almacén de arte 2011 con resultados excelentes para artistas, sponsors, visitantes, organizadores y para el público en general. 170 artistas presentaron su obra en 6000 m2 del Espacio Darwin del Hipódromo de San Isidro, un 60% de ellos no habían estado en las ediciones anteriores, y esto se hizo para dar lugar a nuevas propuestas de excelente calidad artística. Para 2012, ya hay una lista de candidatos muy atractiva.

San Isidro fue sede de las más variadas expresiones artísticas contemporáneas que ofrecieron un momento de distención y atenta observación a quienes pasaron por esta feria. El mix de público fue muy interesante: galeristas, coleccionistas, empresarios, público local y extranjero, ávidos por comprar arte de una forma más fácil, diferente.

Durante los cinco días de la feria, el público visitó la muestra con entusiasmo y el comentario general fue la excelente calidad de las propuestas presentadas, tanto a nivel de pinturas y esculturas como de instalaciones, fotografía, performances y servicios de valor agregado para los visitantes.

ARTE ESPACIO almacén de arte es una feria de arte contemporáneo que ya cuenta con tres años en el mercado. Quienes la visitan desde la primera edición pudieron percibir la evolución de los artistas que participaron desde sus orígenes, incorporando técnicas actuales a sus obras como, por ejemplo, el ploteo, las fotografías intervenidas, la utilización de la computadora, entre muchas otras técnicas novedosas que aplican a su obra actual.

La participación general, tanto del público como de artistas, fue notable. Asimismo, para el concurso “INSTANTES” de fotografía de “toma directa” auspiciado por SANYO, se inscribieron casi 900 candidatos, todos con propuestas divertidas y originales. Luego, en el stand del sponsor, se vieron no sólo las fotos ganadoras sino también las de todos los participantes, un hecho que estimula a los nuevos “valores” de esta disciplina y hace que se pueda presentar una propuesta más abarcadora.

El Premio Estímulo ARTE ESPACIO 2011 (un stand sin costo para el año próximo) lo ganó Dante Poletto

Una de las características de ARTE ESPACIO almacén de arte es que todos los artistas también presentaron obras de formato chico (hasta 49cm x 37cm), que se enmarcaban mientras el público recorría la muestra, a precios muy accesibles. Esta modalidad ya se instaló entre los visitantes, que se llevaron obra enmarcada a sus casas.

Vale destacar que el “Arte Sustentable” fue protagonista en ARTE ESPACIO almacén de arte 2011, con propuestas realizadas por artistas conocidos, otros nuevos y con la colaboración de la comunidad de San Isidro, a través de la ayuda de varios colegios de zona Norte, cuyos alumnos de Nivel Primario, convocados por Josefina Arauz Castex, contribuyeron con la recolección y clasificación de material en desuso que luego fue utilizado por el artista David Klauser para crear obra “en vivo” en una de las tribunas del Hipódromo de San Isidro. Todo será donado a la institución “Envión”, centro de reinserción de jóvenes en situación de vulnerabilidad.

ARTE ESPACIO almacén de arte 2011 fue declarada de Interés Municipal y Cultural por la Municipalidad de SAN ISIDRO, Provincia de Buenos Aires. Y apoyaron la iniciativa empresas de primera línea: Banco Citi, Chubb Seguros, Sanyo, Soleil, Gol Mobile, Darwin San Isidro, Guillen Catering e Hileret.

Parte de los ingresos de esta feria de arte contemporáneo en San Isidro son destinados a la compra de instrumental hospitalario para la Cooperadora del Hospital Materno Infantil “Dr. Carlos Gianantonio” de SAN ISIDRO, Provincia de Buenos Aires.

“El público es inteligente; cuando la propuesta es interesante, sorprende y llena sus expectativas, la gente acompaña” –afirmó Julia Alemán de Arauz Castex, una de las organizadoras y directora de ARTE ESPACIO almacén de arte-. “Eso quedó demostrado en esta última edición. Con tan sólo tres años, el público nos identifica como la feria de arte de zona Norte y nos enorgullece el hecho de que ya forme parte del circuito de arte de Buenos Aires. Por otro lado” - enfatizó Julia-, “vale destacar que el objetivo de ARTE ESPACIO almacén de arte es presentar diversidad y un nivel artístico destacado año tras año, por eso es que en 2011 tuvimos un 60% de artistas que no habían participado en ediciones anteriores; es una forma de darles una oportunidad a quienes cuentan con un excelente potencial artístico, y que el público pueda conocerlos y valorarlos”.

ARTE ESPACIO almacén de arte – Edición 2011 se pudo realizar gracias a un equipo de excelencia compuesto por:

Dirección General: Julia Alemán de Arauz Castex
Producción Comercial: Paula Sammartino de Lonardi
Departamento de Arte: Teresa Tedín de Tognetti
Curador de muestra “Mujeres. Protagonismo y Cambio”: Prof. Horacio Safons
Coordinación Arte Espacio Joven: Francisca Ramos Mejía
Coordinación General: Marina Cornejo
Dirección Técnica: Arq. María Eugenia Manzanares
Asistente: Inés Nevares
Proyecto Colegios: Josefina Arauz Castex
Ver detalles de la feria en: www.artespaciosanisidro.com.ar

Sergio Astorga en su Octubre dedicado a Eduardo Lizalde

2011-10-01T08:34:00.004-03:00

Ampliar

/Poesìas/
Celebremos señores, verso en mano, la llegada de este otoño con el aroma mortífero de Eduardo Lizalde.
Eufórico, el otoño entra por el agujero culto e inmortal de los castaños.
Los zarpazos terrenales son de octubre.
Abrazos de cómplice remoto.

SERGIO ASTORGA

Te espero en los Antojos
http://astorgaser.blogspot.com

Convocatoria para el Museo Boliviano de Arte Contemporàneo.

2011-09-30T19:05:00.004-03:00

/Convocatorias/

CONVOCATORIA A EXPOSICIONES INDIVIDUALES EN EL MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE CONTEMPORANEO

Maria Cristina Agudelo Guerrero ·Proyectos en Museo Bolivariano de Arte Contemporaneo

Para: Cristina Faleroni, Deirdre Dickens, Barbara Dicorato, Antonia Di Falco, Anna Maria Di Paolo, Prof. John Dishman, Barbara Dr. Aust-Wegemund, Ainat Drawings, SO Duffau

Fecha: 30 de septiembre de 2011
CONVOCATORIA PARA EL CICLO DE EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2011

Beca para la realización de exposiciones individuales en espacios de exhibición regional
Programa Nacional de Estímulos 2011
Ministerio de Cultura

El Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo invita a todos los artistas de la región caribe a participar en su convocatoria para seleccionar dos artistas para la realización de exposiciones individuales sobre obra ya creada en el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo de la ciudad de Santa Marta durante el año 2011.

Los artistas seleccionados serán incluidos por el Ministerio de Cultura en el listado de preselección para el próximo Salón Nacional de Artistas y presentados por el Museo Bolivariano a los curadores Sandra Levinson, Directora del Cuban Art Center de Nueva York y Corina Matamoros, curadora del Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana Cuba.

Quienes pueden participar:

Artistas colombianos entre 25 y 50 años de edad, nacidos o radicados en los departamentos de Atlántico, Bolívar, Cesar, Córdoba, Guajira, Magdalena y Sucre; que puedan acreditar al menos 3 exposiciones colectivas a la fecha de presentación.

Requisitos para participar:

• Haber nacido y/o residir en los departamentos de Atlántico, Bolívar, Cesar, Córdoba, Guajira, Magdalena y Sucre.
• Tener entre 25 y 50 años de edad a la fecha de presentación.
• Presentar una propuesta de exhibición en el espacio propuesto por el Museo Bolivariano, con una o varias obras de su autoría.
• Acreditar al menos 3 exposiciones colectivas a la fecha de presentación

Documentos que se deben remitir:

• Formulario de inscripción debidamente diligenciado y firmado por el artista
• Fotocopia de la cedula
• Hoja de vida
• CD ROM o DVD con propuesta de exhibición que incluya:
o Imágenes de las obras propuestas debidamente etiquetadas con la siguiente información: autor, titulo, fecha, técnica y medidas (exactas). Las imágenes tendrán 300 dpi y 3000 pixeles por su lado más ancho.
o Para el caso de videos, animaciones y otros contenidos audiovisuales informar también la duración de los mismos.
o Plano con la propuesta de exhibición
o Requerimientos técnicos de montaje
• Portafolio o dossier (físico o digital)
• Formato: licencia de uso, debidamente diligenciado y firmado por el artista. (anexo No. 1)

Donde remitir los documentos:

Los documentos deben remitirse por correo certificado o entregarse personalmente en las oficinas del museo:

Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo
Taquilla
Avenida Libertador S.N. Quinta de San Pedro Alejandrino
Santa Marta – Colombia

También puede diligenciar su inscripción en línea en la página www.museobolivariano.org.co y adjuntar los archivos que ahí se solicitan.
Premios y beneficios:

• Dos (2) exposiciones individuales de 8 semanas cada una en el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo de la ciudad de Santa Marta (una por artista).
• Dos (2) Premios por valor de $ 3.000.000.00 cada uno, a los artistas seleccionados.
• Los artistas seleccionados serán un insumo adicional dentro de la conformación del 43 Salón Nacional de Artistas y serán dados a conocer por el Ministerio de Cultura al comité curatorial respectivo
• Presentación del portafolio a los curadores Sandra Levinson, Directora del Cuban Art Center de Nueva York y Corina Matamoros, curadora del Museo Nacional de Bellas artes de la Habana Cuba.
• 20 ejemplares de los catálogos digitales que se publiquen.

Compromisos de las partes:

Compromisos de los artistas ganadores:

1. Poner a disposición del Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo las obras seleccionadas en los tiempos y términos establecidos en la presente convocatoria.
2. Asegurar la conservación de la obra hasta su momento de entrega al Museo Bolivariano
3. Autorizar al Museo Bolivariano el uso de las imágenes y registros de las obras en medios impresos y/o electrónicos para la publicidad, prensa, catálogo, página web, guías de estudio, archivo, documentación y propósitos educativos relacionados solamente con la exposición.
4. Participar en los procesos de divulgación que demande el ciclo de exposiciones y que le serán notificados por el Departamento de Prensa del Museo Bolivariano (entrevistas y registros)
5. Entregar a la oficina de contabilidad los documentos exigidos para la cancelación del premio (cedula, cuenta de cobro y RUT)
6. Asistir a la ceremonia de inauguración y al conversatorio que se realizara al día siguiente
7. Preparar su portafolio para la presentación a los curadores invitados por el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo al evento

Compromisos del Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo:

1. Cumplir los términos establecidos en la presente convocatoria
2. Recoger y embalar las obras seleccionadas (ida y regreso)
3. Pagar a los artistas seleccionados el premio establecido en esta convocatoria
4. Entregar a los artistas seleccionados 20 ejemplares de los catálogos digitales que se editen
5. Presentar los portafolios de los artistas seleccionados a los curadores Sandra Levinson, Directora del Cuban Art Center de Nueva York y Corina Matamoros, curadora del Museo Nacional de Bellas artes de la Habana Cuba.
6. Entregar al Ministerio de Cultura el fallo de premiación, los portafolios y los catálogos que se publiquen para la presentación por el Ministerio de Cultura al comité curatorial del 43 Salón Nacional de Artistas

Cronograma de la convocatoria:

ACTIVIDAD FECHA

Apertura de la convocatoria 1° de Octubre de 2011
Cierre de la convocatoria 5 de Noviembre de 2011
Publicación de participantes admitidos 26 de Noviembre de 2011
Fallo de premiación 1° de diciembre de 2011
Inauguración exposiciones 14 de diciembre de 2011
Exposición Entre el 14 de diciembre de 2011 y el 14 de febrero
de 2012

Criterios de evaluación y publicación del fallo:

La evaluación de las propuestas se hará de acuerdo con las siguientes consideraciones:

• Trayectoria del participante
• Pertinencia con los lineamientos de la convocatoria
• Aporte al desarrollo artístico de la región

Las deliberaciones del jurado serán publicadas en la página web del Museo: www.museobolivariano.org.co y del Colectivo de Artistas de Espacios Alternativos: www.espaciosalternativos.org , y notificadas a los participantes a sus correos electrónicos.

PLANO DE ESPACIO DONDE SE REALIZARA LA EXPOSICION:

Señores artistas, para efectos de presentar su propuesta de exhibición, favor utilizar el siguiente plano: (también puede conseguirse en la página web del museo: www.museobolivariano.org.co )

PARA MAYOR INFORMACION COMUNIQUESE CON:
MARIA CRISTINA AGUDELO
Proyectos
Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo
TELEFONOS: (095) 4330589 O CELULAR 301-3356799
MAIL: laboratorios_adm@museobolivariano.org.co

"Dos deseos" Tapices y Esculturas de Alba Campo y Gianni Lo Faro

2011-09-30T08:59:00.002-03:00

Alba Campo y Gianni Lo Faro presentan en el Museo de Escultuas Luis Perlotti, del 30 de septiembre al 23 de octubre, la muestra ‘Dos Deseos’. Durante la apertura de la muestra, el Grupo de Danza Teatro Hecatumbe presentará las obras "Historias paralelas" y " Un mundo con mujeres". Dirección Irina Esquivel. Bailarines: Lara Dilascio, Rocío Cardín, Francisco Veraldi, Amalia Farinato, Lucía Tamayo.

No existe artista - fundamentalmente, el que se dedica a las artes plásticas - que no haya iniciado su primera producción, en el estudio de la naturaleza; no es casual, porque él mismo, cuando niño produjo una representación abstraccionista de la naturaleza, "el monigote" es la fiel imagen de lo que estamos expresando.

Lo que ocurre, es que la naturaleza envía de alguna manera mensajes abstractos; ¿qué es el viento?, ¿qué es el calor?, ¿qué es la noche serena o el trinar de un pájaro al amanecer?...sino mensajes que el ser humano recibe y lo metaboliza en lo más profundo del alma.

El artista plástico, también como todos recibe ese mismo mensaje, con la diferencia que los recicla y devuelve a la luz convertidos en obras de arte; no discutiremos la calidad, la creatividad o la técnica de las mismas, pero eso sí, son tangibles, son concretas, son visibles, no son teorías conceptuales emitidas por críticos devenidos de artistas frustados con pobres aspiraciones en dejar marcado un rumbo en la historia.

Esta muestra que presentan Alba Campo y Gianni Lo Faro es lo que expresamos a partir de la realización producida por sus manos e imaginadas a partir de un "clic" en la mente de cada uno de ellos.

Los tapices de Alba, de impactante colorido, con ciertas reminiscencias telúricas, donde se incluyen elementos extra textiles para enriquecer esta técnica, mantienen un lenguaje abstraccionista proveniente de los pueblos, verdaderos dueños de estas tierras americanas, una geometría simbolista de composición cerrada que se libera en sus últimos trabajos.

Gianni, donde la madera es la materia prima predominante en sus esculturas, le da pie para aprovechar de la caprichosa veta de su intrínseca estructura en obras que acompañan esa línea casual que la "natura" le brindó. La figuración y la abstracción son los extremos en la realización pendular, donde la paciente pulcritud en los pulidos planos demuestran el conocimiento de una técnica madura.

Si bien cada uno de estos artistas tienen un lenguaje propio y una imagen que los identifica unilateralmente, hay en ellos puntos de contacto que no son muy comunes en la plástica actual. El amor por lo que producen, la profesionalidad con la que tratan sus obras, la responsabilidad en el "hacer", y fundamentalmente su creatividad en el alegre silencio del taller los destaca, no por lo que podemos decir, sino por lo que las propias obras envían el mensaje que de ellas brotan.

Prof. César Ariel Fioravanti

Museo de Esculturas Luis Perlotti
Pujol 644 - (1405) - Ciudad de Buenos Aires
Teléfono: (011) 4 431-2825
www.museos.buenosaires.gov.ar
Horario: martes a domingos y feriados de 11 a 19 hs. Entrada general $1. Miércoles y viernes gratis.
Fuente: Prensa Dirección General de Museos

Muriò el Artista Plàstico Valentìn Malaver.

2011-09-29T07:45:00.002-03:00

/Otros temas/
Puerto La Cruz.- Un accidente de tránsito acabó con la vida del joven artista plástico Valentín Malaver, escultor, docente, originario de la Isla de Margarita.

Sus restos fueron velados en la ciudad porteña y trasladados al mediodía de ayer a Margarita, para su sepelio hoy jueves.

El artista regresaba de Maturín, y llegando a Barcelona, volcó su vehículo, en el sector Curataquiche, perdiendo la vida inmediatamente.

El escultor Gilberto Bejarano, organizador de la Bienal Nacional de Puerto La Cruz, relató que Malaver se destacó a sus 43 años, como un gran creador y ya se había consolidado como artista en esta especialidad y como profesor.

El Arte digital de Pedro Morales.

2011-09-28T09:07:00.002-03:00

El lenguaje abstracto-tecnológico que conceptualiza la obra del artista venezolano Pedro Morales, constituye el eje central de la exhibición “De Redes y Cadenas”, con la cual la Galería D’Museo inaugurará su nueva sede en el Centro de Arte Los Galpones, el próximo domingo 02 de octubre a las 11:00 de la mañana.

Una veintena de piezas que poseen un mensaje oculto basado en la obra poética de Rafael Cadenas, dan cuenta de la innovadora propuesta artística de Pedro Morales (Maracaibo, Venezuela; 1958), quien convencido de la validez de la noble relación entre tecnología y belleza a través del arte digital, desarrolla su obra desde un laboratorio artesanal donde la tecnología se altera y se descompone sucesivamente, creando piezas originales con un carácter interactivo.

A este tipo de trabajo, Paola Antonelli (curadora senior del MoMa) ha acuñado el término Pancomunicación, un fenómeno particular del siglo XXI: todo y todos portando mensajes y significados en todas las combinaciones posibles; mientras que Morales lo define como “la realidad más allá de lo aparente, que desde sus comienzos nos habla de la vivencia interior e intimista”.

El curador venezolano Gerardo Zavarce, afirma que el recorrido creador de Morales se distingue por la incorporación de las nuevas tecnologías digitales como núcleo esencial de sus indagaciones creativas, luego de que en 1988, este artista transformara radicalmente su orientación pictórica al abandonar los medios tradicionales como el pigmento, el lienzo y la tela, para asumir el computador como instrumento para potenciar sus horizontes estéticos.

“De esta manera, inicia el camino hacia lo que el propio artista denominó: la desmaterialización de la imagen pictórica. Es decir, producir una imagen utilizando exclusivamente las propiedades que brinda el computador como instrumento para su creación; por tanto, una imagen que emerge al territorio sensible como resultado de la simbiosis fecunda del creador, el software y el hardware”, explica Zavarce.

Con la construcción de un lenguaje propio a partir de lo digital, Pedro Morales crea un cuerpo de trabajo que ha recorrido desde los hologramas y estereogramas, las animaciones digitales que integran sonido e imagen en movimiento, los videojuegos, los dispositivos de realidad virtual, y la incorporación de la web como soporte de contenidos y dispositivo de difusión; hasta las exploraciones recientes del artista, que implican el uso de tecnología aplicada a la telefonía móvil (QR Codes, HCCB codes) y la incorporación de técnicas de impresiones en 3-D, según señala el curador Gerardo Zavarce.

De esta manera, la tecnología cobra belleza en las obras de este artista (cuadros, bordados digitales, tótems, móviles, y columnas), que inscritas en el Mobile Tagging Art, muestran expresiones artísticas desde códigos interactivos y el desarrollo de piezas impresas en 3D, las cuales utilizan tecnología integrada a equipos de telefonía celular, que permite leer contenidos simplemente apuntando a estos códigos con el teléfono.

Pedro Morales
“De Redes y Cadenas”
Del 2 de octubre al 06 de noviembre de 2011
Galería D’Museo
Centro de Arte Los Galpones
Avenida Ávila con 8va transversal de Los Chorros
El horario de exposición es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m., y los domingos de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. La entrada es libre.

Festejamos el cumpleaños de GOOGLE en sus 13 años de vida.

2011-09-27T07:19:00.002-03:00

/Otros temas/
Google estrena un nuevo 'doodle' para celebrar el 13 aniversario de la compañía. Las tradicionales letras del logo de Google se ponen un simpático gorro de fiesta y se preparan para soplar 13 velas en el nuevo diseño. Google celebra de esta manera la fundación de la compañía en septiembre de 1998.

El último 'doodle' de la compañía consiste en una felicitación propia que celebra los primeros 13 años de Google. La compañía nació en septiembre de 1998, fruto del trabajo de final de carrera de Larry Page y Sergey Brin. Ambos estudiaban un doctorado en Ciencias de la Computación de la Universidad de Stanford, y diseñaron el motor de búsqueda como su tesis doctoral. Después de 13 años, Google se ha convertido en mucho más que un motor de búsqueda y actualmente es una de las compañías más valiosas del mundo. La compañía se ha convertido en el buscador líder, con un dominio del sector indiscutible. El resto de productos de Google llevan el mismo camino de éxito que el motor de búsqueda, y poco a poco van ganando terreno a sus rivales. El navegador Chrome cada vez está más cerca de Internet Explorer y Firefox, Android ya es el sistema más vendido en buena parte del mundo y Google Maps es el sistema de cartografía de referencia.

El diseño escogido para conmemorar el aniversario transforma el logo en una auténtica fiesta. El logo adopta profundidad y relieve e imita a un diseño de figuras de cera. Respetando los colores tradicionales de Google, el azul, rojo, amarillo y verde, las letras de la marca se visten con un gorro de fiesta y se disponen a soplar las velas de una tarta. El 'doodle' está diseñado como si fuese una clásica fotografía de cumpleaños y cuenta con un marco visible en las esquinas.

Los 'doodle' han reconocido y homenajeado a distintos personajes relevantes y fechas y eventos históricos. Google ha conmemorado el aniversario del nacimiento de artistas como Julio Verne, recordado a figuras modernas como Freddie Mercury y celebrado la llegada del verano.

¡¡FELI CUMPLEAÑOS GOOGLE Y ADELANTE SIEMPRE!!.

"Flores de un naufragio", Muestra de Ernesto Arellano

2011-09-26T07:27:00.002-03:00

El Pabellón de las Bellas Artes inaugura Sitio Específico, un nuevo espacio de exposiciones, convocando a Santiago Bengolea para invitar a diferentes artistas a intervenir los muros/ventanales, con una obra ideada exclusivamente para el Pabellón.

Este proyecto genera una nueva propuesta de diálogo entre las salas, el edificio de la UCA y Puerto Madero y además interactúa con las intervenciones coordinadas por Bengolea en la Fundación Proa y el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires), renovando lazos entre las instituciones situadas en el polo sur de la Ciudad de Buenos Aires.

El concepto medular concebido es por un lado, el uso de las diversas técnicas contemporáneas y también establecer un vínculo entre el Pabellón y su entorno.

Sitio Específico presenta al artista Ernesto Arellano iniciando la propuesta con su obra “Flores de un Naufragio”, que se inaugura el miércoles 28 de septiembre a las 18.30 hs.

Ernesto Arellano
Flores de un naufragio
Inauguración: Miercoles 28 de Septiembre, 18.30 hs.
Idea y proyecto: Santiago Bengolea
Espacio: Sitio Específico |
Pabellón de las Bellas Artes - UCA

Flores de un naufragio
Paisajes extremos, geografías lejanas
El Pabellón de las Bellas Artes de la UCA inicia un nuevo proyecto de intervenciones en las vidrieras de sus salas dando lugar a los artistas emergentes a realizar sus obras específicas para el espacio. Ernesto Arellano comienza esta propuesta con "Flores de un Naufragio", un mandala de rosas, imaginables en una tetera, un friso o un tejido.

En sus pasadas vacaciones en Río Turbio, se propuso recrear una serie de dibujos que muchos años antes había comenzado sin demasiadas exigencias. Para lograrlo empleó su método personal de asociación libre: un dibujo lleva a una comparación y esta a un concepto. O todo al revés, el concepto contiene toda la secuencia.

Lo grande que cabe en una libreta de apuntes o lo pequeño que ocupa una vidriera de veinte metros, un juego de tensiones, pero fundamentalmente un juego, permanente y gratificante, verdadero como todos los juegos, con sus reglas propias, sus participantes amorosos, la delicada línea, la mirada flúo y otros tópicos.

Decir sin mensaje, rosas, flores de un naufragio de imágenes. Mirar sin preguntar, como ya sabiendo de que se trata, los toques atentos de un contexto artístico con final abierto. Una serie de pinceladas, una geografía donde habita el deseo.

Santiago Bengolea

Pabellón de las Bellas Artes - UCA
Alicia M. de Justo 1300, PB
Martes a domingo, de 11 a 19
Entrada libre y gratuita.
Fuente: RedPrensa

Muestra del artista venezolano Josè Armando Garcìa

2011-09-25T10:02:00.002-03:00

Un conjunto de 15 obras en pequeño y mediano formato conforman la muestra Código Nanín, del artista venezolano José Armando “Nanín” García, que se exhibirá desde el próximo domingo 25 de septiembre a las 11:00 de la mañana, en la Galería Graphicart en Las Mercedes, y que podrá ser visitada hasta el 30 de octubre.

Discípulo y Asistente de Maestro del insigne artista Carlos Cruz-Diez durante más de una década (1978 -1991), Nanín ha desarrollado a lo largo de más de 20 años su propuesta artística, a la par de sus actividades como museógrafo, compositor musical, arquitecto y restaurador de obras de arte constructivista, creando un discurso plástico en el que refleja su real intención de “modelar una identidad a través de la reunión de conceptos, expresados en geometría evolutiva y sonidos”, según sus propias palabras.

Para este artista, reconocido nacional e internacionalmente por su simbología expresada por una geometría evolutiva, una de sus fascinaciones “es la reunión de las familias en la geometría: El punto –origen, el punto en movimiento – línea recta y curva; la familia de El círculo, expansión de la línea recta en si misma y soporte de creación; El triángulo, invisible, familia de energía y proyección; y la familia de El cuadrado, Angulo recto, concreción y materia. Esta mezcla de formas que se ven en la naturaleza y las formas razonadas por el hombre, traen oportunidades muy sensibles a la creatividad”.

Según afirma el maestro Carlos Cruz Diez en el texto del catálogo de la muestra, Nanín tomó al pie de la letra su recomendación e inventó un verdadero alfabeto de formas no reconocibles, pero equivalentes a las letras del alfabeto romano. “Durante la primera etapa emplazaba estas formas sobre pentagramas. Se leían como una partitura imposible de transformar en sonido. Más adelante, escribió textos indescifrables sobre grandes espacios blancos animados por sutiles sombras rítmicas”.

Por su parte, el crítico de arte Carlos E. Palacios, advierte que “la obra de Nanin tiene que entenderse como la acertada relectura de las precipitaciones contemporáneas de los legados abstracto-geométricos y su evolución formalista lo largo de la historia reciente del arte, así como la materialización contemporánea de un particular léxico de reminiscencias suprematistas, movimiento artístico de las vanguardias heroicas del siglo XX, por demás canónico en la relación del arte moderno con la música y sobretodo, con la anotación musical”.

El especialista hace referencia al padre de la abstracción, Wasilly Kandinsky, para quien la música representaba una manifestación simbólica traducible en formas y colores, y partiendo de esa afirmación, considera que las variables permutables de la obra de Nanin tienen su origen en los pentagramas y el alfabeto musical a los cuales el artista les tiene especial afecto.

“Hacia comienzos de la década de los ochenta, Nanin comenzó a traducir el alfabeto occidental a formas de una gran pureza. A partir de un complejo sistema de permutaciones de un reducido catálogo de caracteres geométricos, el artista logró componer un particular método sígnico, cuya combinación generaba infinitas estructuras de una gran potencia plástica. Las posibilidades universales de este personal alfabeto visual, incomprensible en una primera lectura pero lógico en su orden textual, promovieron exploraciones cuyo eje referencial mas obvio se fundamenta en los postulados universalistas de la abstracción geométrica moderna”, puntualiza Palacios.

La obra de Nanín, según escribe Carlos Cruz Diez, “no es simplemente formas en el espacio. Es un código secreto, propicio a la poesía, a los textos imaginativos. Frases destinadas a otra lectura: aquella del espacio, el ritmo, la sutileza y el refinamiento. Un verdadero vocabulario que rebasa su intención inicial transportándonos al placer de lo eminentemente plástico”.

El público podrá apreciar la obra de este gran artista a través de la exposición Código Nanín, que se exhibirá del 25 de septiembre al 30 de octubre en la Galería Graphicart, ubicada en la Avenida Veracruz, Edificio La Hacienda, Planta Baja, Las Mercedes, Caracas. El horario de exposición es de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m. La entrada es libre.

José Armando “Nanín” García
Código Nanín
Del 25 de septiembre al 30 de octubre de 2011
Galería GraphicArt
Avenida Veracruz, Edificio La Hacienda,
Planta Baja, Las Mercedes, Caracas, Venezuela
Lunes a viernes de 10:00 a.m. a 1:00 p.m. y de 3:00 a 6:00 p.m.
Sábados y domingos de 11:00 a.m. a 2:00 p.m.
Entrada libre

Obras de Chillida se exponen por primera vez en Chile

2011-09-23T08:27:00.001-03:00

La muestra acogida a la Ley de Donaciones Culturales, “Chillida: Reflexión-Materia”, se inaugura el jueves 22 de septiembre en la Galería Patricia Ready y es un hito en el calendario 2011 de las artes visuales. Colaboran en este evento ArTtena Barcelona, Inparce Barcelona y la Familia Chillida.

Por primera vez el público chileno podrá apreciar entre el 22 de septiembre y el 5 de noviembre en la Galería Patricia Ready una selección de 65 piezas de Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924-2002). Uno de los escultores más importantes del siglo XX cuyas obras figuran en todos los grandes museos del mundo.

La exposición representativa de la extensa producción artística de este creador pertenece a la colección de la familia Chillida, que posee un espacio monográfico dedicado al estudio, la conservación y difusión del trabajo de este artista universal.

La exhibición estará conformada por esculturas de hierro, acero, alabastro y tierra (denominadas Lurras), dibujos, collages y gravitaciones-relieves de papeles suspendidos de hilos. Su instalación en el espacio expositivo evidencia la diversidad de materiales con los que Chillida trabajó esta innovadora e interesante propuesta.

Esta muestra incide particularmente en la importancia que el escultor le otorgó a la materia desde que en 1951 descubrió el hierro en la oscuridad de una forja del País Vasco, donde evidenció en sus trabajos las posibilidades de este material y marcó el inicio de un nuevo universo creativo.

Construcción Poética
Con el auspicio del Banco BBVA, Ignacio Chillida y Julio Niebla son los comisarios de esta emblemática cita para el mundo de las artes visuales. Esta es una oportunidad única para descubrir el conceptualismo de Chillida. El mismo que invita a reflexionar sobre las características intrínsecas de la materia y las ideas o conceptos que el escultor trabaja a partir de la misma.

Chillida elige el material por “intuición” o “percepción” como alguna vez confesó. Le importa la materia en sí, con sus propiedades y cualidades. Esta condicionó su trabajo desde el principio: “Acepto la reacción de la materia a causa de sus claves internas y amoldo mi idea a la materia con la que trabajo”.

Su obra contiene una dosis de construcción y poesía: ambos conceptos ligados al espacio y la arquitectura, y una forma poética de mirar la materia y concebir el mundo. “Se puede actuar en campos muy variados, pero lo que emparienta al arte, lo que tienen en común todas las artes, es que están obligadas a presentar dos componentes que no pueden fallar: la poesía - es necesario que exista algo de poesía -, y una dosis de construcción; si no, no hay arte”.

“Chillida: Reflexión-Materia”
Inauguración jueves 22 de Septiembre 2011, a las 19:30 horas.
Fecha: del 22 de septiembre al 5 de noviembre
Auspicia: Banco BBVA
Comisarios: Ignacio Chillida y Julio Niebla
Organización – Producción: Inparce Barcelona y Familia Chillida
Promoción y coordinación del proyecto: ArtTena Barcelona.
Galería Patricia Ready
Espoz 3125, Vitacura
Lunes a viernes, de 10:30 a 20:00 horas
Sábado y festivos, de 10:30 a 18:00 horas.
www.galeriapready.cl

Exposiciòn de pinturas de Vanessa Gòmez

2011-09-21T08:59:00.001-03:00

Cinco años girando en la ruleta me devuelven al punto donde me subí, hace cinco años (ese coche no conducía a ninguna parte). Al mismo punto donde me subí: las novias acuáticas escupen el lodo, los tristes soldados apartan el miedo y los niños muestran su sexo para volverse reales, para cruzar la frontera de los meros fantasmas.

Todo es casi igual, pero hay pequeños cambios: las figuras ya no quieren tocar suelo y flotan en el espacio, impulsadas por su cabeza despeinada, inmersas en una nube de aire y humo.

Trabajo mucho a partir de fotografías antiguas, para construir el pasado, para construirme una memoria, aunque las fotos ni siquiera sean mías y la memoria sea, por tanto, artificial. Establezco una relación con esos desconocidos, ya que la mayoría son imágenes prestadas o bajadas de internet. Me entran ganas de archivarlos en un álbum y guardarlos en el baúl, junto al resto.

En mi familia la relación entre celebración y muerte se estrecha: una muerte para mi bautizo y un cadáver en mi comunión, veinticuatro horas después, en casa, donde recibí los regalos, donde me comí la tarta.

He reconstruido mi taller en la casa de mis padres. Sólo los espejos de la casa familiar son objetivos: en ellos descubro, asombrada, que definitivamente envejezco.

Busco en la pintura un referente, un ancla, una memoria y un deseo. También busco un espejo. Como en un espejo, en el cuadro me veo, me busco y me muestro. El cuadro devuelve imágenes de mi posible belleza y sobre todo, y sin tapujos, devuelve los reflejos de mi más profunda fealdad.

Breve declaración prestada. (Reflexiones frente a un tetra-brick y un bote de suavizante)
Debo confesarlo sinceramente. La vista de cualquier animal me regocija y me ensancha el corazón, sobre todo la de los perros, y luego la de todos los animales en libertad, aves, insectos, etc. Por el contrario, la vista de los hombres excita casi siempre en mí una aversión muy señalada, porque con cortas excepciones, me ofrecen el espectáculo de las deformidades más horrorosas y variadas: fealdad física, expresión moral de bajas pasiones y de ambición despreciable, síntomas de locura y perversidades de todas clases y tamaños; en fin, una corrupción sórdida, fruto y resultado de hábitos degradantes. Por eso me aparto de ellos y huyo a refugiarme en la naturaleza, feliz al encontrar allí los brutos.

Schopenhauer, El amor, las mujeres y la muerte

Vanessa Gómez
Del 24 de septiembre al 19 de noviembre de 2011
Inauguración: sábado 24 de septiembre de 2011 / 20:30 h
Galería Fúcares Almagro
San Francisco, 3
13270 Almagro
Tel.: 926 86 09 02
Horario: de Martes a Sábado: de 18:00 h a 21:00 h
www.fucares.com

Retrofutura, Exposiciòn homenaje a Rafael Coronel

2011-09-19T02:19:00.002-03:00

El artista realizó 18 piezas ex profeso para esta exposición, a través de la cual se celebran 80 años de vida del artista y 60 de trayectoria profesional
Del 13 de septiembre al 6 de noviembre, el Museo del Palacio de Bellas Artes alberga la exposición Retrofutura. Rafael Coronel, como una forma de homenaje al artista zacatecano, quien celebra 80 años de vida y 60 en la creación plástica.
Con la curaduría de Juan Rafael Coronel Rivera, la retrospectiva está conformada por 109 obras, entre pinturas, esculturas y dibujos, que van desde las que produjo el artista al comienzo de su carrera, en la década de los cincuenta, hasta aquellas de reciente manufactura ex profeso para esta exposición.
No obstante que es un artista reconocido, tanto en nuestro país como en el extranjero, las etapas creativas de Rafael Coronel se han difundido vagamente, por lo que resulta fundamental ofrecer una mirada retrospectiva de su obra, así como advertir el lugar que ocupa en la historia del arte mexicano del siglo XX. Por ello, el recorrido mostrará las obras y etapas más emblemáticas de su producción, así como los temas y motivos que en diversos momentos han ocupado un interés primordial en su trabajo.
En la muestra destaca la presencia de 18 piezas creadas para esta exposición, que ponen de manifiesto los elementos característicos de su estilo pictórico: su interés por el retrato, la representación frontal de personajes, la teatralidad gestual y ambiental, la ambigüedad del espacio, así como la expresividad de los rostros.
La exhibición contempla la sala educativa “Coronel: artista y coleccionista” en la Sala Paul Westheim, diseñada por el Departamento de Educación del museo, donde, a través del juego y actividades didácticas, el público podrá acercarse a la propuesta estética del artista.
La exposición se integra por obras procedentes de la colección del Museo de Arte Blanton de la Universidad de Texas en Austin, el Museo Francisco Goitia y Museo Rafael Coronel en Zacatecas; el Fondo Patrimonial en beneficio de El Colegio de México; el Museo de Arte Moderno del INBA; la Colección de Pago en Especie de la SHCP, la colección del Patrimonio Artístico del Banco Nacional de México, el Museo de Arte Moderno del Estado de México en Toluca, la Galería Enrique Guerrero y Lourdes Sosa Galería.

Después de permanecer en el Museo del Palacio de Bellas Artes, Retrofutura… se presentará de diciembre de 2011 a enero 2013 en dos sedes más: el Museo Rafael Coronel en Zacatecas y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey.

A propósito de esta exposición, se realizó un libro con la colaboración de la Secretaría de Educación Pública, el gobierno del estado de Zacatecas, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Cydsa y Talamontes Editores.

Se trata de una publicación sin precedentes en la bibliografía sobre el artista que reúne textos de especialistas mexicanos y extranjeros y una veintena de escritos antológicos de reconocidos autores, además de la reproducción de más de 400 fotografías. El próximo 22 de septiembre, en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes a las 19:00 horas, se llevará a cabo la presentación de este material.

Rafael Coronel nació en Zacatecas en 1931. En 1951, se muda a la ciudad de México y gana una beca para estudiar en la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda”. Después de algunos meses bajo la tutela del artista Carlos Orozco Romero, abandonó dichos estudios para formarse de manera autodidacta. Coronel coincidió con la generación de artistas de la llamada generación de “La Ruptura”, que se gestó más como una actitud que como una propuesta formal uniforme.

Su trabajo se consolidó de manera solitaria y alejada en estilo a cualquiera de sus contemporáneos, cercano más hacia la figuración.

Coronel ha participado en más de 100 exposiciones colectivas y de manera individual en más de 50 ocasiones. Es creador Emérito por parte del Sistema Nacional de Creadores del FONCA.

Rafael Coronel
Retrofutura
Museo del Palacio de Bellas Artes
Del 13 de septiembre al 6 de noviembre de 2011
México / Distrito Federal
Prensa Conaculta

Sol Halabi, exposiciòn: "De bùsquedas y encuentros"

2011-09-16T06:39:00.003-03:00

Buscamos en la noche, en lo desconocido, en la oscuridad…. aquello que no se ve ni se sabe…
Encontramos verdades propias, que emergen poco a poco y se vuelven presencia, luz.
Alquitrán y oro… algo termina y lo descubierto, brilla….imperecedero.
Sol Halabi de "Bùsquedas y Encuentros".

Allegro Galería se enorgullece en presentar la tercera muestra individual en Panamá de la artista argentina Sol Halabi. Su pintura se ha ganado un espacio propio, donde se sostiene única y perfectamente reconocible, dentro del panorama actual del arte argentino y latinoamericano. Con dos muestras anteriores vendidas en su totalidad (2007 y 2011), el público panameño tendrá la oportunidad de volver a disfrutar de su trabajo, con la exquisita muestra ‘De Búsquedas y Encuentros’, a inaugurarse el miércoles 11 de mayo, a las 7:00 pm. Tendremos el placer de contar con la presencia del artista.

La expresión de la mirada enmarcada en un rostro iluminado, enigmático o sereno ha dominado la pintura de Sol Halabi en casi en todas sus etapas. Mientras el mundo de esos personajes cambia alrededor, el enigma de los retratos subsiste y continúa siendo el elemento vital de la serie que presentará en “De búsquedas y encuentros”.

“Cada cuadro me toma mucho tiempo, por eso trato de no pensar y concentrarme únicamente en la acción. Empiezo generalmente con sesiones de fotos con amigas cercanas y después quedo a solas con ésas fotografías y comienza el proceso de convivencia, donde nos vamos sintiendo cada vez más cómodas o por momentos nuestras tensiones se acentúan, hasta que logro convencerla de entrar en el cuadro, o es ella la que pugna e insiste en llevarme por caminos que hasta entonces yo desconozco”.

Sol Halabi nace en la ciudad de Córdoba (Argentina) en 1977; allí vive y trabaja. Cuenta que, desde chica, le era mucho más fácil dibujar que escribir y así como su letra no eran muy clara y sus dibujos si lo eran, se le hizo natural comunicarse a través de ellos.

Reconocida por el uso de materiales no convencionales como el alquitrán, la cera de abeja, la hojilla de oro, junto al óleo, las obras de Sol logran un juego de ocultamientos y desvelos, por capas y diferentes planos, construyen las escenas en las que la artista recrea ámbitos entre reales y ficticios. Sus rostros iluminados que recuerdan a los rostros pre-rafaelitas, contrastan con cuerpos que se confunden con la riqueza de fondos casi abstractos, osados, cargados de fuerza.

En esta serie, la oscuridad representa la incertidumbre, lo desconocido. Pero de las sombras de alquitrán y una paleta sobria, emergen sus rostros iluminados, la luz de verdes y azules, el brillo de la hojilla de oro que promete el encuentro de respuestas propias. "Cuando el rostro surge en el lienzo ya sé cómo seguirá la pintura, qué rumbo tomará", afirma la artista. Como si esa figura creada tuviera entidad propia y decidiera los pasos a seguir, imponiéndose sola.

“De búsquedas y encuentros” recoge obras última producción: 19 lienzos de pequeño, mediano y gran formato, así como obras sobre papel. Una vez más, Sol Halabi cautivará al público panameño con una muestra que deja en evidencia, además de su maestría, fuerza y sensibilidad de una artista extraordinaria.

SOL HALABI

Sol Halabi nace en la ciudad de Córdoba en 1977 y allí vive y trabaja. Cuenta con los títulos de Profesora en Artes Plásticas de la Escuela Provincial de Bellas Artes “Figueroa Alcorta” y Licenciada en Pintura de la Universidad Nacional de Córdoba, de la cual egresa galardonada con el “Premio Universidad”. Expone y participa de salones y ferias desde el año 2000. Entre sus muestras individuales se destacan muestras en la Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras y Museo Lino Spilimbergo, así como en la galerías Cerrito y Maria Elena Kravetz de la Ciudad de Córdoba, en la Galería Zurbarán, en Buenos Aires y en galerías y centros culturales de los Estados Unidos.

Ha participado en ferias de arte como SoFa de Chicago y Nueva York, ArteBa y Art Miami y ha sido seleccionada en el Salón Nacional en tres ocasiones y en el de Salón de Santa Fe. Ha recibido Mención en el Salon Osde. Premiada como “Mejor artista Argentino” en el Salón Nacional de Salta. Mención de Honor, Tercer, Segundo y Primer premio en el Salón de la Cámara Argentina de la Construcción. Segundo premio en el Salón de Asociación de Artistas Plásticos de Córdoba. Primer premio en Salón Bonfiglioli. Poseen obras la Colección del Gobierno de Córdoba, Museo Bonfiglioli, Museo Nacional de Salta, MoLAA en Los Angeles (USA) y en importantes colecciones privadas.

Sol Halabi
De Búsquedas y Encuentros
Del 14 de septiembre al 10 de octubre de 2011
Allegro Galería
Calle 73 San Francisco, Panamá
T: +507 226. 6967
www.allegrogallery.com

Jorge Dermirjiàn, "Pinturas recientes", Pabellòn de Bellas Artes

2011-09-15T10:23:00.001-03:00

El jueves 15 de septiembre a las 18.30, se inaugura en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA la muestra "Jorge Demirjián Pinturas recientes", una selección de obras de uno de los maestros del arte argentino, que expuso en importantes escenarios del exterior y cuya obra integra el patrimonio del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo de París, entre otras instituciones.

La exposición, curada por Cecilia Cavanagh, directora del Pabellón, está integrada por 31 obras, algunas de gran tamaño, realizadas en diversas técnicas: óleos, gouaches, tintas y lápiz en las cuales, dice la curadora, el artista "emplea el color y la línea con audaz soltura, evidenciando sus rasgos de confianza y destreza, y liberando lo creativo de su mente inconsciente".

Jorge Demirjián nació en Buenos Aires en 1932 y en 1960 viajó a Europa becado por el Fondo Nacional de las Artes, radicándose en Milán donde realiza una muestra individual en la Galería Delle Ore. Entre 1964 y 1966 vivió en Francia donde participó en el Salón de Mayo y expuso en importantes galerías. En los años siguientes expuso también en Nueva York y en Londres.

Desde entonces realiza innumerables exhibiciones en el país y en el exterior y recibe importantes reconocimientos: en 1972 gana el premio de pintura en la 3° Bienal de Arte Coltejer, Medellín, Colombia y representa a la Argentina en la 36° Bienal de Venecia. Poco después gana el premio de dibujo “Navarro Correas”, que se exhibe en el Museo Nacional de Bellas Artes.

"Demirjián imprime fuerza y vitalidad a su obra mediante vibrantes colores que asaltan al sentido visual –expresa Cavanagh-. Con acentuados contrastes del amarillo y el naranja, del verde y el blanco, del rojo y el azul, del rosa y el negro, entre otros, la paleta despliega un brillo espectacular, y su uso de colores estridentes enfatizan la angustia que yace tras sus pinturas. El artista se permite la libre expresión de su subconsciente, apoyándose en la superioridad del instinto sobre la razón, plasmando imágenes en una atmósfera crítica que hablan de un mundo fragmentado y caótico".

Jorge Demirjián Pinturas recientes
Del 15 de septiembre al 23 de octubre de 2011
Pabellón de las Bellas Artes - UCA
Alicia M. de Justo 1300, PB
Martes a domingo, de 11 a 19
Entrada libre y gratuita.

El Artista Francisco Toledo se presenta el el C.C.Borges

2011-09-14T08:16:00.001-03:00

El miércoles 14 de septiembre a las 19 se inaugura en el Centro Cultural Borges, la muestra "El cuentro del conejo y el coyote" del artista mexicano Francisco Toledo.

Auspiciada por la Embajada de México en la Argentina, la Galería Arvil y el Fondo de Cultura Económica, la muestra exhibe un conjunto de obras cuyos origenes se remontan a las ilustraciones que Francisco Toledo, por pedido de la Secretaría de Educación Pública de México, realizó para ser incluídas en un número de la Enciclopedia Infantil Colibrí.

El "Cuento del conejo y el coyote" narra la historia de un conejo de corazón que ama la fiesta y le encanta vagar como una "hoja de maíz de la mano del viento" que de pronto se topa con un coyote que quiere comérselo y su reciente reinterpretación y publicación en 2008 es un intento por rescatar la narración y la memoria oral de los pueblos indígenas.

El artista realizó treinta y tres acuarelas de las cuales la editorial solo utilizó dieciséis. Esta serie de ilustraciones fue posteriormente adquirida por un coleccionista mexicano y finalmente por la Galería Arvil.

La nueva edición del Fondo de Cultura Económica incluyó las treinta y tres ilustraciones que el pintor juchiteco había creado originalmente para la revista en el año 1979.

El libro contiene una versión trilingüe (español, zapoteco, inglés) del cuento tradicional del istmo de Tehuantepec, reinterpretado por la poeta Natalia Toledo y comprende textos de Carlos Monsiváis, Luis Carlos Emerich y Elisa Ramírez.

Natalia Toledo comenta: "De la tradición maravillosa de contar que tenemos los indígenas proviene el Cuento del conejo y el coyote, que pertenece a todos, porque todos lo recreamos con nuestras palabras cuando lo volvemos a contar, y así lo conservamos para las nuevas generaciones".

Por su parte, el escritor Carlos Monsiváis califica a Francisco Toledo como un "cazador de imágenes" y un "inventor de tradiciones". A ese respecto afirma: "Nada de lo que aparece en su obra (el universo de Toledo) había existido antes, ni las leyendas específicas, ni el animismo cachondo en su interminable ars combinatoria, ni la sexualización de las imágenes que no perturba la sensualidad de la forma; todo, también, viene ya de lejos, y visto en la infancia, en la adolescencia y la juventud, que Toledo somete a las otras palabras del color y del trazo y de la textura: las consejas y leyendas del itsmo de Tehuantepec, la visión de Oaxaca como el viaje al fondo de la experiencia que se inicia en un coito o en una matanza, los relatos que la atención de las generaciones esencializan (por lo mismo desvirtúa), los mitos en la pasarela que porta creaciones exclusivas de la fantasía. Y a la materia prima, cuyo nombre es Toledo, se le agrega un vasto conocimiento pictórico, los años en Europa y Estados Unidos, el aprecio por los artistas radicales y por la experimentación, todo lo que también se llama Toledo".

Para el crítico de arte Luis Carlos Emerich, "lo que Toledo aporta no son sólo recreaciones de figuras de la cosmogonía zapoteca, sino el génesis de su personalidad plástica enfrentado a la revaloración moderna de lo primitivo. Si otro pintor oaxaqueño, Rufino Tamayo, ya lo había experimentado y validado en sus aspectos formales, Toledo lo llevaría mucho más allá. Su asunción de las pulsiones sexuales como principio y fin de este mundo creó otros mundos plásticos posibles e imposibles".

La muestra, que se exhibirá hasta el 16 de octubre en el Centro Cultural Borges, propone un recorrido por las acuarelas realizadas por Toledo inspiradas en el relato de la cultura oral mexicana y ofrece la lectura que intelectuales y aristas han hecho de esta obra.

Francisco Toledo
El Cuento del Conejo y el Coyote
Inauguración: 14 de septiembre 19 Hs.
Horario: lunes a sábado de 10 a 21 hs. Domingos de 12 a 21 Hs
Visitas guiadas: viernes, sábados y domingos 17:30 Hs.
Encuentros con artistas e ilustradores:
Sábado 17 de septiembre, 17:30 hs: Marina Aizen
Sábado 24 de septiembre, 17:30 hs: Rep Y Eduardo Stupía
Tardes de arte y narración para chicos: sábados 16 hs.
Informes: 5555-5359
Entrada: Bono contribución: $ 15.-
Estudiantes y jubilados $ 10.-
Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Horarioa: lunes a sábado de 10 a 21. Domingos y feriados de 12 a 21